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Quelles techniques étaient utilisées pour fabriquer des bagues à l'époque médiévale ?

Quelles techniques étaient utilisées pour fabriquer des bagues à l'époque médiévale ?


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Il existe de nombreuses informations sur Internet concernant le processus de fabrication des bagues aujourd'hui à l'aide d'outils modernes. Quelles techniques étaient utilisées avant le 17ème siècle pour le faire ?


En utilisant des techniques de soudure pour joindre les extrémités de l'anneau en une boucle complète.

Il existe des preuves que la soudure était utilisée il y a 5 000 ans en Mésopotamie. On pense que la soudure et le brasage sont apparus très tôt dans l'histoire du travail des métaux, probablement avant 4000 av. Épées sumériennes de c. 3000 avant JC ont été assemblés à l'aide de brasage dur.

La soudure était historiquement utilisée pour fabriquer des bijoux, des ustensiles de cuisine et des outils, ainsi que d'autres utilisations telles que l'assemblage de vitraux.

Ainsi, les mêmes techniques utilisées pour créer des vitraux, des récipients à boire/stockage/votifs en métal, etc., juste plus petits et plus complexes.

Pour les bagues en or massif, une forme impure d'or a été utilisée comme charge car elle fond à une température plus basse que l'or pur.

Techniques de bijouterie médiévale

Plus l'impureté de l'or est élevée, plus il fondra rapidement, et en tant que tel, l'or impur fondrait avant le pur et pourrait ensuite être utilisé pour attacher deux ou plusieurs pièces d'or plus pur.


Faire l'armure. Comment faisaient-ils au Moyen Âge ?

Il n'y a pas tellement d'informations sur les technologies spécifiques de l'artisanat des armures en plaques. Mais nous avons encore différentes sources de cette époque telles que des manuscrits enluminés, des illustrations médiévales où l'on peut voir un artisan faire son travail, des descriptions d'outils de forge spécifiques.

Selon ces sources historiques, il existait une structure dans l'organisation du travail des forgerons et autres forgerons. Chacun d'eux était engagé dans une certaine partie de la fabrication d'armures.

Il y a un manuscrit très intéressant : une liste de forgerons allemands qui ont travaillé à Greenwich au XVIe siècle. On peut y lire que différents artisans effectuaient des travaux différents : certains forgeaient les plaques d'acier formant la forme des armures, les polisseurs ne faisaient que des travaux de finition de polissage, les serruriers faisaient des boucles et des boucles les installant sur les armures. Les forgerons milanais, qui étaient bien connus dans le monde entier en raison de leur armure milanaise, avaient au XVe siècle une division encore plus importante du travail sur une spécialité. Un artisan ne fabriquait qu'une ou quelques pièces d'armure censées devenir une armure complète. De plus, de nombreux ateliers avaient leurs propres spécialistes de la gravure, de l'incrustation et de la dorure.

Jusqu'au XVIIe siècle, les plaques d'acier étaient principalement fabriquées à partir de blocs de métal. Les forgerons utilisaient un hummer spécial qui était déplacé à l'aide d'un mécanisme hydraulique. Rare, ils utilisaient un hummer à main. Selon l'une des sources historiques, environ en 1500 ans en Allemagne, les artisans utilisaient un rouleau métallique spécial. Au moins, cette méthode de fabrication de tôles d'acier est devenue très populaire dans toute l'Europe.

Les tôles d'acier devaient être découpées selon les modèles des pièces d'armure : jambes en acier, bras en acier, spallières, jambières, sabatons, cuirasses, casques. Ensuite, le forgeron a commencé à créer une forme à l'aide de modèles de forme en acier spéciaux. Ils ressemblaient à de nombreuses enclumes différentes fixées verticalement.

Le forgeage à froid a été utilisé pour obtenir une forme d'armure de base. Mais certaines pièces telles que les bords incurvés ou les “nervures” pourraient être réalisées uniquement par chauffage et trempe.

