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Début du théâtre Kabuki - Histoire

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Début du théâtre Kabuki
La forme de théâtre Kabuki a commencé au Japon lorsqu'une femme a dansé un drame populaire dans un temple bouddhiste.


Comme il est communément dérivé, le mot kabuki combine les mots japonais ka ("chanson"), bu (« danse »), et ki ("compétence"). Cependant, le Temps du Japon rapporte que kabuki vient du verbe kabuku, signifiant "incliner ou se balancer" et est utilisé pour décrire "des gens qui sortaient de l'ordinaire et préféraient s'habiller avec des vêtements extravagants". En tant qu'art, Kabuki se caractérise par des costumes colorés, de la musique, des performances stylisées et de larges postures et gestes dramatiques appelés kata. Avec des intrigues souvent dérivées de guerriers et d'érudits historiques, les thèmes communs incluent l'honneur, la justice et l'ordre.

Occidentaux rencontrés Kabuki au XIXe siècle et au début du XXe siècle. En 1867, le dictionnaire japonais-anglais de James Curtis Hepburn définissait Kabuki comme « une sorte d'opéra ». En 1938, le Conseil japonais de l'industrie touristique a publié une brochure pour expliquer Kabuki aux visiteurs.

Les experts politiques américains ont commencé à décrire la mise en scène et les postures politiques comme Kabuki au début des années 1960, avec un premier exemple en 1962 caractérisant la politique de la nouvelle frontière du président Kennedy comme un « kabuki financier » créant une « vue colorée et insouciante ».

En 1966, Ben Anderson, spécialiste de la culture indonésienne, a explicitement comparé l'occupation japonaise de l'Indonésie à Kabuki. Anderson a soutenu que le gouvernement japonais a utilisé les éléments de Kabuki, y compris, « des silences mystérieux, des sautes d'humeur fulgurantes, des grimaces terrifiantes, des acrobaties spectaculaires et un apparat somptueux » pour contrôler les Indonésiens. Cela caractérisait les relations étrangères japonaises de l'époque comme étant plus théâtrales que substantielles. Depuis, kabuki a été utilisé pour décrire le drame politique et l'apparat aux États-Unis, au Japon et ailleurs.


Origines et évolution du théâtre Kabuki

La forme très populaire de théâtre japonais connue sous le nom de Kabuki, s'est développée au XVIIe siècle comme un amalgame de plusieurs éléments d'autres types populaires de théâtre japonais traditionnel. Initialement un art de la performance basé sur la danse avec des thèmes romantiques et le plus souvent érotiques, et utilisait principalement des femmes et des jeunes hommes comme interprètes. Finalement, après de nombreux points dramatiques concernant les interprètes et la nature souvent sexuelle des performances, au cours des années 1660, les troupes de kabuki ont commencé à enchaîner plusieurs scènes dans une forme de jeu, se concentrant moins sur les danses de style vignette et se dirigeant davantage vers le théâtre mis en scène. Au fur et à mesure que la popularité grandissait, le style du Kabuki s'est davantage rapproché du personnage du théâtre réel, se reflétant plus facilement dans les décors en constante évolution et la poussée pour des intrigues plus complexes. Le développement du Kabuki a semblé prendre une forme ou une renaissance au cours de ce qu'on appelle la période Genroku, la fin du XVIIe siècle, où l'art a vraiment prospéré et une nouvelle vague de créativité a frappé. C'est aussi l'époque où le Kabuki et le théâtre de marionnettes japonais ont commencé à se mélanger, et le Kabuki a été changé à jamais, et a été continuellement affiné au cours des dernières années, en un véritable style de théâtre plutôt qu'une danse quelque peu jouée.

Le Kabuki a été créé pour la première fois par la prêtresse shinto Okuni d'Izumo, bien qu'il y ait assez peu d'informations sur les circonstances qui l'ont amenée à créer ce style de danse unique. Les origines les plus probables du style de danse d'Okuni sont celles des danses bouddhistes qui se confondaient quelque peu avec les danses folkloriques japonaises traditionnelles. De plus, il y a des spéculations que ses danses ont été inspirées par des éléments de nō qui lui ont été enseignés par Nagoya Sanzaemon, mais il n'y a pas de descriptions détaillées de ses danses originales, et donc nous devons opérer principalement sur des spéculations plutôt que sur des faits. Indépendamment du fait qu'aucune information détaillée ne subsiste sur les danses originales, il est tout à fait certain que cet art de la performance original a gagné en popularité assez rapidement, car Okuni a dirigé plusieurs troupes de danse en tournée, et plusieurs théâtres de kabuki sous licence ont émergé assez rapidement à Kyoto, et le l'art a commencé à évoluer tout aussi rapidement.

Wilson, Edwin et Alvin Goldfarb. Théâtre vivant Histoire du théâtre. 6. New York : McGraw Hill, 2012. Impression 94-99.


Greginjapants

Ceci est un essai que j'ai écrit récemment pour mon cours d'histoire japonaise. Le théâtre japonais est incroyablement intéressant, certaines formes comme Bugaku ont à peine changé depuis 1300 ans. Tout le monde est toujours déconcerté par la façon dont les Japonais sont si avancés et éduqués sur le plan technologique tout en préservant leur héritage et le théâtre traditionnel en est un parfait exemple. J'ai ajouté de jolies vidéos que j'ai trouvées lors de mes recherches, veuillez les consulter car elles expliquent bien mieux le théâtre japonais que moi. De plus, la vérification orthographique continue de s'énerver contre la façon dont j'épelle le théâtre. En tout cas profitez-en !

Tout au long de l'histoire du Japon, le théâtre a joué un rôle important en représentant étroitement (de manière réaliste ou symbolique) de nombreux éléments de la vie au Japon. Les influences, en raison de la petite taille des pays, ont pu affecter l'ensemble du pays en très peu de temps, ce qui a entraîné une adoption rapide des styles importés et une adaptation aux goûts nationaux. Beaucoup de ces formes théâtrales encore jouées au Japon sont des reliques historiques conservées sous une forme vivante depuis plus de 1200 ans. Ces formes d'art ont évolué de la musique et du théâtre influencés par l'étranger à l'incorporation d'influences nationales et étrangères pour finalement aboutir à un produit rassemblant de nombreux éléments japonais qui sont maintenant considérés dans le monde entier comme distinctement japonais.

Le premier enregistrement historique relatif au théâtre remonte au Kojiki, avec l'introduction du Gigaku par les Coréens en 612 après JC. Gigaku a été exécuté comme une danse silencieuse masquée avec un accompagnement musical. Le prince Shotoku a souhaité incorporer la danse Gigaku dans le rituel bouddhiste, il a donc patronné une école de danse et de musique sous la cour de Nara. Certaines parties de Gigaku ont été absorbées dans Bugaku et Sangaku et l'art a finalement disparu. Bien que la forme d'art ne soit plus pratiquée, il reste encore 200 masques utilisés dans les danses conservés dans les temples de Nara. Ici, nous pouvons voir le début des agrafes du théâtre japonais, l'utilisation de masques, la danse et l'accompagnement musical.

