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Comprendre les vases grecs : un guide des termes, des styles et des techniques (en regardant les séries)

Comprendre les vases grecs : un guide des termes, des styles et des techniques (en regardant les séries)


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Si vous envisagez d'acheter un livre sur les vases grecs, c'est celui-là qu'il vous faut. Pas cher en prix mais de haute qualité, c'est un volume richement illustré qui, grâce à son format de A à Z facile à utiliser, répond à toutes les questions de base que l'on peut se poser sur la poterie grecque. Particulièrement bien sur les différents types de navires qui existaient et à quoi ils servaient réellement, il y a presque toujours une photo utile pour expliquer le texte. Il est à noter que ce livre se concentre sur les formes de poterie, les méthodes de production et les types de décoration plutôt que sur une analyse du sujet et de l'imagerie de la décoration (essayez la série World of Art de J.Boardman pour cela).

Le livre commence par un aperçu historique de l'évolution de la poterie grecque qui est suivi d'une section de A à Z sur les peintres les plus influents et ensuite la section principale sur un général de A à Z. Il y a aussi un assez joli coup d'œil double diffusion sur toutes les différentes formes de poterie, une bibliographie choisie et un bref index. Un compagnon idéal pour toute visite de musée qui comprend la poterie grecque.

À propos de l'examinateur

Mark est un écrivain d'histoire basé en Italie. Ses intérêts particuliers incluent la poterie, l'architecture, la mythologie mondiale et la découverte des idées que toutes les civilisations partagent. Il est titulaire d'une maîtrise en philosophie politique et est directeur de publication à WHE.


Comment lire les vases grecs

Ce volume magnifiquement illustré est le deuxième d'une série de publications visant à donner à un large public un aperçu plus approfondi des vastes collections du Metropolitan Museum of Art. Le musée est célèbre pour ses vases grecs. Joan R. Mertens, conservateur au département d'art grec et romain du Metropolitan, a choisi trente-cinq exemples notables. Ils révèlent la variété et la vitalité des formes épurées et des scènes magistralement rendues qui caractérisent ces œuvres. Et ils démontrent l'interrelation de la fonction, de la forme, des techniques et du sujet qui est la clé pour comprendre la riche langue des vases grecs. L'introduction fournit des informations de base précieuses et les entrées explorent les caractéristiques de chaque vase, incorporant des illustrations aux couleurs brillantes, y compris de nombreux détails saisissants.

Les vases grecs remplissaient des fonctions utilitaires spécifiques et offraient également à des artistes exceptionnels, dont certains signaient leur travail, un support pour représenter à la fois les détails de l'existence quotidienne et les aspects de leurs dieux, déesses et héros. Nous voyons les vêtements, les outils, les compétitions sportives, les mariages et les rituels funéraires des Grecs qui ont vécu du VIIe au IVe siècle av. Nous voyons leur lance, leur bouclier et le grand héros Héraclès, depuis son premier exploit en tant que bébé jusqu'à son élévation en tant qu'immortel à la fin de sa vie terrestre.

L'ensemble exceptionnel d'œuvres réunies dans ce volume traduit à quel point la culture de la Grèce antique est encore visible aujourd'hui. Les urnes et pots inspirés des modèles grecs sont un incontournable dans tous les types d'espaces publics et privés. Les motifs de méandres, palmettes et autres fleurs qui ornent les vases anciens se retrouvent dans toutes sortes d'objets modernes. Et le concept du héros, ou surhomme, formulé et donné pour la première fois sous forme visuelle dans la Grèce antique, fait partie intégrante de la culture occidentale.

Ce volume magnifiquement illustré est le deuxième d'une série de publications visant à donner à un large public un aperçu plus approfondi des vastes collections du Metropolitan Museum of Art. Le musée est célèbre pour ses vases grecs. Joan R. Mertens, conservateur au département d'art grec et romain du Metropolitan, a choisi trente-cinq exemples notables. Ils révèlent la variété et la vitalité des formes épurées et des scènes magistralement rendues qui caractérisent ces œuvres. Et ils démontrent l'interrelation de la fonction, de la forme, des techniques et du sujet qui est la clé pour comprendre la riche langue des vases grecs. L'introduction fournit des informations de base précieuses et les entrées se penchent sur les caractéristiques de chaque vase, incorporant des couleurs brillantes. Voir plus

  • Editeur : Metropolitan Museum of Art
  • Auteur : Joan R. Mertens
  • Pages : 176
  • Illustrations : 214 en couleur, dont 4 cartes
  • Format : Broché
  • Dimensions : 8'' x 10 1/2''
  • ISBN : 9780300155235

« Mertens établit un rapport avec le lecteur… d'excellentes illustrations en couleurs »
Supplément littéraire Times

“…excellente section d'introduction…”
"Le livre établit des comparaisons avec d'autres médias et contextes pour élargir notre compréhension de ce que nous examinons."
Le monde des intérieurs

« … finement illustré… introduction utile… »
La revue anglo-hellénique

"Ce livre magnifiquement produit et élégamment écrit fournit une superbe introduction à l'appréciation des vases grecs par l'une des principales autorités sur le sujet… l'objectif des discussions est personnel, et le récit doit être considéré comme une sorte de galerie étendue parler… on en ressort avec le sentiment qu'on a lu quelque chose de plus proche d'une série de poèmes complexes que d'un groupe d'essais savants.
Journal américain d'archéologie

« Comment lire les vases grecs servira non seulement aux visiteurs du Met, mais aussi à tous ceux qui souhaitent en savoir plus sur cet aspect important de l'art et de la culture grecques. »
Critique classique de Bryn Mawr

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Vase-peinture grecque, une introduction

La poterie est pratiquement indestructible. Bien qu'il puisse se briser en morceaux plus petits (appelés tessons), ceux-ci devraient être broyés manuellement en poussière afin d'être retirés des archives archéologiques. En tant que tel, il existe une abondance de matériel d'étude, ce qui est exceptionnellement utile pour les chercheurs modernes. En plus d'être un excellent outil de datation, la poterie permet aux chercheurs de localiser des sites anciens, de reconstituer la nature d'un site et de mettre en évidence des preuves de commerce entre groupes de personnes. De plus, les pots individuels et leur décor peint peuvent être étudiés en détail pour répondre à des questions sur la religion, la vie quotidienne et la société.

Formes et thèmes

Schéma des formes de pots grecs (British Museum)

Fabriqués en terre cuite (argile cuite), les pots et les tasses grecs anciens, ou « vases » comme on les appelle normalement, ont été façonnés dans une variété de formes et de tailles (voir ci-dessus), et très souvent la forme d'un récipient est en corrélation avec sa destination. fonction. Par exemple, le cratère a été utilisé pour mélanger l'eau et le vin lors d'un grec colloque (une beuverie entièrement masculine). Il permet à un individu de verser des liquides dans sa large ouverture, de remuer le contenu dans son bol profond et d'accéder facilement au mélange avec une louche ou un petit pichet séparé. Ou, le vase connu sous le nom de hydrie servait à recueillir, transporter et verser de l'eau. Il comporte un corps bulbeux, un bec pincé et trois poignées (deux sur les côtés pour la tenue et une étirée le long du dos pour l'inclinaison et le versement).

Afin d'évoquer les différentes zones des vaisseaux, les spécialistes ont adopté des termes relatifs aux parties du corps. L'ouverture du pot s'appelle l'embouchure la tige s'appelle le col la pente du col au corps s'appelle l'épaule et la base s'appelle le pied).

A l'extérieur, les vases grecs présentent des compositions peintes qui reflètent souvent le style d'une certaine époque. Par exemple, les récipients créés pendant la période géométrique (vers 900-700 avant notre ère) présentent des motifs géométriques, comme on le voit sur la célèbre amphore Dipylon (ci-dessous), tandis que ceux décorés pendant la période orientalisante (c. processions et motifs du Proche-Orient, comme cela est visible sur cette ancienne amphore corinthienne (The British Museum).

Plus tard, pendant les périodes archaïque et classique (vers 600-323 avant notre ère), les peintures sur vase présentent principalement des activités humaines et mythologiques. Ces scènes figuratives peuvent varier considérablement, des événements de la vie quotidienne (par exemple, aller chercher de l'eau à la fontaine) aux actes héroïques et aux contes homériques (par exemple, Thésée et le taureau, Ulysse et les sirènes), du monde des dieux (par exemple, Zeus enlevant Ganymède) à des représentations théâtrales et à des compétitions sportives (par exemple, l'Oresteia, les courses de chars). Bien qu'il soit important de souligner que de telles scènes peintes ne doivent pas être considérées comme des photographies qui documentent la réalité, elles peuvent néanmoins aider à reconstruire la vie et les croyances des anciens Grecs.

Dipylon Amphora, ch. 750 avant notre ère, céramique, 160 cm (Musée national d'archéologie, Athènes)

Techniques, Peintres et Inscriptions

Pour produire les couleurs rouges et noires caractéristiques que l'on trouve sur les vases, les artisans grecs utilisaient de l'argile liquide comme peinture (appelée “slip”) et perfectionnaient un processus de cuisson compliqué en trois étapes. Non seulement les pots devaient être empilés dans le four d'une manière spécifique, mais les conditions à l'intérieur devaient être précises. Tout d'abord, la température a été portée à environ 800° centigrades et les évents ont permis un environnement oxydant. À ce stade, tout le vase est devenu rouge. Ensuite, en scellant les évents et en augmentant la température à environ 900-950° centigrades, tout est devenu noir et les zones peintes avec la barbotine se sont vitrifiées (transformées en une substance vitreuse). Enfin, dans la dernière étape, les évents ont été rouverts et les conditions oxydantes sont revenues à l'intérieur du four. À ce stade, les zones non peintes du navire sont redevenues rouges tandis que la barbotine vitrifiée (les zones peintes) a conservé une teinte noire brillante. Par l'introduction et l'élimination de l'oxygène dans le four et, simultanément, l'augmentation et la diminution de la température, la barbotine s'est transformée en une couleur noire brillante.