Après que tous les ormes en acier des futures armures aient été façonnés, forgés et durcis, la prochaine étape est à venir. Le plus difficile : rassembler toutes les pièces ensemble et les ajuster pour s'adapter.

Il s'agissait d'un processus très important, car une armure terminée ne devrait pas présenter de lacunes, devrait être confortable à porter, mobile, articulée. Et ce qui était vraiment essentiel pour le chevalier du Moyen Âge, c'est que ses armures devaient le protéger autant que possible pendant les guerres numériques médiévales.

L'ajustement de l'armure est terminé, et ensuite ? Polissage, polissage, polissage. Le polisseur a utilisé non seulement ses propres mains pour cela, mais aussi un mécanisme spécial. C'était une sorte de roues abrasives mues par l'eau.

Au cas où une armure devait être décorée de gravures ou d'incrustations, cela allait aux mains du graveur. Les bijoutiers avaient également un rôle à jouer si le client était vraiment riche et noble.

Les dernières étapes avant que l'armure ne soit prête pour la bataille (ou peut-être le défilé ?). À la fin de la fabrication des armures, le serrurier devait attacher toutes les boucles, boucles et attaches. Très souvent, les armures étaient recouvertes de lin sur la face intérieure. L'armure terminée était fièrement signée par la marque de l'artisan.

De nos jours, les forgerons modernes utilisent certaines techniques de forgeron médiéval. Mais produire les armures HMB et IMCF ne concerne pas seulement les astuces médiévales, mais c'est aussi une connaissance du travail de base des outils électriques.

Battle of the Nations ou WMFC nécessite une armure de haute qualité. L'historicité de l'armure et ses qualités protectrices devraient se compléter.

Dans notre atelier, vous pouvez choisir une armure en acier trempé, une armure en titane et des éléments rembourrés pour commencer le combat médiéval à contact complet.


Une brève histoire des boucles d'oreilles

Comme une boucle d'oreille d'or et un ornement d'or fin, ainsi est un sage réprobateur sur une oreille obéissante.

Une reconstruction d'Ötzi l'homme de glace basée sur des artefacts trouvés avec le corps

L'histoire des boucles d'oreilles est intéressante car elles sont portées par les deux sexes depuis des millénaires. La découverte d'un corps vieux de 5 000 ans dans les Alpes italiennes nous a montré que les hommes portaient des boucles d'oreilles dès l'âge du bronze. Ötzi l'homme de glace, comme la plus ancienne momie d'Europe est maintenant connue, avait un trou de forage de 7 à 11 mm de diamètre dans le lobe de son oreille.

Une cercueil canoptique de la tombe de Toutankhamon

Les objets dorés de la tombe du pharaon égyptien Toutankhamon (1341-1323 av. J.-C.), y compris son masque mortuaire, ont également des trous de boucle d'oreille.

L'ascète et sage Siddhārtha Gautama (vers 563-483 avant notre ère) est né dans la richesse et le pouvoir. En signe de statut, il portait de lourdes boucles d'oreilles qui étiraient ses lobes d'oreilles. Au moment de son illumination cependant, le fondateur du bouddhisme s'est débarrassé de tous ses biens matériels, y compris ses bijoux. Pour célébrer son acte d'abnégation, des images du Bouddha sont représentées avec des lobes d'oreilles distendus.

Des frises de Persépolis, capitale de l'empire perse pendant la dynastie achéménide (550-330 av. J.-C.), montrent des guerriers portant des boucles d'oreilles. Et dans une tradition qui s'étend sur des siècles, les lobes des oreilles des bébés mâles et femelles en Inde sont percés peu de temps après leur naissance.

Une frise de Persépolis représentant un soldat avec une boucle d'oreille

Les anciens croyaient que la maladie et les mauvais esprits pénétraient dans le corps par ses orifices. Un individu pourrait être protégé si des amulettes étaient portées à ces entrées, y compris les oreilles. Les premiers médecins croyaient également que les boucles d'oreilles, ou les pierres précieuses qu'elles contenaient, guérissaient les maux de tête et amélioraient la vue. Néanmoins, il est clair que le but premier était d'orner le corps.