Toujours au 7ème siècle, la musique de cour Gagaku et le style de danse Bugaku ont été transférés de Chine via la Corée. Depuis sa création, les deux étaient très populaires auprès de la noblesse et sont devenus avec condescendance. Les deux ont prospéré dans le cadre des banquets et des cérémonies de la cour, des services du temple, des festivals de sanctuaires et dans les théâtres de tout le pays. Le Bugaku peut être divisé en trois styles de danse différents Bun-no-mai une danse gracieuse caractérisée par de longs chants lents et des mouvements de danse rapides, Bu-no-mai une danse de style militaire exécutée avec des épées et des lances et le Hashiri-mai, un la course à pied en utilisant des masques, des armes et des baguettes. Les mouvements lents, précis et majestueux du Bugaku peuvent être considérés comme une influence sur les futurs styles théâtraux comme le Nô. Dans l'ensemble, la forme reflète l'esthétique japonaise de la retenue, le thème principal étant l'action contrôlée et la symétrie, contrastées par des mouvements soudains et féroces. Lors de l'essor du Bugaku, les Japonais font la distinction entre les danses étrangères (Uho-no-mai importées de Corée et de Mandchourie, Saho-no-mai de Chine et d'Inde) et celles créées au Japon. Finalement, vers la fin de la période Heian, Bugaku a commencé à décliner en faveur de Dengaku et Sarugaku en raison du changement de pouvoir de la noblesse au pouvoir administratif de la classe guerrière qui a favorisé un nouveau style de divertissement. Le bugaku est toujours conservé dans certains sanctuaires et temples à travers le pays et, en combinaison avec le gagaku, il s'agit de la danse et de la musique de cour les plus anciennes au monde. (UNESCO 1)

Sangaku incorporait le chant, la danse, le mime, l'acrobatie, les marionnettes, la magie et la jonglerie similaires aux spectacles de cirque modernes. Il a été introduit de Chine vers 700 après JC. En 1000 après JC, il avait évolué pour devenir le divertissement populaire appelé Sarugaku. Les artistes venaient des classes inférieures et se produisaient dans des festivals et des temples où de grandes foules de fidèles se réunissaient pour s'amuser. Cela a permis à Sarugaku de gagner en popularité et a finalement été fréquenté par des sanctuaires et des temples. (Inoura 40) Les interprètes ont formé des guildes et ont travaillé à développer leur présentation en incorporant le chant et la danse aux représentations de Sarugaku. Cela devint connu sous le nom de Sarugaku-no-noh et finira par devenir le drame nô que nous connaissons aujourd'hui. L'élément comique s'est séparé des éléments plus séreux de Sarugaku-no-noh mais était toujours exécuté en conjonction. Au 14ème siècle, ces performances comiques deviendraient Kyogen. En plus de Sarugaku, une autre forme théâtrale Dengaku était très populaire. Le dengaku était une musique de campagne et une danse rustique de la population agricole exécutées lors des célébrations de la plantation du riz au début de la saison de plantation et du nouvel an. Il a été apporté dans les villes et de nombreux éléments rituels ont été ajoutés au répertoire de Sarugaku par le fondateur de l'école Kanze Kanami et son fils Zeami. Dengaku et Sarugaku étaient en compétition constante pour la renommée et à la fin de la période Kamakura, Dengaku avait dépassé Sarugaku. À son tour, à la fin de la période Muromachi, Dengaku déclina et Sarugaku gagna en popularité.

Noh est né lorsque le shogun Yoshimitsu a assisté à une représentation de Sarugaku et est devenu amoureux du jeune interprète Zeami qui a développé l'art d'un style lyrique calme et magnifique. Sous le patronage du shogun, les performances de Sarugaku ont été élevées hors de leur passé plébéien et raffinées pour plaire aux goûts aristocratiques. (Varley 114) Nô doit beaucoup au parrainage des shoguns et les artistes ont été divisés en cinq écoles pour amener l'art à un état de perfection. Ce fut le début du système iemoto, une structure hiérarchique est encore visible aujourd'hui. Les iemoto sont l'autorité sur la forme d'art et l'introduction de nouvelles pièces ou de nouveaux styles doit venir d'eux. Les secrets et les traditions sont transmis à travers ces familles iemoto et pour devenir un artiste Nô, les acteurs doivent être adoptés dans ces familles, cette pratique peut également être observée dans . Noh a mélangé les traditions classiques et modernes ainsi que l'influence du Japon et de la Chine incorporant une grande partie de la culture zen dans son style. En raison des dirigeants militaires, les relations entre la culture provinciale et celle de la capitale et la complexité croissante de la vie sociale pour l'homme ordinaire, les complots et le dialogue ont commencé à prendre plus de poids. À l'époque d'Edo, le nô était officiellement joué lors des rituels des seigneurs féodaux, et la plupart des clans employaient leurs propres acteurs nô. (Waseda Uni). Les mouvements des acteurs sont censés avoir un effet maximum avec un minimum de mouvements stylisés. Ces mouvements sont devenus extrêmement codifiés et la forme d'art est devenue basée sur la tradition avec peu de place pour l'innovation. Il y a un toit au-dessus de la scène qui aide à l'acoustique car Noh a été initialement joué à l'extérieur et de nombreux éléments de la scène restent en grande partie inchangés depuis cette époque. La peinture du pin à l'arrière de chaque scène de Nô est également considérée comme une représentation des débuts en plein air de Nô. Les quatre piliers qui entourent la scène ont été inspirés des sanctuaires shintoïstes et servent à informer les acteurs de leur position sur scène car ils ne peuvent pas bien voir lorsqu'ils sont masqués. Il y a une passerelle surélevée appelée « hashigakari » où les acteurs entrent et sortent de la scène servant de chemin métaphorique entre ce monde et l'autre. Cela provenait du fait que lorsque Nô a été établi, le peuple japonais vivait en temps de guerre et la vie semblait être une illusion temporaire. La musique est essentielle au nô avec les chanteurs et la fanfare qui changent de rythme et créent l'ambiance en relation avec le personnage principal. L'une des parties les plus intéressantes et les plus belles du théâtre Nô sont les accessoires essentiels, les masques. Les masques sont sculptés de manière à transmettre une émotion en changeant l'angle sous lequel ils sont vus ou en changeant l'éclairage. Leurs traits exagérés viennent de l'époque où le Nô était interprété à la lumière des torches et il était difficile de voir la scène. Les traits exagérés permettaient à ceux qui étaient assis plus loin de pouvoir encore distinguer les personnages.