En bref, les vases grecs antiques présentent plusieurs techniques de peinture, et celles-ci sont souvent spécifiques à une période. Au cours des périodes géométriques et orientalisantes (900-600 av.

Frise à figures de deuil (détail), Amphore Dipylon, ch. 750 avant notre ère, céramique, 160 cm (Musée national d'archéologie, Athènes)

Vers 625-600 avant notre ère, Athènes a adopté la technique des figures noires (c'est-à-dire des figures de couleur sombre sur un fond clair avec des détails incisés). Originaire de Corinthe près d'un siècle plus tôt, la figure noire utilise la manière de la silhouette en conjonction avec la couleur et l'incision ajoutées. L'incision implique le retrait de la barbotine avec un instrument tranchant, et peut-être son application la plus magistrale peut être trouvée sur une amphore d'Exekias (ci-dessous). Souvent décrits comme Achille et Ajax jouant à un jeu, les guerriers assis se penchent vers le centre de la scène et sont vêtus de vêtements aux motifs incisés complexes. En plus d'afficher des figures définies de manière plus réaliste, les peintres à figures noires ont pris soin de différencier le genre avec la couleur : les femmes étaient peintes avec du blanc ajouté, les hommes restaient noirs.

Exekias (potier et peintre), amphore attique à figures noires (détail montrant Ajax et Achille jouant à un jeu), v. 540-530 avant notre ère, 61,1 cm de haut, trouvé Vulci (Musée grégorien étrusque, Cité du Vatican)

La technique des figures rouges a été inventée à Athènes vers 525-520 avant notre ère et est l'inverse de la figure noire (ci-dessous). Ici, des personnages de couleur claire sont placés sur un fond sombre. En utilisant de la couleur ajoutée et un pinceau pour peindre les détails, les peintres à figures rouges ont dilué ou épaissi la barbotine afin de créer différents effets.

La barbotine diluée ou la glaçure diluée a l'apparence d'un lavis et a été utilisée pour les cheveux, la fourrure et l'anatomie, comme en témoignent le pelage sommaire du lièvre et la musculature de la jeunesse à l'intérieur de cette tasse de Gorgos (au dessous de). Lorsqu'elle était épaissie, la barbotine était utilisée pour former des « lignes de relief » ou des lignes surélevées bien en évidence à partir de la surface, et celles-ci étaient souvent utilisées pour tracer des formes. La technique du fond blanc est étonnamment similaire à la figure rouge.

Gorgos, Attique Kylix à figures rouges (intérieur), v. 500 avant notre ère (Musée de l'Agora, Athènes)

Bien que visuellement assez différent avec ses figures polychromes sur un fond blanchi à la chaux, le fond blanc oblige l'artisan à peindre dans les détails des formes tout comme les figures rouges, plutôt que de les inciser (voir le Kylix ci-dessous).

A côté de figures et d'objets, on peut parfois trouver des inscriptions. Ceux-ci identifient des figures mythologiques, de beaux hommes ou femmes contemporains du peintre (inscriptions “kalos” / “kale”), et même le peintre ou le potier lui-même (“egrapsen” / “epoiesen”). Les inscriptions, cependant, ne sont pas toujours utiles. Imitant l'apparence d'un texte significatif, les « inscriptions absurdes » trompent le spectateur illettré en arrangeant les lettres grecques de manière incohérente.

Attribué au peintre de la Villa Giulia, kylix à fond blanc attique (tasse à boire), v. 470 avant notre ère, terre cuite, figure rouge, fond blanc, 6,2 x 16,2 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Vases et Réception

La qualité globale attrayante des vases grecs, leur taille relativement petite et, à un moment donné, leur caractère facile à obtenir, les ont conduits à être des objets de collection très convoités au cours des XVIIIe et XIXe siècles. Depuis la fin du XIXe siècle, cependant, l'étude des vases est devenue une quête savante et leur décoration était l'obsession des connaisseurs doués de la capacité de reconnaître et d'attribuer les mains de chaque peintre.

Le connaisseur de vases le plus connu du vingtième siècle, un chercheur concerné par l'attribution, la typologie et la chronologie, était Sir John Davidson Beazley. Intéressé par les techniques athéniennes à figures noires, rouges et à fond blanc, Beazley ne préférait pas les spécimens magnifiquement peints, il était impartial et étudiait des pièces de qualité variable avec la même attention. De ses examens fastidieux et exhaustifs, il a compilé plus de 1000 peintres et groupes, et il a attribué plus de 30 000 vases. Bien que certains chercheurs depuis la mort de Beazley continuent d'attribuer et d'examiner le style de peintres ou de groupes spécifiques, les spécialistes des vases s'interrogent également aujourd'hui sur la production technique des récipients, leurs contextes archéologiques, leur distribution locale et étrangère et leur iconographie.


Getty Publications



Des livres pour ravir les yeux et nourrir l'esprit

Getty Publications produit des livres primés dans les domaines de l'histoire de l'art, de l'architecture, de la photographie, de l'archéologie, de la conservation et des sciences humaines. S'étalant sur plus de quatre décennies, le programme de publication du Getty s'appuie sur les travaux du J. Paul Getty Museum, du Getty Conservation Institute et du Getty Research Institute.


Vases grecs : une introduction. Série mondiale classique

Le livre de Moignard est conçu comme un manuel pour les étudiants débutants en vases grecs. Son approche est importante pour sa nouvelle approche des questions d'interprétation, de datation, d'aspects cachés de la valeur, du style et de l'impulsion derrière le choix du collectionneur de vases grecs.

L'auteur remarque d'emblée l'absence générale de sources anciennes, de commentaires critiques ou de biographies sur les fabricants de vases grecs. Dans la préface, Moignard résume les problèmes liés à la compréhension des vases grecs, y compris l'interprétation, la provenance, les artistes et la valeur artistique, ainsi que la valeur des vases grecs en tant que collections muséales. Moignard fournit également une brève chronologie pour la datation stylistique de la poterie grecque.

Dans le chapitre 1, Moignard discute de l'importance de nouvelles approches pour l'étude des vases grecs, en soulignant l'importance du contexte archéologique, de l'histoire de la production, du commerce, des femmes, des coutumes et rituels funéraires, et des récits de la vie sociale. Elle souligne également comment différentes disciplines ont trouvé des moyens de tirer profit des vases grecs en fonction de leurs domaines d'intérêt (archéologues, cinéastes, designers, etc.).

Moignard souligne que l'image reflète la société par et pour laquelle elle a été produite et note l'importance des vases en tant que trouvailles archéologiques pour la chronologie des sites archéologiques. Elle décrit également comment un objet en céramique est une source historique à la fois chronologiquement et stylistiquement.

Moignard note que les potiers suivent les traditions de leur temps. Elle résume la communication d'idées par le commerce et d'autres moyens, comment le choix de conception s'est développé grâce à l'interaction grecque avec d'autres cultures (Proche-Orientale, égyptienne, étrusque), et comment les conceptions et les choix figuratifs et techniques de certains producteurs (par exemple, à Athènes, Corinthe) définissent chronologie. Il y a une certaine redondance dans ses descriptions des styles de récipients bien connus et des styles de peintres.

Au chapitre 2, Moignard résume les premières réalisations de Beazley et Trendall dans la classification des vases grecs grâce à l'identification de détails distinctifs dans un dessin de peintre, avec des commentaires sur l'héritage, les hypothèses et les méthodes de Beazley. Elle présente ensuite une étude de cinq peintres, dans le but de créer une nouvelle approche pour comprendre ces artisans et les récipients qu'ils ont fabriqués. Par exemple, en discutant du placement d'images ou de motifs dans certains champs afin d'attirer l'attention des téléspectateurs (par exemple, le vase Dipylon).

Ch. 3 traite de la forme et de la fonction de types bien connus de récipients grecs. Ensuite, Moignard aborde l'interaction athénienne avec d'autres cultures (par exemple, étrusque), entraînant l'adoption de nouvelles formes dérivées de prototypes métalliques. L'utilisation de certains récipients lors de colloques et leur imagerie visuelle auto-référentielle sont décrites en détail, bien que certaines informations sur le choix iconographique soient répétitives. Moignard poursuit avec une discussion sur l'attention que le spectateur porte au choix, reflétant des objectifs sociaux et politiques. Elle présente ensuite des vases grecs exportés en Italie, dont la plupart représentent des thèmes de l'au-delà, des éléments de la vie de la personne enterrée, et des images héroïques et mythologiques. L'assemblage funéraire typique est également décrit, contenant des coupes, des bouteilles d'huile, des récipients à vin.

Ch. 4 traite de l'imagerie sur les vases et du développement des méthodes de narration, en particulier des images de la vie quotidienne et des difficultés de leur interprétation. Moignard présente des preuves littéraires pour les types d'activité générique des femmes sur les vases et pointe vers l'imagerie comme source pour comprendre les vêtements et accessoires utilisés par les femmes à des occasions spécifiques.Elle attire l'attention du lecteur sur la façon dont les scènes de viticulture, les industries ménagères, les rituels religieux, les processions (mariage ou funérailles), les compétitions sportives et les scènes de bataille, y compris une bataille navale, résument la vie quotidienne d'une manière qui n'est pas toujours communiquée par les archéologues et témoignage littéraire. L'auteur résume ensuite les thèmes préférés pour la représentation du mythe et du récit (par exemple, la guerre de Troie, les scènes dionysiaques, les actes d'Héraclès) et les nouveaux éléments qui se fondent dans l'art grec (motifs proche-orientaux).

Moignard utilise d'excellents exemples pour expliquer l'évolution de scènes particulières, le manque de sources textuelles contemporaines et comment les descriptions de l'iconographie par des auteurs ultérieurs (Pausanias) créent des difficultés pour comprendre le récit (par exemple, les actes d'Héraclès, d'Apollon, le cycle thébain, les scènes de départ ). Elle discute ensuite du choix de l'artiste d'inclure des objets significatifs dans les représentations pour aider à la fois le spectateur ancien et moderne à combler le vide laissé par l'absence d'une source textuelle.