Pline l'Ancien (23-79 après J.-C.) a souvent critiqué ses compatriotes romains pour leur consommation ostentatoire. Dans son Naturalis Historia (Trans. Bostock et Riley, 1855), il se plaignait amèrement des modes de vie débauchés de ses compatriotes. Il méprise le nouveau goût des femmes pour les boucles d'oreilles en perles :

Portrait mosaïque de Pompéi d'une femme avec boucles d'oreilles

«Nos dames se glorifient d'avoir ceux-ci suspendus à leurs doigts, ou deux ou trois d'entre eux suspendus à leurs oreilles. Dans le but de servir ces goûts luxueux, il existe divers noms et raffinements fastidieux qui ont été imaginés par profusion et prodigalité car après avoir inventé ces boucles d'oreilles, ils leur ont donné le nom de "crotalia", ou pendentifs castagnettes, comme si tout à fait ravis même du cliquetis des perles lorsqu'elles se heurtent et maintenant, à l'heure actuelle, les classes les plus pauvres les affectent même, comme les gens ont l'habitude de dire, qu'« une perle portée par une femme en public , est aussi bon qu'un licteur marchant devant elle’.”

Les boucles d'oreilles sont mentionnées à plusieurs endroits dans la Bible, mais les références sont généralement peu flatteuses. Par exemple, Osée 2:13 déclare : Israël « s'est paré de ses boucles d'oreilles et de ses bijoux, et elle est allée après ses amants, et m'a oublié, dit le Seigneur.

Les boucles d'oreilles ornementales ont été conçues pour s'enlever facilement afin de pouvoir être changées à volonté. Cependant, les boucles d'oreilles ont également été conçues pour être des accessoires plus permanents dans l'oreille et un signe d'esclavage. D'après Exode 21 :2-6 :

« Si tu achètes un serviteur hébreu, il servira six ans, et le septième il sortira gratuitement pour rien. S'il est entré seul, il sortira seul ; s'il était marié, sa femme sortira avec lui. Si son maître lui a donné une femme et qu'elle lui ait donné des fils ou des filles, la femme et ses enfants seront ses maîtres, et il sortira seul. Et si le serviteur dit clairement : J'aime mon maître, ma femme et mes enfants, je ne sortirai pas libre : Alors son maître le conduira aux juges, il le conduira aussi à la porte ou au montant de la porte et son maître lui percera l'oreille avec un aoul et il le servira pour toujours.

Marie de Bourgogne (1457-1482)

Les boucles d'oreilles sont restées populaires dans les bijoux orientaux à travers les âges, mais les goûts occidentaux se sont avérés plus variables. Bien que les boucles d'oreilles n'aient jamais été considérées comme démodées, elles n'étaient parfois pas aussi populaires que d'autres bijoux. Par exemple, au Moyen Âge, les femmes portaient des couvre-chefs ornés de bijoux et leurs coiffures couvraient souvent les oreilles, de sorte que les boucles d'oreilles sont devenues superflues.

Détail d'un _Portrait de Sir Walter Raleigh_

La popularité des boucles d'oreilles est revenue au 16ème siècle. Les femmes portaient toutes sortes de boucles d'oreilles, mais les boucles d'oreilles en perles étaient particulièrement populaires. Les hommes, dont Shakespeare, Sir Walter Raleigh et Francis Drake, portaient également des bagues en or et d'autres ornements aux oreilles. Chez les hommes de mer, un lobe d'oreille percé signifiait un voyage autour du monde ou à travers l'équateur. Les survivants du naufrage portaient une boucle d'oreille dans le lobe de l'oreille gauche.

1. Hélix, 2. Industriel, 3. Tour, 4. Daith, 5. Tragus, 6. Snug, 7. Conque, 8. Anti-Tragus, 9. Lobe

Au début du 20e siècle, il était considéré comme inapproprié de percer les lobes des oreilles. Au lieu d'éliminer complètement l'utilisation des boucles d'oreilles, des boucles d'oreilles à vis ont été inventées. Les boucles d'oreilles à vis et à clip sont restées populaires auprès des femmes jusqu'à ce que le piercing revienne à la mode dans les années 1960.