Parallèlement, Noh a développé le théâtre Kyogen qui a évolué à partir de pièces comiques jouées dans des routines de Sarugaku. Le dialogue comique et réaliste sert de compliment à Nô en se concentrant sur la vie des citoyens ordinaires plutôt que sur des héros d'importance historique ou de renommée littéraire. Kyogen est radicalement différent du style formel, symbolique et solennel de Noh et l'un des avantages est que les styles des deux n'empiètent pas l'un sur l'autre, ce qui leur permet d'être exécutés en harmonie. Pendant une représentation de Nô, une pièce de Kyogen peut être vue 3 fois. Elle peut être jouée séparément, entre deux pièces de Nô ou pendant la pièce entre deux scènes lorsque le contenu dépasse les limites strictes de Nô. Lorsqu'il est joué pendant une représentation de Nô, le discours et le mouvement de Kyogen deviennent sérieux et dramatiques et le rôle est d'expliquer les événements de la pièce dans un langage familier plus compréhensible pour le public. (Inoura 119) À Kyogen, les acteurs ne portent souvent pas de masques, mais lorsqu'ils sont utilisés, ils ont des traits et des expressions exagérés pour augmenter l'humour. Par exemple, le masque d'une jeune fille n'est pas le visage beau et serein de Nô mais celui d'une grosse fille rondelette.

Le Kabuki a commencé à l'époque d'Edo et était incroyablement populaire parmi les citadins. En raison des styles de danse évocateurs visant à inciter les spectateurs à parrainer de nombreuses troupes « activités annexes » de la prostitution ainsi que le fait que ces artistes venaient des classes inférieures, Mesdames Kabuki a été interdite par le shogunat. Le kabuki des hommes a été contraint de se modeler sur Kyogen plutôt que sur la luxure observée dans Ladies Kabuki. Au cours d'une représentation, les acteurs prennent des poses dramatiques mémorables à des moments importants de la pièce pour établir leurs personnages. La pose mie caractéristique a été développée pour augmenter la tension dramatique et pour permettre au public de mieux voir l'action, car les pièces étaient à l'origine éclairées par des bougies ou des torches. Les éléments scéniques peuvent consister en des scènes tournantes et des trappes évoquant le sentiment de yugen lorsqu'un acteur sort du sol au centre de la scène. Les acteurs se maquillent le visage en blanc et ont ensuite diverses lignes colorées qui indiquent clairement la personnalité de leurs personnages. Le rouge représente la force et la justice, le bleu pour un personnage maléfique et le marron pour les êtres surnaturels. Contrairement au nô, lors d'une représentation de Kabuki, le public participe souvent en criant des encouragements aux acteurs pendant la pièce. (Cavaye 68) On peut voir ici les racines du drame « décalé et excentrique » qui a été créé et soutenu par les classes populaires. Le Kabuki peut être considéré comme le début de la culture pop au Japon, influençant les styles vestimentaires et capillaires à son époque. Les subtilités de la suggestion, de l'imitation et de la nuance font la beauté du théâtre japonais. Dans la pièce que j'ai vue « sagi musume », la pièce commence avec une femme perdue dans une tempête de neige vêtue d'une robe blanche mais sa ceinture noire menaçante donne l'impression que quelque chose ne va pas. Nous apprenons à travers les mouvements des acteurs et les chants des narrateurs qu'il ne s'agit pas du tout d'une femme mais d'une jeune fille réincarnée en héron rempli de haine après avoir été trahie par son amant. Un assistant vêtu de noir sort de la scène pour retirer la couche supérieure de son kimono et soudain, la scène est un flash-back où elle est à nouveau une jeune fille vêtue d'un kimono rouge. La musique reprend et le style de ses mouvements change soudainement alors qu'elle exécute une danse de cour de séduction pour un courtisan invisible. La profondeur de cette intrigue a été exprimée avec naturel et simplicité par le mouvement d'un acteur sur scène.

On peut retracer les origines de la marionnette au Japon à la période Heian, encore une fois importée de Chine. Les marionnettes et les « histoires chantées » joruri ont gagné en popularité et leur association avec le shamisen importé des îles Rykyuu leur a donné une large publicité. (UNESCO 42) Ces pièces sont devenues connues sous le nom de Bunraku et beaucoup proviennent d'histoires de la période Edo et de récits du XVe siècle. Le Kabuki et le théâtre de marionnettes étaient étroitement liés et en raison de la popularité croissante du Bunraku, Kabuki a commencé à jouer des pièces de théâtre de marionnettes bien connues et à imiter le mouvement des poupées. À ce jour, les marionnettes sont toujours fabriquées à la main avec 3 marionnettistes travaillant à l'unisson pour coordonner les mouvements. d'une seule marionnette sur scène. Ce style de 3 marionnettistes est unique et ne peut être vu nulle part ailleurs dans le monde. (Haar 43) Le narrateur-chanteur taiyu fait la voix de tous les personnages de la pièce et malgré le fait de suivre un scénario, cela lui laisse une marge d'improvisation. Bunraku et Kabuki avaient tous deux de nombreuses pièces qui se concentraient sur le conflit entre la famille ou l'amour et le giri ou le devoir.

Lorsque nous regardons en arrière sur l'histoire du théâtre japonais, tout ce qui a conduit aux 3 principaux styles artistiques d'aujourd'hui a été inspiré et construit les uns sur les autres en mélangeant la tradition de plusieurs cultures pour créer quelque chose d'uniquement japonais. En effet le drame musical dansé est présent dans la société japonaise depuis 1400 ans. Nous pouvons voir comment les masques de Gigaku ont inspiré ceux de Bugaku et transférés à Noh et Kyogen. Les mouvements de danse lents et délibérés qui ont commencé au 7ème siècle ont évolué pour devenir ce que l'on peut maintenant voir dans les arts de la scène vivants. Au début, le Japon était déterminé à imiter directement la Chine, mais lentement, les formes d'art se sont fusionnées avec les goûts et les influences locales pour former des styles hybrides comme le Sarugaku. De plus en plus d'art a commencé à rassembler de multiples éléments de la culture japonaise et les pièces de théâtre ont commencé à prendre une influence distinctement japonaise principalement de la littérature comme le Conte de Genji et le Conte de Heike. La poésie a été incorporée sous la forme de chants et de chants et des esthétiques comme le sabi et le yugen ont été incorporées. Les arts théâtraux ont aidé à la fusion de l'aristocratique et du plébéien et il est étonnant qu'ils aient continué si longtemps avec si peu de changements. Le que Ces arts sont devenus certains des biens culturels immatériels du Japon avec un riche patrimoine qui se poursuit aujourd'hui.

Inoura, Yoshinobu. Le théâtre traditionnel du Japon. New York, NY : Weatherhill, 1981.

Cavaye, Ronald. Un guide de la scène japonaise. Tokyo, Japon : Kodansha International, 2004.