Elle attire notre attention sur l'ensemble du décor, les détails de la scène et les choix faits par différents artistes dans la représentation des scènes standards. À titre d'exemple, elle utilise un cratère corinthien du début du VIe siècle av. représentant une scène rare du départ d'Amphiaraos, afin de montrer le choix de l'artiste d'une scène de départ de véhicule dans un cadre architectural, le placement d'Eriphyle au bord même des soutiens du ménage, affirmant l'importance de son rôle en représentant elle tient l'objet clé (collier) pour le récit.

Moignard affirme l'importance de regarder les détails, citant l'amphore d'Exekias représentant le retour/départ de Kastor et Polydeukes comme exemple d'une image pleine de détails. Moignard désigne également un skyphos attique à figures rouges de Brygos représentant une scène directement dérivée de Iliade Livre 24, en tant que synopsis d'artiste de l'histoire pour le spectateur du VIe siècle av.

Moignard explique que les versions standard d'une histoire peuvent être supposées du fait qu'elles apparaissent dans de nombreux exemples répétés. Elle souligne l'importance de présenter des histoires bien connues (par exemple, Persée-Méduse), comment des éléments d'une telle histoire peuvent être omis (par exemple, la fontaine dans les scènes d'Achille-Troilos) et comment le contenu émotionnel ou les relations sont représentés comme faisant partie du récit (le tondo du peintre Sosias d'Achille bandant Patroklos). Elle ajoute également que chaque image peut raconter une histoire, mais que tout art narratif ne doit pas nécessairement impliquer des personnes identifiables ou représenter un mythe connu.

Moignard remarque que des scènes de mythe représentées sur des navires pour des colloques ont ensuite été adaptées à des fins funéraires. A titre d'exemple, elle fournit une amphore du peintre berlinois de 500 av. qui représente Athéna avec une hydrie et Héraclès de l'autre côté avec une coupe. Du point de vue de Moignard, l'artiste présente Héraclès comme conquérant la mort et allant au ciel. Les scènes de la vie quotidienne et celles impliquant des femmes deviennent plus courantes à la fin du Ve et au IVe siècle av. à un moment où les hommes sont partis combattre dans la guerre du Péloponnèse. Pouce. 5 Moignard résume l'histoire de la collection et l'érudition spécialisée sur les vases grecs, leurs lieux de découverte, l'impulsion derrière la collection, le marché en Étrurie du VIIe au IVe siècle av. Moignard discute de la publication au XVIIIe siècle des collections de Sir William Hamilton et de la vente de ses collections au Parlement britannique, qui a servi de galerie publique en 1772. Moignard résume ensuite les grandes collections des XIXe et XXe siècles en Europe, dans le États-Unis et dans les collections publiques et privées.

Elle note la classification des navires par style d'Eduard Gerhard, qui a suivi la reconnaissance des différences entre les tissus de l'attique et du sud de l'Italie. Les chercheurs de la fin du XIXe siècle se sont concentrés sur la provenance de ces navires et sur les relations commerciales, puis sur le développement stylistique, ce qui a conduit à une chronologie établie pour chaque groupe. Des signatures sur les pots permettaient d'identifier les potiers et les peintres. W. Klein a publié une monographie sur Euphronios (1879), suivi par A. Furtwängler’s Griechische Vasenmalerei en 1902, avec des dessins grandeur nature de K. Reichhold.

Moignard présente l'importance des premières publications de Beazley (1908-1911) et ses contributions à l'érudition jusqu'à sa mort en 1970, ainsi que des études récentes qui soulèvent des questions sur ses objectifs et sa méthodologie, son système d'attribution et la façon dont il a créé une valeur hiérarchique. .

Moignard résume les vues d'aujourd'hui sur les vases et les collections grecs. Elle commence par le British Museum, notant ses objectifs d'élargir ses collections (années 1960) et de les afficher, comme c'était la coutume au début, sans contexte ni étiquettes explicatives. Elle mentionne qu'à quelques exceptions près, la plupart des musées fournissent désormais plus d'informations sur le contexte des navires qu'ils exposent.

Moignard remarque la quantité de matériel provenant des sites fouillés et la tentative des grandes fouilles de créer des typologies (Agora athénienne) et de replacer la poterie dans un contexte chronologique, social et historique. Elle affirme l'importance des manuels qui vont au-delà d'une approche traditionnelle de l'histoire de l'art et considèrent la production et l'utilisation localisées.

Moignard cite la Tamise et l'Hudson Monde de l'Art comme un bon manuel avec de bonnes illustrations et des commentaires informatifs, et avec des informations sur les aspects techniques de la production ainsi que sur le contexte historique et social. Elle fait ensuite des remarques sur des livres avec des images de grand format, tels que Arias, Hirmer et Shefton’s Histoire de la peinture sur vase grecque, qui est organisé par ordre chronologique, avec plus d'attention à certains des peintres les plus importants, et principalement une approche historique de l'art. D'autre part, les volumes de catalogue de Beazley et Trendall contiennent des listes importantes d'attributions par peintre, atelier et groupe au sein des tissus athéniens et sud-italiens. Elle résume l'importance de ces œuvres dans l'étude contemporaine des vases dans leur contexte antique.

L'auteur discute des catalogues d'objets sponsorisés au niveau international de la Corpus Vasorum Antiquorum (CVA), ainsi que des monographies de peintres uniques dérivées des listes Beazley-Trendall, y compris le Kerameus série, qui permet la publication de pots en tant qu'articles individuels.

Moignard remarque deux tendances importantes dans la publication. Certains érudits n'acceptent pas les pots grecs comme des objets d'art importants et considèrent la production de poterie athénienne comme une industrie copiant des prototypes dans des matériaux beaucoup plus rares. Leurs travaux ont conduit à un nouveau programme de recherche sur une hiérarchie des matériaux dans le monde antique. D'autres savants ont des objectifs plus proches de ceux du biographe critique contemporain, interrogeant la procédure par laquelle la personne biographique est inventée et le littéralisme que le mode standard, chronologiquement contrôlé, induit dans la réception par le lecteur de son sujet. Moignard affirme que les nouvelles tendances en matière de format de publication sont agréables à lire mais que le format de publication standard peut être plus utile pour le monde universitaire spécialisé (p.102).


Sophilos : une nouvelle direction dans la poterie grecque

La gauche: Cratère à piédestal, ch. 800-770 avant notre ère, 55,5 cm de haut, grec, période géométrique, Rhodes. Droit: Pichet avec bec à tête de griffon, ch. 675-650 avant notre ère, 41,5 cm, période grecque, orientalisante les deux : © Trustees of the British Museum

Après l'effondrement de la société des palais mycéniens et une période de pauvreté et d'isolement relatifs, la Grèce a connu une renaissance culturelle et politique. Dès le VIIIe siècle av. dès lors, le contact renouvelé avec le Proche-Orient, l'Anatolie, la Phénicie, l'Égypte et d'autres peuples du pourtour méditerranéen a eu un impact profond sur la culture grecque.

Le style géométrique linéaire de la poterie (image ci-dessus, à gauche) a cédé la place à des motifs “orientalisant”, tels que les animaux et les fleurs (image ci-dessus, à droite). Homère a composé ses poèmes épiques et une nouvelle unité politique, la cité-État (polis), a émergé.

Sophilos (peintre), Bol à figures noires (dinos) et support, ch. 580 avant notre ère, 71 cm de haut, Athènes © Trustees of the British Museum

Poterie grecque : une nouvelle direction

La scène de personnages qui occupe le registre le plus élevé dans la coupe ci-dessus montre la nouvelle direction dans laquelle s'orientait la peinture sur vase athénienne. Il montre des dieux, des déesses, des nymphes et d'autres se rendant dans la maison du héros Pelée pour célébrer son mariage avec la belle nymphe de la mer Thétis.

La nymphe de la mer Thétis était aimée à la fois de Zeus, roi des dieux, et de Poséidon, dieu de la mer. Cependant, leur ardeur s'est refroidie lorsqu'ils ont appris que le fils de Thétis était destiné à être plus grand que son père.

Peleus saluant ses invités (détail), Sophilos (peintre), Bol à figures noires (dinos) et support, ch. 580 avant notre ère, 71 cm de haut, Athènes © Trustees of the British Museum

Les dieux décidèrent que Thétis devait épouser un mortel afin que son fils, aussi puissant soit-il, ne présentait aucune menace pour les dieux. Ils choisirent Pélée et pour réconcilier Thétis avec cette alliance inférieure, ils offrirent au couple un mariage magnifique, illustré sur ce vase. Pélée se tient à droite, devant les portes de sa maison, pour saluer ses invités, qui arrivent soit à pied, soit en char.

Dionysos et d'autres arrivent au mariage de Peleus et Thetis (détail), Sophilos (peintre), Bol à figures noires (dinos) et support, ch. 580 avant notre ère, 71 cm de haut, Athènes © Trustees of the British Museum

Parmi les premiers, le dieu du vin Dionysos, qui porte un sarment chargé de raisins (en haut, troisième personnage en partant de la droite), symbolisant le vin qui sera bu au festin des noces, peut-être mélangé dans un bol de cette forme. Le centaure Cheiron, mi-homme et mi-cheval, semble également devenir plus tard le tuteur du fils de Pélée et de Thétis, le puissant Achille. Thétis est convenablement caché à l'intérieur. Les noms des invités sont bien écrits à côté.

Le grand-père de Thetis, le dieu marin à queue de poisson Okeanos, arrivant au mariage de Peleus et Thetis (détail), Sophilos (peintre), Bol à figures noires (dinos) et support, ch. 580 avant notre ère, 71 cm de haut, Athènes © Trustees of the British Museum

Le premier char de la procession porte Zeus et Héra, le deuxième Poséidon et Amphitrite, le troisième Hermès et Apollon et le quatrième Arès et Aphrodite. Entre les chars marchent des groupes de Parques, de Grâces et de Muses, dont l'une joue du flûte. Athéna et Artémis montent dans le dernier char et sont suivis par le grand-père de Thétis, le dieu marin à queue de poisson Okeanos, sa femme Téthys et Eileithyia, la déesse de l'accouchement. Héphaïstos ferme la marche, assis en selle sur un mulet.