Au cours des années 1980, les hommes ont à nouveau embrassé cette mode ancienne. Aujourd'hui, il n'est plus choquant de les voir porter des boucles d'oreilles. Cela explique peut-être pourquoi les piercings sont devenus de plus en plus élaborés. Inutile de dire que les techniques et l'équipement de perçage des oreilles d'aujourd'hui sont très différents de prendre un poinçon et de le faire passer à travers l'oreille dans une porte. Mais à d'autres égards, la boucle est bouclée : les tailles des forages se rapprochent encore une fois de celles pratiquées par Ötzi il y a environ 5 000 ans.


Histoire des mariages : du Moyen Âge à nos jours

Les mariages ont-ils tellement changé depuis le Moyen Âge ? Jetons un coup d'œil et voyons

Nous avons encore les grandes fêtes qui s'accompagnent souvent de chahuts et d'états d'ivresse. La musique et la danse sont faites par tous. La mariée a ses dames d'honneur, le marié a ses serviteurs. La mariée porte parfois encore des crinolines et des cerceaux. La plupart des gens se marient encore dans les églises. Si vous êtes catholique, vous avez toujours besoin d'une annulation contre un divorce. Le mariage est toujours considéré comme un contrat en vertu de la loi…

Mariages médiévaux

Au moyen-âge, nous avons vu la montée des lois sur le mariage. En 1076, le Conseil de Westminster a fait une loi que le mariage doit être béni par un prêtre, et au 16ème siècle, il a été dit que le mariage doit être célébré par un prêtre avec des témoins présents. Des contrats et des documents juridiques ont commencé à être rédigés, similaires aux accords de mariage, aux contrats de mariage et aux licences d'aujourd'hui. La dot, la propriété, les droits, etc. seraient contenus dans ces documents.

Croyez-le ou non, mais au Moyen Âge, le régime de beauté d'une femme avant son mariage est très similaire à ce que je faisais avant le mien. Son visage était souvent peint avec une sorte de cosmétique (en discutant des cosmétiques à une date ultérieure) . Elle pourrait se blanchir les cheveux au soleil. Certaines femmes s'épilaient la racine des cheveux. Au moyen-âge, il était à la mode d'avoir un front haut. Maintenant, je ne l'ai pas fait, mais j'ai une amie qui n'aimait pas beaucoup le sommet de sa veuve. Les cheveux seraient portés lâches ou avec une guirlande de fleurs. Ce sont peut-être les seules fleurs qui ornent une mariée. Certains portaient un sachet d'herbes et de pot-pourri, mais pas le bouquet traditionnel que portent les mariées contemporaines.

Si une femme venait d'une famille aisée ou noble, elle prenait un bon bain chaud, suivi d'huiles parfumées aux fleurs et aux herbes. Si elle ne l'était pas, elle serait sale, mais elle aurait quand même une sorte de parfum pour couvrir les odeurs. C'est peut-être répugnant d'y penser, mais si tout le monde est sale, alors c'est tout à fait normal.

Les soies les plus fines avec des broderies d'or ou d'argent seraient portées. Les tissus aux couleurs vives étaient populaires. Les hommes portaient leur plus belle tenue de cour, ou même un ensemble de vêtements nouvellement confectionnés. Bijoux, fourrures et ceintures élaborées ornaient chaque corps noble.

Aujourd'hui, le blanc est le symbole de la pureté et la plupart des robes de mariée sont fabriquées dans cette teinte. Au moyen-âge, ce n'était pas le cas. Les mariées portaient le plus souvent du bleu, car le bleu était le symbole de la pureté. Si sa robe n'était pas bleue, elle porterait quelque chose de bleu, comme un ruban sur elle. D'où les années d'aujourd'hui, "quelque chose de bleu".