Essai : Brève histoire du théâtre Kabuki

L'année était 1603. Par une bizarrerie historique, le même jour calendaire (le 24 mars *) que la reine Elizabeth I est décédée et que le roi Jacques VI d'Écosse est monté sur le trône d'Angleterre, le Japon Tokugawa Ieyasu a reçu le titre de shogun de l'empereur après sa victoire écrasante sur le champ de bataille trois ans plus tôt, marquant le début d'une période de stabilité politique sans précédent au Japon, connue sous le nom d'ère Edo. La même année, alors que Shakespeare écrivait Othello, Cervantès travaillait sur don Quichotte et le premier établissement permanent de l'Angleterre dans les Amériques était encore quatre ans dans le futur, une femme nommée O-Kuni a dansé sur les rives de la rivière Kamo à Kyoto et a planté par inadvertance les graines du théâtre Kabuki.

O-Kuni était un miko (prêtresse) qui se produisait pour solliciter des contributions pour le sanctuaire d'Izumo, aujourd'hui encore l'un des sites les plus sacrés de la nation. Elle a attiré l'attention en s'habillant en homme vêtu d'une manière extravagante dans divers sketchs, y compris un étranger catholique, avec chapelet et crucifix, et, plus notoirement, en samouraï lors d'une visite vigoureuse aux quartiers de plaisir (avec des dames jouées par des travestis Hommes). Elle était connue pour son fanfaron effréné et son attitude volontairement décalée – c'est-à-dire qu'elle « kabuku-ed » ou se comportait dans un style audacieux et non conventionnel, en y ajoutant une bonne dose de sex-appeal pour faire bonne mesure. Sa performance a fait sensation et de telles pièces « kabuki » ont rapidement balayé la nation. Les caractères chinois pour Kabuki ont depuis été intelligemment améliorés pour lire ka (chanson), bu (danse) et ki (compétence d'acteur), mais les racines linguistiques suggèrent quelque chose de plus proche du théâtre punk.

La révolution de la danse d'O-Kuni et la montée au pouvoir d'Ieyasu n'étaient pas sans rapport. Le théâtre jusque-là, comme le vénérable drame nô masqué, était réservé à la noblesse. Ce fut la chance d'O-Kuni de se présenter à une époque où la classe ouvrière, libérée de l'angoisse des guerres persistantes et des bouleversements politiques, voulait se divertir et avait les moyens économiques de se le payer. Les innovations d'O-Kuni ont conduit aux premiers spectacles théâtraux du Japon à jouer régulièrement devant un public payant. Il s'agissait de productions résolument axées sur les interprètes, centrées sur la danse et sans prétention littéraire. En d'autres termes, le Kabuki s'est développé comme le théâtre de l'homme ordinaire.

Les représentations sont rapidement devenues principalement des affaires féminines offrant des divertissements paillards et somptueux, souvent un peu plus qu'une façade pour les maisons closes pour annoncer leurs marchandises. Cela a suscité la colère du gouvernement, qui s'est également méfié de l'extravagance des productions, des combats répétés entre les fans pour les artistes et du mélange potentiellement dangereux des classes sociales rigides du shogunat dans les théâtres. Le gouvernement a fait plusieurs tentatives pour interdire les femmes de la scène, la première dès 1608, avant d'intervenir définitivement en 1629. La popularité du Kabuki n'a pas manqué de battre un battement alors que les garçons et les adolescents, déjà actifs dans une certaine mesure, sont entrés au bord du gouffre en jouant à la fois rôles masculins et féminins. Cependant, la prostitution et les bagarres de spectateurs sont restées un problème, ce qui a conduit les autorités à l'interdire également en 1652. Par la suite, seuls les hommes adultes ont été autorisés à monter sur scène, même pour les rôles féminins. Cela a effectivement éliminé les insinuations sexuelles en tant qu'attraction clé. C'est à partir de cette époque que le Kabuki a commencé à se développer comme une véritable forme d'art.

Au début, le public du bastion militaire d'Edo (aujourd'hui Tokyo, qui était à un moment donné jusqu'à 70 % d'hommes) privilégiait les super-héros impossibles, les histoires exagérées et les maquillages, costumes et décors exagérés, alors que les spectacles dans la ville marchande d'Osaka avaient tendance à se concentrer sur des gens du commun dans des relations amoureuses vouées à l'échec, des problèmes financiers ou d'autres problèmes domestiques plus proches de l'expérience réelle du public. Une contribution particulièrement importante à ce dernier est venue du théâtre de marionnettes Bunraku de la région, qui a connu une brève mais intense période de popularité à partir de la fin du XVIIe siècle avec l'émergence du célèbre dramaturge Chikamatsu Monzaemon. La nécessité d'avoir à divertir à travers le drame et la caractérisation plutôt que le spectacle et les acteurs fêtés a donné lieu à des spectacles d'une plus grande profondeur, renforcés par certaines des représentations de la première scène des roturiers et de la vie quotidienne. Chikamatsu a tiré bon nombre de ses idées des dernières nouvelles et scandales, proposant souvent des émissions dans les semaines suivant l'événement réel avec des noms et des histoires modifiés pour un effet dramatique. Kabuki a rapidement emboîté le pas, adaptant de nombreux spectacles de Bunraku directement à la scène en direct, mais est resté éclipsé en popularité par les marionnettes jusqu'au milieu des années 1800, date à laquelle il avait été complètement transformé. La majorité du répertoire Kabuki standard d'aujourd'hui a ses racines dans le Bunraku, y compris les trois grands chefs-d'œuvre de la scène Kabuki (Le Trésor des fidèles serviteurs, Sugawara et les secrets de la calligraphie, Yoshitsune et les mille cerisiers), et même des pièces écrites par la suite directement pour la scène reflètent la plus grande complexité héritée des années de la marionnette.

Le Kabuki est resté une épine dans le pied des autorités, qui ont classé les acteurs littéralement comme « non humains » et les théâtres ainsi que les maisons closes comme « lieux maléfiques ». Lorsqu'il a été découvert que l'une des dames d'honneur de la mère du shogun avait fréquenté le Kabuki et pris le thé avec les acteurs, le shogun a définitivement fermé la salle de spectacle, imposé de sévères restrictions à d'autres théâtres et emprisonné, banni ou exécuté plus de 1 000 personnes. . En général, l'ostentation était découragée - un acteur majeur d'Edo a été exilé sur une petite île simplement pour sa flamboyance - et les histoires d'actualité étaient très limitées, bien que les écrivains aient contourné cela en changeant simplement la période et en modifiant légèrement les noms. Néanmoins, Kabuki était beaucoup trop populaire à ce moment-là pour être complètement étouffé, et de nouvelles pièces, écrivains et stars ont continué à émerger. Dans l'un des paradoxes de l'époque, les acteurs étaient au bas de l'échelle sociale en termes juridiques mais à la fois riches, célèbres et très influents dans la mode et les tendances sociales.