Entre les colonnes de la maison, Sophilos a signé le vase “Sophilos m'a peint.” Sophilos est le premier peintre de vases grec dont nous connaissons le nom.

Préservation

Sophilos (peintre), Bol à figures noires (dinos) et support, ch. 580 avant notre ère, 71 cm de haut, Athènes © Trustees of the British Museum

Lorsque ce vase à figures noires a été acquis par le British Museum en 1971, il était dans un état restauré avec seulement quelques zones de perte. Il est depuis venu au service de conservation du musée à trois reprises. Lors de la première visite, un restaurateur a repositionné des fragments portant la signature de l'artiste, Sophilos, pour en faciliter la lecture. Quelques années plus tard, le Musée a acquis cinq fragments qui avaient appartenu à l'origine au vase. Les restaurateurs ont supprimé les zones de remplissage pour permettre à ces fragments d'être réunis. Aucun des deux emplois n'était simple. L'ancienne restauration était dure et difficile à enlever.

Les restaurateurs ont pu réévaluer l'ancienne restauration lorsque le vase a été examiné lors de la rénovation de la galerie en 1983. L'ancien adhésif et les remplissages ont été identifiés comme une résine de polyester, qui avait durci et était devenue cassante, il y avait des fissures dans le support qui peuvent avoir été un résultat direct. Aujourd'hui, ce type de résine n'est pas considéré comme approprié pour une utilisation sur des artefacts en céramique. Il a été décidé que le vase gagnerait à être démonté et remonté en utilisant des matériaux de conservation plus stables et réversibles. Le démontage des anciens joints et remplissages et le nettoyage manuel de la résine polyester des fragments ont été un long processus. Les fragments ont été remontés à l'aide d'un adhésif réversible et les zones de perte ont été comblées avec du plâtre de Paris et peintes.

Lectures suggérées :

L. Burn, Le livre d'art grec et romain du British Museum (Londres, The British Museum Press, 1991).

D. Williams, “Sophilos in the British Museum” in Greek Vases in the J.Paul Getty Museum (Malibu, 1983).

D. Williams, vases grecs (Londres, The British Museum Press, 1999).


Poterie à figures rouges et noires

La technique des figures noires est le plus ancien des deux styles de peinture. Il a été inventé à Corinthe vers 700 avant JC, bien que la peinture sur vase corinthienne de cette première période ne soit généralement pas appelée "figure noire". À la fin du VIIe siècle av. La figure noire athénienne est finalement devenue dominante, remplaçant la poterie corinthienne au début du VIe siècle av.

Avant de peindre, la surface du pot a été brunie et polie avant de durcir complètement. Le peintre a esquissé les contours des scènes qu'il (ou, en fait, elle) voulait peindre. Ceux-ci ont ensuite été colorés à l'aide d'une fine barbotine d'argile avec une consistance et un maquillage différents de l'argile utilisée pour le pot lui-même. La barbotine peinte a ensuite été laissée à sécher.

Une fois la barbotine sèche, l'artiste a ajouté des détails, tels que des plis dans les vêtements et les yeux, par incision à l'aide d'un outil à pointe acérée, qui a révélé la couleur du pot en dessous. D'autres couleurs pourraient ensuite être peintes sur la feuille plus foncée, comme le rouge, le jaune ou le blanc. Le blanc était fabriqué à partir d'argile blanche fine. L'argile blanche peut être enduite d'ocre jaune pour créer une couleur jaune. Le rouge était fait d'oxyde de fer rouge.

/>Deux faces d'une amphore bilingue représentant Ajax et Achille plongés dans un jeu. Sur la gauche se trouve le côté du vase à figures noires, tandis que la version à figures rouges de la même scène est montrée à droite. Hauteur : 55,5 & 160 cm. Musée des Beaux-Arts, Boston.

La technique de la peinture sur vase à figures rouges a été développée pour la première fois à Athènes (ou quelque part dans la région contrôlée par Athènes, c'est-à-dire l'Attique) en ca. 530 av. La figure rouge est essentiellement l'inverse de la figure noire : le fond est rempli d'une fine engobe et prend une couleur noire après cuisson, tandis que les figures sont réservées. Les détails sont ajoutés à l'aide de pinceaux fins au lieu d'une incision, permettant aux artistes d'ajouter un plus grand niveau de détail à leur art.

La figure rouge a coexisté pendant un certain temps avec la figure noire, certains artistes fabriquant même des vases dits «bilingues» dans lesquels une face était exécutée à figure rouge et l'autre à figure noire. Les deux scènes contrastées sur des vases bilingues individuels sont souvent similaires. La figure rouge resterait en usage jusqu'au IIIe siècle av.


Art grec (c.650-27 avant notre ère) Histoire, Caractéristiques


Temple d'Héphaïstos (449) Athènes.
Les colonnes de style dorique intactes et
les frontons sont encore bien visibles,
mais les frises et autres décorations
Ont été perdus.


Lanceur de disque (Discobolus)
Copie romaine de l'original
bronze de Myron (425 av. J.-C.)
Musée national, Rome.

L'art égéen de l'Antiquité classique remonte à la culture minoenne du troisième millénaire av. Influencés par l'art sumérien et d'autres branches de l'art mésopotamien, ils ont construit une série de palais à Knossos, Phaestus et Akrotiri, ainsi que la création d'un large éventail de fresques, de sculptures sur pierre, de poteries anciennes et d'autres artefacts. Au XVe siècle avant notre ère, après un tremblement de terre catastrophique qui a détruit la plupart de ses palais, la Crète a été envahie par des tribus mycéniennes guerrières du continent grec. La culture mycénienne est ainsi devenue la force dominante en Méditerranée orientale. Puis, peu de temps après le lancement de la guerre de Troie (c.1194�), la ville de Mycènes, ainsi que son architecture et ses possessions culturelles, ont été détruites par un nouvel ensemble de maurauders, connus sous le nom de Doriens. À ce stade, la plupart de la production d'art ancien s'est arrêtée pendant environ 400 ans (1200-800), alors que la région est tombée dans une ère de royaumes en guerre et de chaos, connue sous le nom de « âge des ténèbres grec » (ou l'âge géométrique ou homérique) .

Contexte historique

L'art grec ancien proprement dit "a émergé" au 8ème siècle avant notre ère (700-800), alors que les choses se calmaient autour de la mer Égée. (Voir aussi l'art étrusque) À cette époque, le fer a été transformé en armes/outils, les gens ont commencé à utiliser un alphabet, les premiers Jeux Olympiques ont eu lieu (776), une religion complexe a émergé et un sentiment d'identité culturelle vague s'est développé autour du idée de "Hellas" (Grèce). Vers 700, les royaumes ont commencé à être remplacés par des oligarchies et des cités-États. Cependant, les premières formes d'art grec se limitaient en grande partie à la poterie en céramique, car la région souffrait de perturbations continues dues à une famine généralisée, à une émigration forcée (de nombreux Grecs ont quitté le continent pour coloniser des villes d'Asie Mineure et d'Italie) et à des troubles sociaux. Cela a limité le développement de l'architecture et de la plupart des autres types d'art. Ce n'est que vers 650, lorsque les liens commerciaux maritimes ont été rétablis entre la Grèce et l'Égypte, ainsi que l'Anatolie, que la prospérité grecque est enfin revenue et a facilité un essor de la culture grecque.


Doryphore (440) par Polyclète.
Museo Archeologico Nazionale,
Naples. Parmi les plus grandes œuvres
de la sculpture de la Grèce antique.
Voir la position du contrapposto
qui crée des tensions et
parties détendues du corps.


Vénus de Milo (vers 100 avant notre ère)
(Aphrodite de Mélos)
Louvre, Paris. Une icône
de la sculpture hellénistique.

PIGMENTS DE PEINTURE
Pour plus de détails sur les couleurs et
pigments utilisés par les peintres
dans la Grèce antique, voir :
Palette de couleurs classique.

Chronologie de l'art grec

La pratique des beaux-arts dans la Grèce antique a évolué en trois étapes ou périodes de base :

Période archaïque (environ 650-480 avant notre ère)
Période classique (vers 480-323 avant notre ère)
Période hellénistique (c.323-27 avant notre ère).

Les Archaïque était une période d'expérimentation progressive. Les Classique L'ère vit alors l'épanouissement de la puissance et de la domination artistique de la Grèce continentale. Les hellénistique La période, qui s'est ouverte avec la mort d'Alexandre le Grand, a vu la création d'un « art de style grec » dans toute la région, alors que de plus en plus de centres/colonies de culture grecque ont été établis sur des terres sous contrôle grec.La période voit aussi le déclin et la chute de la Grèce et l'essor de Rome : en fait, elle se termine par la conquête romaine complète de tout le bassin méditerranéen.

REMARQUE : Il est important de noter dès le départ, à l'exception de la poterie, presque tout l'art original de l'Antiquité grecque - c'est-à-dire la sculpture, les peintures murales et sur panneaux, les mosaïques, l'art décoratif - a été perdu, nous laissant presque entièrement dépendants des copies par Artistes romains et quelques témoignages écrits. En conséquence, notre connaissance de la chronologie, de l'évolution et de l'étendue de la culture visuelle grecque est forcément extrêmement sommaire et ne doit pas être prise trop au sérieux. La vérité est, à quelques exceptions près, que nous savons très peu de choses sur l'identité des artistes grecs, ce qu'ils ont peint ou sculpté, et quand ils l'ont fait. Pour les artistes ultérieurs inspirés par la sculpture classique et l'architecture de la Grèce antique, voir : Classicisme dans l'art (à partir de 800).