Les goûts des pièces d'époque et des drames domestiques se sont progressivement déplacés vers des spectacles englobant les deux aspects, mettant en vedette des spectacles alambiqués avec des développements de personnages époustouflants et des histoires imbriquées durant toute la journée. Les producteurs ont veillé à ce que le public en ait pour son argent non seulement avec des costumes somptueux, de l'action et de la musique live, mais aussi des innovations techniques telles que des scènes tournantes, des vols, des trappes, des bâtiments qui s'effondrent, des cascades et des ascenseurs qui pourraient élever des décors entiers, qui restent tous utilisés aujourd'hui. . Une évolution notable a été la hanamichi plate-forme s'étendant de la scène au fond du théâtre, amenant les acteurs directement dans le public pour des sorties et des entrées dramatiques. Le jeu d'acteur se distinguait par des mouvements et des gestes très stylisés qui ont été transmis au sein de chaque famille d'acteurs au fil des générations, de sorte que les styles de performance d'aujourd'hui sont largement conformes à ceux des siècles passés.

Kabuki a changé avec l'évolution de la structure du pouvoir dans la société alors que la classe guerrière nominalement puissante mais pauvre est devenue de plus en plus dépendante des classes inférieures riches. Les histoires du début du XIXe siècle ont dégénéré en récits de samouraïs déchus et de prêtres dissolus confrontés à des fantômes, au viol, à l'inceste et au meurtre, souvent liés à des relations amoureuses érotiques. Les décennies suivantes ont vu une rage pour les pièces jouées dans un style poétique sur les petits voleurs et autres des rangs inférieurs de la société.

Avec la chute du gouvernement militaire et l'introduction de la démocratie parlementaire après l'intervention américaine plus tard dans le siècle, le vent a de nouveau tourné, cette fois vers un réalisme d'inspiration plus occidentale. De nombreuses expériences, telles que des drames historiques réalistes et l'utilisation d'actrices, se sont avérées de courte durée car le public est resté à l'écart, mais d'autres, telles que des pièces de danse inspirées du théâtre Nô raffiné, ont connu un succès durable.

L'esprit d'innovation du Kabuki s'est poursuivi au cours des années suivantes avec des textes et des interprétations basés sur des œuvres et des idées modernes, même si les vieux classiques continuent de prospérer. Les contes de fantômes traditionnels et les pièces d'époque ont été retravaillés en drames psychologiques, par exemple, et l'acteur Senjaku II (plus tard Sakata Tojuro IV) en 1953 a transformé une courtisane souffrante en une femme longtemps oubliée. Suicide d'amour chez Sonezaki en une femme plus dynamique et plus adaptée aux sensibilités modernes grâce à son style de performance. Dans les années 1980, Ennosuke III (actuel En’o II) a obtenu un large succès et une énorme popularité avec ses pièces de théâtre « Super Kabuki » utilisant une technologie d'éclairage et de son moderne au service d'histoires épiques basées sur les classiques chinois et les contes populaires japonais. Cela a été élargi plus récemment par son successeur Ennosuke IV pour embrasser un populaire mangas série comique.

Les représentations à l'étranger ont également prospéré depuis une tournée réussie en Union soviétique en 1928, qui a ouvert la voie à des dizaines de tournées qui ont maintenant atteint tous les continents. Il y a eu des versions Kabuki d'œuvres d'artistes occidentaux comme O. Henry, Verdi et Shakespeare, comme une production très appréciée de Douzième Nuit par le célèbre réalisateur Yukio Ninagawa qui s'est rendu à Londres.

Le Kabuki, au cours de ses 400 premières années, a habilement réussi à faire la distinction entre son statut d'élément du patrimoine culturel de la nation et le divertissement pour les masses. Équivalent dans un sens à la comédie musicale américaine, il s'épanouit toujours en tant que forme d'art vivante et respirante.

* Les dates britanniques à cette époque étaient toujours basées sur le calendrier julien, donc la mort de la reine selon la mesure d'aujourd'hui serait en fait le 3 avril. Mais j'aime quand même la coïncidence.


Kabuki : une révolution dans la couleur et le design

29 juillet 2017 – 03 septembre 2017

Cet été apportera une nouvelle direction exaltante à la série Art in the Garden lorsque le jardin explore l'art de la performance le plus flamboyant et fantaisiste du Japon à travers sept costumes élaborés dans l'exposition, Kabuki : une révolution dans la couleur et le design.

La culture shitamachi du centre-ville qui est née au 17ème siècle des habitants du « monde flottant » d'Edo (aujourd'hui Tokyo) brise toutes ces illusions ! Les dames du quartier des divertissements sont devenues les fashionistas de leur époque, un départ convoité de la tenue plus réservée des classes supérieures. La classe des marchands de culture reflétait la vie urbaine dans les rues d'Edo, remplie d'aventures romantiques et de batailles à mort entre le bien et le mal.

Kabuki: A Revolution in Color and Design présente une sélection de costumes authentiques de deux des pièces les plus célèbres du répertoire Kabuki—Sukeroku et Shibaraku.

Shochiku Co. Ltd et Shochiku Costume Co. Ltd.

Sukeroku doit son nom au fringant voleur qui visite le quartier des bordels de Yoshiwara dans le vieux Edo à la recherche d'une épée perdue depuis longtemps et précieuse. Son costume et son maquillage emblématiques sont devenus un symbole de l'esprit de cape et d'épée et de la saveur insouciante de la vie dans le quartier des divertissements. Sukeroku est amoureux de la belle courtisane Agemaki, dont le costume est sans doute le plus époustouflant du répertoire Kabuki. Agemaki détient le secret de l'emplacement d'une épée que Sukeroku a été envoyé pour trouver, et l'histoire se déroule sur deux heures de performances colorées.


5. Quels sont les éléments clés d'une performance de Kabuki ?

Vous savez maintenant que les pièces de kabuki combinent de nombreux éléments cohérents, notamment le chant et la danse. Voici un aperçu plus détaillé des principaux composants d'une pièce de kabuki et de la façon dont ils fonctionnent ensemble.

La musique, créée à la fois par des chanteurs et des instruments, aide à donner le ton narratif et le rythme d'une scène. Les chansons peuvent être interprétées par un ou plusieurs chanteurs (utakata) à la fois, et sont généralement accompagnés d'un shamisen, un type de luth japonais. D'autres instruments peuvent être utilisés pour créer des effets sonores ou servir de repères aux acteurs. Selon la représentation, les musiciens peuvent être entièrement hors scène, placés au fond ou sur le côté de la scène, voire directement intégrés à l'action de la pièce.

Les numéros de danse sont insérés dans les performances à presque toutes les occasions. Cependant, le jeu de kabuki est si stylisé qu'il est impossible de le distinguer de la danse la plupart du temps. Les acteurs sont entraînés à bouger et à gesticuler en utilisant des mouvements de danse, ce qui signifie que la danse fait partie intégrante de toutes les pièces de kabuki. Les mouvements diffèrent selon le personnage : onnagata (personnages féminins) coulent délicatement tandis que doki (personnages comiques) rebondissent avec désinvolture. De nombreuses représentations se terminent par un final de danse animé (ogiri shosagoto) avec l'ensemble du casting.