Période archaïque (c.650-480 avant notre ère)

Poterie grecque archaïque

La forme d'art la plus développée de la période préarchaïque (vers 900-650) était sans aucun doute la poterie grecque. Mettant souvent en scène de grands vases et autres récipients, il était décoré à l'origine de motifs linéaires (style proto-géométrique), puis des motifs plus élaborés (style géométrique) de triangles, zigzags et autres formes similaires. La poterie géométrique comprend certaines des plus belles œuvres d'art grecques, avec des vases généralement fabriqués selon un système de proportions strict. A partir de 700 environ, des contacts renouvelés avec l'Anatolie, le bassin de la mer Noire et le Moyen-Orient, ont conduit à une influence orientale notable (Style oriental), qui a été maîtrisé par les céramistes de Corinthe. Le nouvel idiome présentait un répertoire plus large de motifs, tels que des motifs curvilignes, ainsi qu'une multitude de créatures composites telles que des sphinx, des griffons et des chimères. Pendant l'ère archaïque elle-même, la décoration est devenue de plus en plus figurative, à mesure que de plus en plus d'animaux, de zoomorphes puis de figures humaines elles-mêmes étaient inclus. Cette peinture de figure en céramique était le premier signe de la fascination persistante des Grecs pour le corps humain, en tant que sujet le plus noble pour un peintre ou un sculpteur : une fascination ravivée dans la peinture de la Haute Renaissance de Michel-Ange et d'autres. Un autre style de céramique introduit par Corinthe était poterie à figures noires: les figures ont d'abord été dessinées en silhouette noire, puis marquées de détails incisés. Des touches supplémentaires ont été ajoutées en violet ou en blanc. Les thèmes préférés pour l'imagerie à figures noires comprenaient : les réjouissances de Dionysos et les travaux d'Hercule. Avec le temps, Athènes en vint à dominer la poterie de style à figures noires, avec la perfection d'un pigment noir plus riche et d'un nouveau pigment rouge orangé qui conduisit à figure rouge poterie - un idiome qui a prospéré 530-480. Les célèbres artistes céramistes grecs de l'époque archaïque comprenaient le génie Exekias, ainsi que Kleitias (créateur du célèbre Vase François), Andokide, Euthymide, Ergotimos, Lydos, Nearchos et Sophilos. Pour plus de détails et de dates, voir : Chronologie de la poterie.

Architecture grecque archaïque

C'est aux VIe et VIIe siècles que la pierre a été utilisée pour les édifices publics grecs (pétrification), en particulier les temples. L'architecture grecque reposait sur des techniques de construction simples à poteaux et linteaux : les arches n'étaient utilisées qu'à l'époque romaine. Le bâtiment rectangulaire typique était entouré d'une ligne de colonnes sur les quatre côtés (voir, par exemple, le Parthénon) ou, moins souvent, à l'avant et à l'arrière seulement (temple d'Athéna Niké). Les toits ont été construits avec des poutres en bois recouvertes de tuiles en terre cuite. Les frontons (la forme triangulaire à chaque extrémité de pignon) étaient décorés de sculptures en relief ou de frises, tout comme la rangée de linteaux entre le toit et les sommets des colonnes. Les architectes grecs ont été les premiers à fonder leur conception architecturale sur la norme de proportionnalité. Pour ce faire, ils ont présenté leur "Ordres classiques" - un ensemble de règles de conception basées sur les proportions entre les pièces individuelles, telles que le rapport entre la largeur et la hauteur d'une colonne. Il y avait trois ordres de ce type dans l'architecture grecque primitive : dorique, Ionique et corinthien. Le style dorique a été utilisé en Grèce continentale et plus tard dans les colonies grecques en Italie. L'ordre ionique a été utilisé dans les bâtiments le long de la côte ouest de la Turquie et d'autres îles de la mer Égée. Les bâtiments célèbres de la Grèce antique construits ou commencés pendant la période archaïque comprennent : le temple d'Héra (600), le temple d'Athéna sur l'Acropole (550) et les temples de Paestum (550 et plus). Voir aussi : l'architecture égyptienne (vers 3000 avant notre ère) et l'importance des architectes égyptiens comme Imhotep et d'autres.

L'architecture grecque a continué d'avoir une grande influence sur les styles ultérieurs, y compris l'architecture Renaissance et néoclassique, et même l'architecture américaine des XIXe et XXe siècles.

L'histoire de l'art montre que les programmes de construction ont invariablement stimulé le développement d'autres formes d'art, comme la sculpture et la peinture, ainsi que l'art décoratif, et l'architecture grecque archaïque ne faisait pas exception. Les nouveaux temples et autres bâtiments publics avaient tous besoin de beaucoup de sculpture décorative, y compris des statues, des reliefs et des frises, ainsi que de la peinture murale et de la mosaïque.

Sculpture grecque archaïque

La sculpture grecque archaïque de cette période était encore fortement influencée par la sculpture égyptienne, ainsi que par les techniques syriennes. Les sculpteurs grecs ont créé des frises et des reliefs en pierre, ainsi que des statues (en pierre, terre cuite et bronze) et des œuvres miniatures (en ivoire et en os). Le style primitif de la sculpture dédalique autoportante (650-600) - illustré par les œuvres de Dédale, Dipoinos et Skyllis - était dominée par deux stéréotypes humains : la jeunesse nue debout (kouros) et la fille drapée debout (coré). Parmi ceux-ci, les nus masculins étaient considérés comme plus importants. Pour commencer, les kouros et les kore ont été sculptés dans un style égyptien assez rigide, "frontal", avec des épaules larges, des tailles étroites, les bras pendants, les poings fermés, les deux pieds au sol, et un "sourire "quotarchaïque" fixe : voir , par exemple, Dame d'Auxerre (630, Louvre) et Kléobis et Biton (610-580, Musée Archéologique de Delphes). Au fil du temps, la représentation de ces statues stéréotypées est devenue moins rigide et plus réaliste. Plus tard, les versions archaïques plus avancées du kouroi et du korai incluent le "Péplos Koré" (vers 530, Musée de l'Acropole, Athènes) et le "Garçon de Kritios" (Musée de l'Acropole, Athènes). Parmi les autres œuvres célèbres, citons : le Apollon de Strangford (600-580, British Museum) le Dipylon Kouros (vers 600, Athènes, Musée Kerameikos) le Anavysos Kouros (c.525, Musée Archéologique National d'Athènes) et la fascinante frise de la Trésor siphnien, Delphes (c.525).

Peinture grecque archaïque

Comme la plupart des vases et des sculptures étaient peints, la croissance de la poterie et de la sculpture au 7ème siècle a automatiquement conduit à plus de travail pour les peintres grecs. En outre, les murs de nombreux temples, bâtiments municipaux et tombeaux étaient décorés de fresques, tandis que leur sculpture en marbre ou en bois était colorée à la détrempe ou à la peinture à l'encaustique. L'encaustique avait un peu de l'éclat de la peinture à l'huile, un médium inconnu des Grecs, et est devenu une méthode de peinture populaire pour les statues de pierre et les reliefs architecturaux au cours du VIe siècle. La peinture grecque archaïque compte très peu de panneaux peints : les seuls exemples dont nous disposons sont les panneaux Pitsa décorés de stucs colorés avec des pigments minéraux. Malheureusement, en raison de l'érosion, du vandalisme et de la destruction, peu de peintures grecques originales ont survécu de cette période. Il ne reste que quelques plaques de terre cuite peintes (les métopes en terre cuite du temple d'Apollon à Thermon en Aitolie vers 630), quelques panneaux de bois (les quatre panneaux Pitsa trouvés dans une grotte du nord du Péloponnèse) et des peintures murales (telles que comme la scène de bataille du VIIe siècle extraite d'un temple de Kalapodi, près de Thèbes, et celles mises au jour dans des tombes souterraines d'Étrurie). Hormis certains individus, comme Cimon de Cléone, les noms des peintres grecs archaïques nous sont généralement inconnus. La forme d'art la plus répandue pour faire la lumière sur la peinture grecque antique est la poterie, qui nous donne au moins une idée approximative de l'esthétique et des techniques archaïques. Notez, cependant, que la peinture sur vase était considérée comme une forme d'art inférieure et est rarement mentionnée dans la littérature classique.

Période classique (vers 480-323 avant notre ère)

La victoire sur les Perses en 490 avant notre ère et 479 avant notre ère a fait d'Athènes la plus forte des cités-États grecques. Malgré les menaces extérieures, il conservera son rôle culturel de premier plan pendant les siècles suivants. En effet, au cours du Ve siècle avant notre ère, Athènes a connu une résurgence créative qui non seulement dominerait l'art romain futur, mais qui, redécouverte par l'Europe de la Renaissance 2 000 ans plus tard, constituerait un standard artistique absolu pendant encore quatre siècles. Tout cela malgré le fait que la plupart des peintures et sculptures grecques ont été détruites.

La principale contribution du classicisme grec aux beaux-arts fut sans aucun doute sa sculpture : en particulier, le "Canon des proportions" avec sa réalisation du "corps humain idéal" - un concept qui résonna si fortement avec l'art de la Haute Renaissance, mille ans plus tard.

Poterie grecque classique

A cette époque, l'art céramique et donc la peinture sur vase connut un déclin progressif. Exactement pourquoi, nous ne le savons pas, mais, à en juger par le manque d'innovations et la sentimentalité croissante des designs, le genre semble s'être épuisé. Le développement créatif final a été le Sol blanc technique, qui avait été introduite vers 500. Contrairement aux styles à figures noires et à figures rouges, qui s'appuyaient sur des feuilles d'argile pour créer des images, la technique White Ground employait de la peinture et de la dorure sur un fond d'argile blanche, et est mieux illustrée par le funéraire lécythe de la fin du Ve siècle. En dehors de cette innovation unique, la poterie grecque classique a considérablement diminué en qualité et en mérite artistique, et est finalement devenue dépendante des écoles hellénistiques locales.

Architecture grecque classique

Comme la plupart des arts visuels grecs, la conception des bâtiments a atteint son apogée pendant la période classique, alors que les deux principaux styles (ou « ordres ») de l'architecture grecque, le dorique et l'ionique, en sont venus à définir une norme de beauté architecturale intemporelle, harmonieuse et universelle. Le style dorique était le plus formel et austère - un style qui prédominait aux IVe et Ve siècles - tandis que le style ionique était plus décontracté et quelque peu décoratif - un style qui devint plus populaire à l'époque hellénistique plus facile à vivre. (Remarque : l'ordre ionique a plus tard donné naissance au style corinthien plus orné.)