Techniques de performance

Actors employ many choreographed movements resembling dance, including:

Tachimawari: a stage combat technique. Choreographed fighting can be hand-to-hand or use swords.

Roppo: movement that simulates walking or running. Usually paired with upbeat drums.

Ningyoburi: the act of one actor controlling another’s movements, as if a puppeteer. This technique was inspired by bunraku, Japanese puppet theater.

Hikinuki: a specialized technique that involves changing one’s costume onstage, often perfectly timed with music.

© Peabody Essex Museum, Uchikake Kimono for Kabuki, 19th Century

Since kabuki dramas tend to be set in the past, performers usually wear kimono, Japanese traditional clothing. Styles range from practical and subdued to cumbersome and extravagant. One of the most important skills of the actors is simply manipulating and moving in their heavy costumes no easy feat. The costumes and accompanying wigs are made by hand by skilled artisans and are sometimes ornately woven with fine silver and gold threads.

Connu comme kesho, kabuki makeup is based on a character’s traits. Actors’ faces are coated with oshiroi (white paint) to make them both more visible and dramatic. Then, colored lines are added to enhance their features as well as describe their character. Red represents qualities like passion and anger blue symbolizes evil or sadness. The patterns differ depending on the character’s gender. Supernatural beings like ghosts and demons wear the most dramatic makeup. Actors apply their own makeup so they can better understand their character. Alternatively, sometimes decorated kabuki masks are used, though these are more common in noh theater.

Set design and props

Stage decorations are lavish and typically include complex machinery. Moving lifts, traps, and curtains allow the performers and backgrounds to undergo astonishing transformations. For instance, an actor may suddenly disappear from the stage and reappear in the audience, or a background may revolve to simulate a ship moving across water. Apparitions and demonic characters are often suspended in midair with steel wires, a process called chunori. When actors themselves need to transform, a very useful player is the koken. Koken are stage assistants who help actors with costume changes and props. They often wear all black to maintain the illusion that the characters are transforming on their own.

Audience participation

During performances, it’s not unusual for audience members to shout and cheer for their favorite actor when he appears onstage or to applaud when something exciting occurs. Performers sometimes even address the spectators directly. It was only in later years that a stage separated the performers from the audience at all.


Kabuki-za

The Kabuki-za was originally opened by a Meiji era journalist, Fukuchi Gen'ichirō. Fukuchi wrote kabuki dramas in which Ichikawa Danjūrō IX and others starred upon Danjūrō's death in 1903, Fukuchi retired from the management of the theater. The theater is now run by the Shochiku Corporation which took over in 1914.

The original Kabuki-za was a wooden structure, built in 1889 on land which had been either the Tokyo residence of the Hosokawa clan of Kumamoto, or that of Matsudaira clan of Izu. [2] [3]

The building was destroyed on October 30, 1921, by an electrical fire. [3] The reconstruction, which commenced in 1922, was designed to "be fireproof, yet carry traditional Japanese architectural styles", [4] while using Western building materials and lighting equipment. Reconstruction had not been completed when it again burned down during the 1923 Great Kantō earthquake. Rebuilding was finally completed in 1924. [3]

The theater was destroyed once again by Allied bombing during World War II. [3] It was restored in 1950 [3] preserving the style of 1924 reconstruction, and was until recently one of Tokyo's more dramatic and traditional buildings. [4]

The 1950 structure was demolished in the spring of 2010, and rebuilt over the ensuing three years. [3] Reasons cited for the reconstruction include concerns over the building's ability to survive earthquakes, as well as accessibility issues. A series of farewell performances, entitled Kabuki-za Sayonara Kōen ( 歌舞伎座さよなら公演 , "Kabuki-za Farewell Performances" ) were held from January through April 2010, after which kabuki performances took place at the nearby Shinbashi Enbujō and elsewhere until the opening of the new theatre complex, which took place on March 28, 2013. [3] [5] [6]

The style in 1924 was in a baroque Japanese revivalist style, meant to evoke the architectural details of Japanese castles, as well as temples of pre-Edo period. This style was kept after the post-war reconstruction and again after the 2013 reconstruction.

Inside, with the latest reconstruction the theatre was outfitted with four new front curtains called doncho. These are by renowned Japanese artists in the Nihonga style and reflect the different seasons. [7]

Performances are exclusively run by Shochiku, in which the Kabuki-za Theatrical Corporation is the largest shareholder. They are nearly every day, and tickets are sold for individual acts as well as for each play in its entirety. As is the case for most kabuki venues, programs are organized monthly: each month there is a given set of plays and dances that make up the afternoon performance, and a different set comprising the evening show. These are repeated on a nearly daily schedule for three to four weeks, with the new month bringing a new program.


Contenu

Kabuki theater started during the Edo period (1603—1868). It developed into what we now know as kabuki during the Genroku (1688—1704). Kabuki was started by a woman, Izumo no Okuni, who performed in the dry river bed in Kyoto in 1603. It was very popular, especially because many of the stories and dance moves were about sex. Many of the women performers were probably prostitutes, and it was thought that kabuki disturbed discipline. This caused women to be banned from performing in Kabuki plays in 1629. Beautiful young men replaced women to play female roles, but in 1652 they were banned for the same reasons. Kabuki was allowed to continue with adult men playing all the roles, "Yaro kabuki," and this style is the one that has became famous.

Après le Genroku era, Kabuki became popular in Japanese cities, growing rapidly as proper theater with great authors and actors. Ningyo Jyoruri (the puppet theater) also influenced the stories, directions, content and style. Ballet and theater music, such as Nagauta, Tokiwadubushi et Kiyomotobushi were also influences on the development of kabuki. After the restoration of the Emperor in 1888, kabuki was influenced by foreign culture, stimulated by the rise of new drama.

Dans le Showa period, from 1926 to 1989, performances began in other countries. The Empire Theater in Japan was reconstructed, and renamed the National Theater. In 1954, the East Side Theater was constructed, and kabuki was shown from it on TV. In 1965, Kabuki was seen as an important cultural heritage. After World War II, the Japanese came to see that Kabuki as an important part of their culture. Many actors became famous people in Japan.

Actors Edit

Woman kabuki actors are rare though there was onnakabuki. Les onnakabuki is woman’s kabuki. Now the men play both male and female roles.

There are famous kabuki actors in Japan such as Danjuro Ichikawa, Ebizo Ichikawa and Koshiro Matsumoto. Danjuro Ichikawa is an especially famous kabuki actor. He started aragoto at the age only of 14. The aragoto is a kabuki genre dealing with a brave warrior, a fierce god, or a demon. He also wrote kabuki plays under the name of Hyogo Mimasuya.

The name of a kabuki actor usually is passed on from one generation to the next. Therefore the name of an actor is passes to the next generation. Kabuki actors do not perform only kabuki but also act in TV drama and movies. Koshiro Matsumoto often appears on TV.

Kabuki theaters are very unique. In the Genroku era, kabuki was influenced by nou ou kyougen which were the theater styles made before kabuki. In this period there was no roof for audiences, so that if it rained, actors could not perform. In the Edo period, all seats were covered with a roof.

Mawari-butai, a revolving stage, began in the Kyōhō era (1716–1735). Scenes are built on the revolving stage and when a new scene is needed they simply rotate the stage it makes progress of plays move quickly and easily. Foreign theaters have copied this kabuki invention.

Other unique system is hanamichi or "flower path". This is a walkway which crosses the auditorium at the same height as the stage. Actors can use this walkway to enter or leave the stage. During a play it can become many kinds of places. For example, it can be a river, a road, a corridor and so on. [3]

The most famous theatre in Japan is the Kabuki-za. It was built in Tokyo in 1889. [4] It was built as western-style theater. The interior decorations were Japanese style but the outside was brick walls and it was a three-storied theater at first. The interior decorations and outside changed many time. Kabuki theaters have long histories and these were so unique.

Famous authors of kabuki plays include Chikamatsu Monzaemon (1653—1724), Tsuruya Nanmboku (1755—1829), and Kawatake Mokuami (1816—1893). [5]

Kabuki plays can be put into three main groups Jidaimono, Sewamono et Shosagoto. Les Jidaimono are plays which show the world of samurais or court nobles before the Edo period. The government banned performances that showed the history of the Edo period. Sewamono are plays about the lives of the town people in the Edo period. Shosagoto are plays that feature dance.

Gidayu kyogen ou Maruhonmono are kabuki plays that were first written as puppet plays. They were turned into kabuki plays when they became famous. Shin kabuki are plays which were written by writers who did not normally write kabuki plays.

Kabuki makeup helps audiences understand each character's role. It is special and emphasizes beauty of form. If an actor plays the role of a daughter or a man in love, he must apply makeup. First, he rubs grease, which is made of canola oil and perfume, into his face. Second, he paints out eyebrow with grease. Third, he rubs face powder on chest, neck, long hair and spreads powder with sponge. Next, he rubs face powder on face with sponge. Also, he puts rouge on nose, eyes cheek and the outer corner of the eye. He paints his eyebrow from red to black and he rubs lip with red lip stick and traces the outline clearly.

If the actor is playing a brave man, called Aragoto, he paints on rouge with red and black lines, Kumadori, to show brave feelings. Kumadori is a type of kabuki's make up. It was started in 1673 by Danjyurou Ichikawa. It shows the character's role, for example, Sujiguma est l'un des kamadori showing a super hero.

Modern Japanese has a lot of words that came from kabuki words. For example, there are three famous words the first is an ohako. Ohako means skillful things. Japanese often say the ohako is own good tune with karaoke. Les ohako is derived word from Danjuro Ichikawa. He kept the kabuki plays of his good kabuki in a box. Les ohako originated in there.

The second is a nimaime. Les nimaime means a good-looking man. Les nimaime was written secondarily from the right in the signboard of the kabuki. Therefore it came to be said so.

The third is a sanmaime. Les sanmaime means a comedian. The origin of this word is the same as nimaime, sanmaime was written third from the right in the signboard of the kabuki.

Now Kabuki actors often perform for foreign audiences. The group Heisei Nakamuraza directed by Nakamura Kanzaburou have become famous for their performances in foreign countries. [6] They were the first traditional style kabuki group to perform in New York City in 2004, with actor Nakamura Kankuro V. Using a tent as a playhouse near opera house, with the audience seated on tatami (Japanese mats), they performed "The Summer Festival: A Mirror of Osaka" with Japanese actors. [7] In July 2008, Heisei Nakamuraza again performed in New York and they played in English. It was a historical and splendid achievement.

In Australia, the Za Kabuki group at the Australian National University has been performing a kabuki drama each year since 1976 the single longest regular kabuki performance outside of Japan. [8]


Today marks the second day of the United States’s expedited meeting with China “as they work out ways for the U.S.-led world order to make room for a China that is fast accruing global influence and military power” (Associated Press. May 21, 2013).

Consider a hyperinflation not in the traditional ways of the Weimars and Zimbabwes that printed currency with ink and paper, but in derivatives (a portion in above chart). Over $1,000 Trillion unprinted pretend ‘derivatives’ dollars that do not exist, mostly interest rate derivatives that hold together the interest rate structure. Inflation subdued? That depends on where asset prices would be (stock market – 401k-IRAs – bank balance sheets…) without suspending FASB’s accounting rule and printing money ‘QE’ 0-1-2-3∞ + ZIRP and multi-trillion dollar swaps.

Behind this kabuki theatre is history in the making. It is the U.S. dollar’s diminishing role as the international settlement currency for world trade (about $18 trillion merchandise trade in 2012) along with its implications. Since at least 2012, bilateral trade agreements among other nations have begun settling in non-U.S. dollars. Over the next few years, China’s economy will become the largest in the world, and with India (the people) and Russia lead the world in gold accumulation.

May 7-8, 2013: G-20 Meets in Turkey: “Reinventing Bretton Woods” [Reinventing the gold standard…]

Developing and emerging economies led by China, now hold two-thirds of foreign exchange reserves among world central banks.

May 10-11, 2013: Unscheduled Meeting of G-7 (Britain, Canada, France, Germany, Italy, Japan and the United States) over the weekend in London. Federal Reserve Bank Chairman Bernanke absent. “ ‘It’s very rare for a G-7 to focus on financial regulation,’ one of the officials said, speaking on condition of anonymity”. Perhaps then, on the G-20’s meeting in Turkey which portends the re-entry of gold to anchor the new system. In the previous article, “Yes it is true: ‘Gold is dead.’” reports raise questions about how much gold, if any, is left at Fort Knox, which at its height vaulted about half of the gold holdings in the United States, half belonging to other countries.

(AP). "The June 7-8 meeting at a retreat southeast of Los Angeles, announced Monday by the White House, underlines the importance of the relationship between the countries as they work out ways for the U.S.-led world order to make room for a China that is fast accruing global influence and military power.

President Xi has said China wants its rise to be peaceful…”

Preview to Last Section of Part II Subversion of the United States

“America will never be destroyed from the outside… it will be because we destroyed ourselves.”– Abraham Lincoln

To summarize, destroy its family, its traditions, and values – the foundations of its society. Pourquoi? Easier to control and condition the individual towards dependence and obedience to the supremacy of the state. These are the Communist International “Rules of Revolution” document found by the Allied forces in Dusseldorf, Germany after World War II. Yuri Bezmenov, Soviet KGB subversion ‘brainwashing’ expert-turned defector (Part I Ideological Subversion of the United States), could not vouch for the authenticity of the document, but he confirmed they are near verbatim to Soviet ideological subversion in his 1984 book, Love Letter to America (26MB in parts 1, 2, 3 due to size limits). One of these rules is “Always preach democracy, but seize power as fast and as ruthlessly as possible” (p. 17).