Le point culminant de l'architecture grecque antique était sans doute le Acropole, la colline sacrée au sommet plat à la périphérie d'Athènes. Les premiers temples, érigés ici pendant la période archaïque, ont été détruits par les Perses en 480, mais lorsque la cité-état est entrée dans son âge d'or (c.460-430), son souverain Périclès nommé le sculpteur Phidias pour superviser la construction d'un nouveau complexe. La plupart des nouveaux bâtiments (le Parthénon, les Propylées) ont été conçus selon des proportions doriques, bien que certains comprenaient des éléments ioniques (temple d'Athéna Niké, l'Érechthéion). L'Acropole a été ajoutée à plusieurs reprises au cours des époques hellénistique et romaine. Les Parthénon (447-432), reste l'exemple suprême de l'art religieux grec classique. À son époque, il aurait été agrémenté de nombreuses peintures murales et sculptures, mais même relativement dépourvu d'ornement, il se présente comme un monument incontournable de la culture grecque. Le plus grand temple sur la colline de l'Acropole, il a été conçu par Ictinus et Callicrate, et dédié à la déesse Athéna. Il abritait à l'origine une statue colossale multicolore intitulée Athéna la Vierge (Athéna Parthénos), dont la peau a été sculptée par Phidias à partir d'ivoire et dont les vêtements ont été créés à partir de tissu d'or. Comme tous les temples, le Parthénon était entièrement décoré de sculptures architecturales telles que des reliefs et des frises, ainsi que de statues autoportantes, en marbre, bronze et chryséléphantine. En 1801, le collectionneur d'art et antiquaire Lord Elgin (1766-1841) expédié de manière controversée une grande quantité de la sculpture en marbre du Parthénon (le "Marbres d'Elgin") au British Museum de Londres.

D'autres exemples célèbres d'architecture grecque classique incluent : le temple de Zeus à Olympie (468-456), le temple d'Héphaïstos (vers 449 av. J.-C.), le temple de Bassae, Arcadie (vers 430), qui contenait le premier chapiteau corinthien , le théâtre de Delphes (vers 400), le temple Tholos d'Athéna Pronaia (380-360), le mausolée d'Harnicarnasse, Bodrum (353), le monument de Lysicrate à Athènes (335) et le temple d'Apollon à Delphes ( 330).

Sculpture grecque classique

Dans l'histoire de la sculpture, aucune période n'a été plus productive que les 150 ans entre 480 et 330 avant notre ère. En ce qui concerne l'art plastique, il peut être subdivisé en: Sculpture grecque classique ancienne (480-450), Sculpture grecque classique élevée (450-400) et Sculpture grecque classique tardive (400-323).

Au cours de l'ère dans son ensemble, il y a eu une énorme amélioration de la capacité technique des sculpteurs grecs à représenter le corps humain dans une posture naturaliste plutôt que rigide. L'anatomie est devenue plus précise et, par conséquent, les statues ont commencé à paraître beaucoup plus réalistes. De plus, le bronze est devenu le support principal des œuvres autoportantes en raison de sa capacité à conserver sa forme, ce qui a permis de sculpter des poses encore plus naturelles. Les sujets ont été élargis pour inclure la panoplie complète des dieux et des déesses, ainsi que des divinités mineures, une vaste gamme de récits mythologiques et une sélection diversifiée d'athlètes. D'autres développements spécifiques comprenaient : l'introduction d'un « Canon des proportions » platonicien, pour créer une figure humaine idéalisée, et l'invention de contraposte. Au cours de l'ère classique tardive, les premiers nus féminins respectables sont apparus.

Parmi les sculpteurs les plus connus de l'époque, figuraient : Myron (fl.480-444), Polyclétos (fl.450-430), Callimaque (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lysippe (c.395-305), Praxitèle (fl.375-335), et Léochares (fl.340-320). Ces artistes travaillaient principalement le marbre, le bronze, parfois le bois, l'os et l'ivoire. La sculpture sur pierre était sculptée à la main à partir d'un bloc de marbre ou d'un calcaire de haute qualité, à l'aide d'outils en métal. Ces sculptures peuvent être des statues autoportantes, ou des reliefs/frises, c'est-à-dire seulement partiellement sculptées dans un bloc. La sculpture en bronze était considérée comme supérieure, notamment en raison du coût supplémentaire du bronze, et était généralement coulée selon la méthode de la cire perdue. Encore plus chère était la sculpture chryséléphantine qui était réservée aux grandes statues cultuelles. La sculpture sur ivoire était un autre genre spécialisé, pour les œuvres personnelles à petite échelle, tout comme la sculpture sur bois.

Comme mentionné ci-dessus, le Parthénon était un exemple typique de la façon dont les Grecs utilisaient la sculpture pour décorer et mettre en valeur leurs édifices religieux. A l'origine, les sculptures du Parthénon se répartissaient en trois groupes. (1) Sur les frontons triangulaires à chaque extrémité se trouvaient des groupes autonomes à grande échelle contenant de nombreuses figures de dieux et scènes mythologiques. (2) Le long des deux côtés, il y avait près de 100 reliefs de personnages en lutte, y compris des dieux, des humains, des centaures et d'autres. (3) Autour de l'ensemble du bâtiment courait un autre relief, d'environ 150 mètres de long, qui représentait la Grande Panathénie - une fête religieuse quadriennale en l'honneur d'Athéna. Bien que gravement endommagées, les sculptures du Parthénon révèlent la suprême capacité artistique de leurs créateurs. Surtout, elles révèlent - comme beaucoup d'autres sculptures grecques classiques - un étonnant sens du mouvement ainsi qu'un réalisme remarqué du corps humain.

Les plus grandes sculptures de l'époque classique comprennent : Léonidas, roi de Sparte (vers 480), L'aurige de Delphes (vers 475) Discobole (vers 450) par Myron L'Héraclès Farnèse (5ème siècle) Athéna Parthénos (c.447-5) par Phidias Doryphore (440) par Polyclète Jeunesse d'Anticythère (4ème siècle) Aphrodite de Cnide (350-40) par Praxitèle et Apollon Belvédère (vers 330) par Leochares.

Peinture grecque classique

La peinture grecque classique révèle une compréhension de la perspective linéaire et de la représentation naturaliste qui restera inégalée jusqu'à la Haute Renaissance italienne. Hormis la peinture sur vase, tous les types de peinture fleurissent à l'époque classique. Selon des auteurs comme Pline (23-79 CE) ou Pausanias (actif 143-176 CE), la forme la plus élevée était la peinture sur panneau, réalisée à l'encaustique ou à la détrempe. Les sujets comprenaient des scènes figuratives, des portraits et des natures mortes, et les expositions - par exemple à Athènes et à Delphes - étaient relativement courantes. Hélas, en raison de la nature périssable de ces panneaux ainsi que des siècles de pillage et de vandalisme, aucune peinture sur panneau classique grecque de quelque qualité n'a survécu, ni aucune copie romaine.

La peinture à fresque était une méthode courante de décoration murale dans les temples, les bâtiments publics, les maisons et les tombes, mais ces œuvres d'art plus grandes avaient généralement une réputation inférieure à celle des peintures sur panneaux. L'exemple le plus célèbre de la peinture murale grecque est le célèbre Tombeau du plongeur à Paestum (vers 480), l'une des nombreuses décorations funéraires dans les colonies grecques en Italie. Une autre œuvre célèbre a été créée pour le Grand tombeau à Verfina (c.326 avant notre ère), dont la façade était décorée d'une grande peinture murale d'une chasse au lion royale. L'arrière-plan a été laissé en blanc, le paysage étant indiqué par un seul arbre et la ligne de sol. En plus du style de son arrière-plan et de ses sujets, la peinture murale se distingue par ses représentations subtiles de lumière et d'ombre ainsi que par l'utilisation d'une technique appelée Fusion optique (la juxtaposition de lignes de couleurs différentes) - un précurseur assez curieux du pointillisme de Seurat au XIXe siècle.

La peinture de la pierre, de la terre cuite et de la sculpture sur bois était une autre technique spécialisée maîtrisée par les artistes grecs. Les sculptures en pierre étaient généralement peintes dans des couleurs vives, bien que seules les parties de la statue représentant des vêtements ou des cheveux soient colorées, tandis que la peau était laissée dans la couleur de la pierre naturelle, mais à l'occasion, toute la sculpture était peinte. La sculpture-peinture était considérée comme un art distinctif - un type précoce de techniques mixtes - plutôt que comme une simple amélioration sculpturale. En plus de la peinture, la statue peut également être ornée de matériaux précieux.

Les peintres grecs classiques les plus célèbres du 5ème siècle comprenaient : Apollodore (remarqué pour son Skiagraphie - un type primitif de clair-obscur) son élève, le grand Zeuxis d'Héraclée (remarqué pour ses peintures de chevalet et ses trompe-l'œil) ainsi que Agatharque (le premier à avoir utilisé la perspective graphique à grande échelle) Parrhasius (mieux connu pour son dessin et son image de Thésée au Capitole à Rome) et Timarète (l'une des plus grandes femmes peintres grecques, connue pour une peinture sur panneau à Ephèse de la déesse Diane).

Au cours de la période classique tardive (400-323 avant notre ère), qui a vu l'épanouissement de l'empire macédonien sous Philippe II et son fils Alexandre le Grand, Athènes a continué d'être le centre culturel dominant de la Grèce continentale. C'était le point culminant de la peinture grecque antique, avec des artistes comme le talentueux et influent Apelle de Kos - peintre officiel de Philippe II de Macédoine et de son fils Alexandre le Grand - ajoutant de nouvelles techniques de surbrillance, d'ombrage et de coloration. D'autres artistes célèbres du IVe siècle comprenaient les rivaux d'Apelle Antiphile (spécialiste de l'ombre et de la lumière, de la peinture de genre et de la caricature) et Protogènes (remarqué pour sa finition méticuleuse) Euphranor de Corinthe (le seul artiste classique à exceller à la fois en peinture et en sculpture) Eupompe (fondateur de l'école de Sicyon) et le peintre d'histoire Androkydes de Cyzique (connu pour sa peinture d'histoire cntroversiale représentant la bataille de Platées).

La période de l'art hellénistique s'ouvre avec la mort de Alexandre le Grand (356-323) et l'incorporation de l'empire perse dans le monde grec. À ce stade, l'hellénisme s'était répandu dans le monde civilisé et les centres d'art et de culture grecs comprenaient des villes comme Alexandrie, Antioche, Pergame, Milet, ainsi que des villes et d'autres colonies d'Asie Mineure, d'Anatolie, d'Égypte, d'Italie, de Crète, de Chypre , Rhodes et les autres îles de la mer Égée. La culture grecque était donc totalement dominante. Mais la disparition soudaine d'Alexandre a déclenché un déclin rapide de la puissance impériale grecque, alors que son immense empire était divisé entre trois de ses généraux - Antigone I qui a reçu la Grèce et la Macédoine Séleucos I qui a pris le contrôle de l'Anatolie, de la Mésopotamie et de la Perse et Ptolémée Ier qui dirigeait l'Egypte. Paradoxalement donc, cette période est marquée par une influence culturelle grecque massive, mais affaiblissant la puissance grecque. En 27 avant notre ère, la Grèce et son empire seraient gouvernés depuis la Rome antique, mais même alors, les Romains continueraient à vénérer et à imiter l'art grec pendant des siècles.

Architecture hellénistique

La division de l'Empire grec en entités distinctes, chacune avec son propre souverain et sa propre dynastie, a créé d'énormes nouvelles opportunités d'auto-glorification. En Asie Mineure, une nouvelle capitale a été construite à Pergame (Pergame), par les Attalides en Perse, les Séleucides ont développé une forme de conception de bâtiments de style baroque en Égypte, la dynastie ptolémaïque a construit le phare et la bibliothèque à Alexandrie. L'architecture palatiale a été revitalisée et de nombreuses structures municipales ont été construites pour renforcer l'influence des dirigeants locaux.

L'architecture des temples, cependant, a connu un effondrement majeur. A partir de 300 av. en Grèce continentale et dans les colonies grecques voisines. Même les projets monumentaux, comme l'Artémision à Sardes et le temple d'Apollon à Didyme près de Milet, ont fait peu de progrès. Tout cela a changé au cours du deuxième siècle, lorsque la construction du temple a connu un certain renouveau dû en partie à une prospérité accrue, en partie aux améliorations apportées par l'architecte Hermogène de Priène au style architectural ionique, et en partie à la guerre de propagande culturelle menée (pour influence) entre les différents royaumes hellénistiques, et entre eux et Rome. Dans le processus, l'architecture du temple a été relancée, et un grand nombre de temples grecs - ainsi que des structures à petite échelle (pseudopériptères) et sanctuaires (naiskoi) - ont été érigés dans le sud de l'Asie Mineure, en Égypte et en Afrique du Nord. En ce qui concerne les styles, le style dorique sobre de l'architecture des temples est complètement démodé, car l'hellénisme a exigé les formes les plus flamboyantes des ordres ionique et corinthien. Admiré par l'architecte romain Vitruve (vers 78-10 av. à Athènes.

Sculpture hellénistique

La sculpture grecque hellénistique a poursuivi la tendance classique vers un naturalisme toujours plus grand. Les animaux, ainsi que les gens ordinaires de tous âges, sont devenus des sujets acceptables pour la sculpture, qui était fréquemment commandée par des particuliers ou des familles riches pour décorer leurs maisons et leurs jardins. Les sculpteurs ne se sentent plus obligés de représenter les hommes et les femmes comme des idéaux de beauté. En fait, la sérénité classique idéalisée des Ve et IVe siècles a fait place à une plus grande émotivité, à un réalisme intense et à une dramatisation presque baroque du sujet. Pour un style typique de cette forme d'art plastique, voir Pergamene School of Hellenistic Sculpture (241-133 BCE).

En raison de la propagation de la culture grecque (hellénisation), les centres culturels grecs d'outre-mer nouvellement établis en Égypte, en Syrie et en Turquie ont également demandé beaucoup plus de statues et de reliefs de dieux grecs, de déesses et de figures héroïques pour leurs temples et espaces publics. Ainsi, un grand marché s'est développé dans la production et l'exportation de la sculpture grecque, entraînant une chute de la fabrication et de la créativité. Aussi, dans leur quête d'un plus grand expressionnisme, les sculpteurs grecs ont eu recours à des œuvres plus monumentales, une pratique qui a trouvé son expression ultime dans la Le Colosse de Rhodes (vers 220 av. J.-C.).

Les célèbres sculptures grecques de l'époque comprennent : "Le taureau Farnèse" (2ème siècle) le "Gaule mourante" (232) par Epigone le "Victoire ailée de Samothrace" (c.1er/2ème siècle avant notre ère) L'autel de Pergame (vers 180-150) "La Vénus des Médicis" (150-100) Les Trois Grâces (2e siècle) Vénus de Milo (c.100) par Andros d'Antioche Laocoon et ses fils (c.42-20 BCE) par Hagesander, Athenodoros et Polydore. Pour plus d'informations, veuillez consulter : Statues et reliefs hellénistiques.

Pour une comparaison générale, voir : Sculpture romaine. Pour un genre particulier, voir : Roman Relief Sculpture. Pour un excellent exemple de l'art romain hellénistique du tournant du millénaire, veuillez voir les extraordinaires sculptures en relief en marbre du Ara Pacis Augustae (c.13-9 AEC).

Pour l'effet de la sculpture grecque sur les styles ultérieurs, voir : la sculpture de la Renaissance (vers 1400-1530) et aussi la sculpture néoclassique (1750-1850).

La demande accrue pour la sculpture de style grec s'est reflétée par une augmentation similaire de la popularité de la peinture grecque hellénistique, qui a été enseignée et propagée dans un certain nombre d'écoles séparées, à la fois sur le continent et dans les îles. En ce qui concerne le sujet, les favoris classiques tels que la mythologie et les événements contemporains ont été remplacés par des peintures de genre, des études d'animaux, des natures mortes, des paysages et d'autres sujets similaires, en grande partie en ligne avec les styles décoratifs découverts à Herculanum et Pompéi (1er siècle avant notre ère et plus tard) , dont beaucoup seraient des copies d'originaux grecs.

La plus grande contribution des peintres hellénistes a peut-être été l'art du portrait, notamment le Portraits de momie Fayoum, datant du 1er siècle avant notre ère. Ces peintures sur panneaux magnifiquement conservées, de la période copte - en tout quelque 900 œuvres - sont le seul ensemble d'art important à avoir survécu intact de l'Antiquité grecque. Trouvés principalement autour du bassin du Fayoum (Fayoum) en Égypte, ces portraits faciaux réalistes étaient attachés au tissu funéraire lui-même, de manière à couvrir les visages des corps momifiés. Artistiquement parlant, les images appartiennent au style grec du portrait, plutôt qu'à toute tradition égyptienne. Voir aussi l'héritage grec de la peinture murale et de la peinture sur panneau.

La vraie tragédie de l'art grec est le fait qu'une grande partie de celui-ci a disparu. Seul un très petit nombre de temples - comme le Parthénon et le temple d'Héphaïstos - ont survécu. La Grèce a construit cinq merveilles du monde (la Le Colosse de Rhodes, les Temple d'Artémis à Ephèse, les Statue de Zeus à Olympie, les Mausolée d'Halicarnasse et le Phare d'Alexandrie), mais seuls des fragments en ruine ont survécu. De même, la grande majorité de toutes les sculptures a été détruite. Les bronzes grecs et autres œuvres de ferronnerie grecque étaient pour la plupart fondus et convertis en outils ou en armes, tandis que les statues de pierre étaient pillées ou décomposées pour être utilisées comme matériau de construction. Environ 99% de toutes les peintures grecques ont également disparu.

Les artistes grecs ont gardé les traditions vivantes

Mais même si cette partie de notre patrimoine a disparu, les traditions qui l'ont fait naître perdurent. Voici pourquoi. Au moment où la Grèce a été remplacée par Rome, au 1er siècle avant notre ère, un grand nombre de sculpteurs et peintres grecs talentueux travaillaient déjà en Italie, attirés par la quantité de commandes lucratives. Ces artistes et leurs descendants artistiques ont prospéré à Rome pendant cinq siècles, avant de fuir la ville juste avant que les barbares ne la saccagent au Ve siècle de notre ère, pour créer de nouvelles formes d'art à Constantinople, capitale du christianisme oriental. Ils ont prospéré ici, au siège de l'art byzantin, pendant près de mille ans avant de quitter la ville (bientôt capturée par les Turcs) pour Venise, pour aider à démarrer la Renaissance italienne. Tout au long de cette période, ces artistes grecs migrateurs ont conservé leurs traditions (bien qu'adaptées en cours de route), qu'ils ont léguées aux époques de la Renaissance, du baroque, du néoclassique et de l'époque moderne. Voir, par exemple, le renouveau classique dans l'art moderne (vers 1900-30). Au XVIIIe siècle, l'architecture grecque était une attraction importante pour les voyageurs intrépides du Grand Tour, qui traversaient la mer Ionienne depuis Naples. En résumé : les œuvres d'art grecques ont peut-être disparu, mais l'art grec est toujours bien vivant dans les traditions de nos académies et dans les œuvres de nos plus grands artistes.

• Pour plus d'informations sur la peinture et la sculpture de l'Antiquité classique, voir : Page d'accueil.


La céramique à l'époque grecque archaïque

La peinture archaïque à figures noires et rouges a commencé à représenter des corps plus naturalistes en véhiculant la forme et le mouvement.