It raises an interesting question: Were the German people also subverted, ‘brainwashed’ to accept totalitarian-fascism as the wealth behind the U.S. foundations and investment banks financed the rise of Hitler? Comme le Telegraph reported, these were the same foundations that funded covert operations to corral nations into the European Union following the end of World War II as several generations in the United States had been successfully ‘brainwashed’ towards the same ideology by the 1960s. Incidentally around this time as we see in Part II some of the most famous experiments in psychology were conducted in the United States to assess the level of obedience of the adult population, findings that shocked the researchers…

In 1908 when the Carnegie Endowment began its operations, the Trustees discussed a specific question: “Is there any means known more effective than war, assuming you wish to alter the life of an entire people?" and concluded there was “no more known effective means than war”. In 1909, the Endowment (Foundation) raised a second question: “How do we involve the United States in a war?” and concluded, “We must control the State Department.”

During WWI, the Trustees of the Carnegie Endowment dispatched a telegram to President Woodrow Wilson cautioning him to see to it that the war did not end too quickly. These were uncovered in the minutes of the Carnegie Endowment meetings during the congressional investigation in the 1950s that was halted by the White House and both sides of Congress. The director of the congressional investigation stated the Dictaphone tapes of these Endowment memorandums and meeting notes are held in the archives of the U.S. House of Representatives and within the Carnegie’s archives.

(Confirmed communist spy Alger Hiss was president of the Carnegie Endowment and David Rockefeller joined the Board at Hiss’s “invitation”. Hiss was forced to step down due to the investigation, which takes us to Covington & Burling – Yes, the law firm that created the legal foundation for MERS that expedited mortgage securitization at the center of the 2008 collapse that led to the nationwide suspension in home foreclosures in 2010 as the major banks, Fannie Mae and Freddie Mac used forged and defective documents to foreclose raising questions of broken chain of title on homes across the nation from their MERS.)

In 1917, President Woodrow Wilson appointed Robert S. Brookings to the War Industries Board (WIB) whose function was to connect business to government. President Wilson named Brookings chairman of the War Board’s Price Fixing Committee, which negotiated the maximum prices on raw industrial materials for producers during World War I. U.S. Major General Smedley Butler in his book War is a Racket (1935) cited U.S. Steel whose founder was J.P. Morgan as the leading beneficiary of World War I. J.P. Morgan combined U.S. Steel with the Carnegie Steel Company. U.S. Major General Butler wrote “War is a racket. It always has been… Only a small ‘inside’ group knows what it is about…” and ‘the American soldier follows the flag’.

Robert S. Brookings founded the Brookings Institution in 1916, one of the oldest think tanks in Washington D.C. In the previous article, “The European Union (EU) ‘Dream’ Wasn’t Even European,” the largest contributors to the Brookings Institution are the Ford Foundation and Rockefeller Foundation, Bill & Melinda Gates Foundation, and John L. Thornton of Goldman Sachs. Nearly a century later, the Brookings Institution is where Robert Rubin and Lawrence Summers – with former Federal Reserve Bank Chairman Alan Greenspan – who were instrumental in the proliferation of derivatives that collapsed the U.S. economy in 2008, gather to promote economic growth and health care, the last area to be taken under centralized control. A correction may be required when 401k and retirement plans are nationalized.

In 1976, Congressman Larry P. McDonald wrote in the book introduction,

“The drive of the Rockefellers and their allies is to create a one-world government combining supercapitalism and Communism under the same tent, all under their control. … Do I mean conspiracy? Yes I do. I am convinced there is such a plot, international in scope, generations old in planning, and incredibly evil in intent.”

On June 2, 1983 W.A. Harriman, elder statesman of the Democratic party, flew to Moscow as a private citizen taking along a State Department translator for a confidential chat with Yuri Andropov, General Secretary of the Communist Party of the Soviet Union (Sutton). Not even the U.S. President or Vice-President had met with the new leader of the Soviet Union. Sutton noted the interesting timing as about three months later on September 1, 1983 Congressman McDonald was killed with 269 other passengers when Korean Airlines 747 was shot down by the Soviets. Yuri Bezmenov believed Congressman McDonald was the target, premeditated at the highest levels (1983 video).

Yuri Bezmenov’s former boss was head of Soviet KGB Yuri Andropov who became General Secretary of the Soviet Union with whom W.A. Harriman held a private meeting. A few weeks after the downing of Korean Airlines 747, the New York Times reported former President Nixon denied the Soviet’s claims that he canceled his seat on the same flight that killed Congressman McDonald (“Moscow asserts Nixon canceled seat on Korean 747.” NYT Sept 25, 1983). [Henry Kissinger was President Nixon’s national security advisor, whose order of importance at the White House was to respond first to calls from Nelson Rockefeller, then movie stars and celebrities, then the U.S. President (Woodward & Bernstein. (1976). Les derniers jours p.193). Kissinger-Rockefeller and the Iranian people’s billions are in Part II].

Who were the most vocal voices that assailed the communist hearings? The same W.A. Harriman, elder statesman of the Democratic party and partner in Brown Brothers Harriman & Co., the oldest investment bank in the United States. Another was Senator Prescott S. Bush – patriarch of 41 st and 43 rd U.S. presidents – Harriman’s partner at the investment bank for over 40 years, both financiers of Hitler’s Third Reich. It does not end there…

Sutton (1986, updated 2002) identified Brown Brothers Harriman & Co., J.P. Morgan, and Covington & Burling among their conduits over the past century. There is a London counterpart…

These series of previews and excerpts are assembled in Part II Subversion of the United States. Consider what mosaic emerges. “Too big to bail”-“Too big to fail”-“Too big to jail” banks. Catchy, yes. Just overlook the mechanisms that maintain the interest rate structure, the Treasury bond market, stock market… Consider the top U.S. attorney general who refused to investigate mortgage fraud in 2008 and the new SEC head, as both shared the same revolving door that leads back to Standard Oil tankers being manned by Nazi officers.

In Part I, back in the 1930s Premier Mussolini praised “President Roosevelt’s new plan for coordination of industry follows precisely the lines of Fascist cooperation… Dictatorships are inevitable.” (“Mussolini Sees World Driven Toward Fascism.” New York Times June 4, 1933) what America’s leading socialist, Norman Thomas described as “in effect what President Roosevelt has done has been to lay the foundation for an immense structure of State capitalism. " (“Is the New Deal Socialism? A Socialist Answers.” NYT June 18, 1933). What might this look like? The chart may remind some of the Hegelian dialectic over the left and right in the United States.

Bezmenov (1983 interview on subversion of the United States): “Situation is NOT under control. System is disgustingly out of control.”


Voir la vidéo: Le théâtre Kabuki (Juin 2022).


Commentaires:

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