Objectifs d'apprentissage

Décrire les similitudes et les différences entre la peinture à figures noires et rouges pendant la période archaïque de la Grèce

Points clés à retenir

Points clés

  • La peinture à figures noires a été utilisée tout au long de la période archaïque avant de diminuer sous la popularité de la peinture à figures rouges.
  • Exekias est considéré comme l'un des peintres à figures noires les plus talentueux et les plus influents en raison de sa capacité à transmettre des émotions, à utiliser des lignes complexes et à créer des scènes qui font confiance au spectateur pour comprendre la scène.
  • La peinture à figures rouges a été développée en 530 avant notre ère par le peintre Andokides, un style qui permet plus de naturalisme dans le corps grâce à l'utilisation d'un pinceau.
  • Les premières peintures à figures rouges ont été réalisées sur des vases bilingues, représentant une scène de chaque côté, l'une à figures noires et l'autre à figures rouges.
  • Les peintres Euthyide et Euphronios étaient deux des peintres archaïques à figures rouges les plus talentueux, avec leurs vases représentant l'espace, le mouvement et le naturalisme.

Mots clés

  • burin: Un ciseau à pointe acérée, utilisé pour graver un graveur.
  • glisser: Un mélange fin et glissant d'argile et d'eau.
  • figure rouge: L'un des styles les plus importants de la peinture figurative sur vase grec, basé sur les représentations figuratives de couleur rouge sur fond noir.
  • figure noire: Un style de peinture sur vase grec qui se distingue par des silhouettes ressemblant à des silhouettes sur un fond rouge.

Présentation de la décoration de poterie

La période archaïque a vu un changement dans les styles de décoration de la poterie, des motifs répétitifs de la période géométrique, en passant par le style orientalisant influencé par l'Orient, aux techniques plus naturalistes à figures noires et rouges. Pendant ce temps, les figures sont devenues plus dynamiques et définies par des éléments plus organiques que géométriques.

Peinture à figures noires

La peinture à figures noires, qui tire son nom des figures noires peintes sur fond rouge, a été développée par les Corinthiens au VIIe siècle avant notre ère et est devenue populaire dans le monde grec pendant la période archaïque. Au fur et à mesure que les peintres devenaient plus confiants en travaillant dans le médium, des figures humaines ont commencé à apparaître sur des vases et des peintres et des potiers ont commencé à signer leurs créations.

Le Vase François

L'un des pots à figures noires les plus célèbres de l'Athènes ancienne est un grand cratère à volutes du potier Ergotimos et du peintre Kleitias, connu sous le nom de Vase François. Le cratère, du nom de l'homme qui l'a découvert au XIXe siècle, représente 270 figures sur les six registres qui s'enroulent autour du cratère.

Contrairement aux vases monumentaux de la période géométrique, ce cratère mesure 66 cm (2,17 pieds) de hauteur. La surface représente diverses scènes mythologiques avec de nombreuses figures étiquetées par leur nom. D'un côté du cou du cratère se trouvent des scènes de la chasse au sanglier calydonien, au cours de laquelle plusieurs hommes et une femme puissante nommée Atalante ont chassé et tué un sanglier monstrueux envoyé par Artémis pour terroriser la région de Calydon après que le roi l'ait offensée.

L'autre face représente Thésée, qui tua le Minotaure, avec des jeunes athéniens et sa femme Ariane. D'autres registres représentent des scènes de la guerre de Troie et de Pélée avec son fils Achille. Le détail et l'habileté démontrent de nouveaux styles de peinture sur vase archaïque, s'éloignant des motifs animaliers et des motifs géométriques des siècles passés.

Au lieu de remplir l'espace négatif de motifs et de motifs géométriques, Kleitias laisse des zones vides. Les personnes et les chevaux sont représentés différemment des prototypes orientaux et géométriques. Les corps sont rendus avec plus de précision et moins dépendants des formes géométriques, bien que les vues de profil dominent et que les lignes nettes fournissent une texture pour la musculature et les vêtements. Alors que de nombreuses figures se tiennent encore les pieds plats, les membres des personnes, des chevaux et des centaures montrent le mouvement et sont des compositions dramatiques dans les limites du style.

Vase François: Réalisé par Kleitias et Ergotimos. Le vase François est un cratère athénien à volutes à figures noires, v. 570 avant notre ère, Chiusi, Italie.

Exékias

Exekias, considéré comme le peintre à figures noires le plus en vue de son temps, a travaillé entre 545 et 530 avant notre ère à Athènes. Il est considéré par les historiens de l'art comme un visionnaire artistique dont l'utilisation magistrale de l'incision et des compositions psychologiquement sensibles font de lui l'un des plus grands peintres de vases attiques. Ses navires affichent une attention aux détails et des lignes précises et complexes.

Exekias est également connu pour sa réinterprétation des mythologies. Au lieu de fournir toute l'histoire, comme Kleitias l'a fait sur le Vase François, il peint des scènes isolées et compte sur le spectateur pour interpréter et comprendre le récit.

Un exemple est une amphore qui représente les guerriers grecs Achille et Ajax jouant aux dés. Les deux hommes sont décorés de fins détails incisés, montrant des motifs textiles élaborés et presque tous les cheveux en place. En attendant la prochaine bataille contre les Troyens, leur jeu préfigure leur destin. Le texte inscrit permet aux deux personnages de parler : "Achille a obtenu un quatre, tandis qu'Ajax a obtenu un trois". Les deux hommes mourront pendant la guerre de Troie, mais Achille meurt en héros tandis qu'Ajax est toujours considéré comme le deuxième meilleur, finalement suicide.

Achille et Ajax: Par Exekias, Achille et Ajax jouant à un jeu de dés. Amphore athénienne à figures noires, v. 540-530 avant notre ère. Vulci, Italie.

Peinture à figures rouges

La peinture à figures rouges s'est développée à Athènes en 530 avant notre ère et est restée populaire jusqu'à la période classique. La technique est similaire à la peinture à figures noires, mais avec des différences importantes.

Au lieu de peindre une figure avec de la barbotine noire et d'utiliser un burin pour gratter la barbotine pour créer des détails, la peinture à figures rouges a le fond peint en noir et les figures ont laissé la couleur rouge de la terre cuite. Le slip noir a été peint avec un pinceau pour ajouter des détails.

Les pinceaux pouvaient obtenir des lignes plus fluides qu'un burin, les détails étaient donc mieux rendus et les figures devenaient plus vivantes que les silhouettes à figures noires. Le slip noir peut également être dilué avec de l'eau pour créer des nuances pour modeler le corps ou les vêtements. Dans l'ensemble, la technique a permis aux peintres de vases de créer des compositions qui rendent le corps plus naturel.

Peinture bilingue

La peinture bilingue sur vase est devenue populaire avec l'avènement de la peinture à figures rouges. Les vases bilingues étaient peints avec une seule scène de chaque côté du vase, généralement la même scène rendue deux fois. Un côté représente la scène à figures noires et l'autre côté représente la scène à figures rouges.

Le peintre d'Andokides est considéré comme l'inventeur du style à figures rouges et de sa première production sur des vases bilingues. Plusieurs de ses amphores bilingues imitent certains des sujets les plus célèbres d'Exekias, tels qu'Achille et Ajax jouant aux dés. Ces similitudes ont conduit de nombreux chercheurs à conclure qu'il était l'élève d'Exekias.

Une vingtaine de vases à figures noires, dont l'attribution est contestée par certains chercheurs, montrent que le peintre andokide a progressivement acquis une plus grande maîtrise et une plus grande virtuosité dans la technique. Les exemples précédents semblent un peu raides. Plus tard, l'artiste exploite les avantages inhérents à la technique et utilise une gamme de couleurs allant du rouge au brun foncé.

Le peintre d'Andokides a marqué l'arrivée du style à figures rouges qui a ensuite été utilisé par de nombreux artistes. Le sujet préféré du peintre était un large éventail de scènes mythologiques représentant les dieux et les héros. Héraclès était son personnage préféré.

Héraclès et Athéna: Héraclès et Athéna. Côté à figures rouges d'une amphore bilingue, v. 520-510 avant notre ère, Vulci, Italie.

Héraclès et Athéna: Héraclès et Athéna. Côté à figures noires d'une amphore bilingue, v. 520-510 avant notre ère, Vulci, Italie.

Peintres à figures rouges supplémentaires

Une peinture à figures rouges supplémentaire peut être vue dans le travail des rivaux Euthymides et Euphronios. Euthymides est connu comme un pionnier de la peinture à figures rouges.

Ses vaisseaux représentent des personnes en mouvement et il a tenté la perspective en montrant des personnages aux membres raccourcis. Le vase Revelers est une amphore qui représente trois hommes ivres dansant. Bien que les figures ne se chevauchent pas, les corps sont représentés de profil, de trois quarts et de dos.

Brisant la rigidité traditionnelle des statues et peintures archaïques contemporaines, les fêtards sont dans des postures dynamiques. Les deux personnages extérieurs se tiennent dans des positions actives, les jambes et les mains en mouvement. La figure du milieu est dans une position tordue, le dos tourné au spectateur et la tête regardant par-dessus son épaule gauche. L'utilisation du raccourci, bien que rudimentaire, donne à l'ensemble de la composition une sensation plus naturelle et plus crédible. C'est peut-être l'utilisation de cette technique relativement peu éprouvée qui a conduit Euthymides à écrire sur son vase, "Comme jamais Euphronios [pouvait faire!]" comme une raillerie à son contemporain et rival.

Euthymidès. Vase Fêtards: Amphore à figures rouges, v. 510 avant notre ère.

Le peintre Euphronios est également reconnu pour ses compositions dramatiques et complexes. Il a utilisé de la barbotine d'argile diluée pour créer une gamme de nuances pour colorer ses personnages, les faisant apparaître énergiques et présents dans un espace tridimensionnel.

Une scène de lutte entre Héraclès et Antaios transporte les corps des deux hommes avec un naturalisme inédit. Les corps des hommes se plient et se tordent et leurs membres se chevauchent, disparaissent et réapparaissent, ce qui aide à atteindre à la fois le naturalisme et la sensation d'espace.

Héraclès et Antaios: Euphronios. Héraclès lutte Antaios. Cratère calice athénien à figures rouges. (C. 510 avant notre ère. Cervetri, Italie. )


Voir la vidéo: Le banquet des Grecs (Juin 2022).


Commentaires:

  1. Anluan

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  2. Wilber

    À mon avis, vous avez tort. Discutons. Envoyez-moi un courriel à PM, nous parlerons.

  3. Nelkis

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