La jarretière est également devenue populaire à l'époque médiévale. Alors que les invités suivaient les mariés dans leur chambre, où ils mettaient le couple au lit, les invités trop zélés se débattaient avec la robe de la mariée, essayant de prendre quelque chose pour la bonne chance. C'est à ce moment-là que la jarretière est devenue populaire, alors les gens essayaient de la prendre. Je me demande à quel point ils seraient choqués maintenant s'ils voyaient un marié moderne, enfoui profondément sous les jupes de sa mariée, retirer la jarretière en dentelle avec ses dents? “Oh, dieu !” **se croise** Ce serait hilarant.

Les paysans ne pouvaient généralement se permettre de porter que leurs vêtements de tous les jours, peut-être la seule bonne tenue qu'ils gardaient pour l'église.

Pour une personne de naissance noble, leur mariage peut avoir lieu au château ou à la manière. Tant qu'elle était bénie par un prêtre, il n'était pas nécessaire que la cérémonie ait lieu dans une église. De grandes fêtes suivraient, avec des imbéciles, des ménestrels, des musiciens et d'autres amuseurs.

Les gâteaux de mariage à plusieurs niveaux d'aujourd'hui proviennent en fait du Moyen Âge. Les invités apportaient des petits gâteaux et les empilaient les uns sur les autres. Les mariés essayaient alors de s'embrasser par-dessus les gâteaux sans les faire tomber au sol.

Les invités comprenaient des habitants de la résidence, d'autres nobles et des parents éloignés. Les invitations n'ont pas été envoyées.

Les noces nobles étaient rarement remplies d'amour. C'était un mariage arrangé.

Maintenant, les paysans étaient un peu différents. Ils se mariaient souvent par amour ou peut-être qu'une fête d'amour rapide qui aboutissait à une grossesse les pousserait dans l'allée. Malgré les différences, les paysans considéraient toujours le mariage comme un contrat légal, et certains souffraient également d'un mariage arrangé. Les cérémonies de fiançailles auraient lieu dans la maison, en présence de certains des villageois. Une tradition du village était de doucher les mariés avec des graines de céréales pour leur souhaiter un mariage fertile, pas si différent de jeter du riz, qui se démode.

Les bagues étaient échangées parmi les riches, mais parmi les paysans, souvent le marié cassait une pièce en deux en gardant un côté pour lui et en donnant l'autre à sa fiancée.

Mariages élisabéthains

De nombreuses coutumes du moyen-âge étaient encore en vigueur à l'époque élisabéthaine. La religion jouait toujours un rôle majeur dans les mariages et les cérémonies étaient dirigées par un prêtre, très probablement dans une église. Une procession emmenait la mariée de sa maison à l'église.

Avant de se marier, un Crying the Banns serait fait. C'était l'annonce par le couple de son intention de se marier. Si quelque chose empêchait que cela se produise, cela serait évoqué pendant les bans. Cette coutume existe encore aujourd'hui dans les églises britanniques. L'annonce serait faite à l'église, trois dimanches de suite. Quiconque se mariait sans procéder aux Crying the Bans, leur mariage serait considéré comme illégal. S'ils vivaient dans des paroisses différentes, les bans devraient être pleurés dans les deux.

Si quelqu'un avait besoin de se marier tout de suite, l'évêque pouvait lui émettre une obligation de mariage. Le contrat de mariage ne nécessitait qu'une semaine de Crying the Banns. Anecdote : William Shakespeare et sa femme ont obtenu un lien de mariage de l'évêque pour leur propre mariage.

Les mariages avaient lieu le matin, avant midi, et les festins avaient lieu après.

Les fleurs ont joué un plus grand rôle. Les demoiselles d'honneur seraient chargées de confectionner des bouquets pour les invités et de confectionner la guirlande de mariage, composée de romarin et de roses. La mariée portait sa guirlande jusqu'après la cérémonie, où elle la plaçait ensuite sur sa tête.

Le coût du mariage incombait au père de la mariée, mais dans les petits villages, les voisins peuvent préparer de la nourriture pour le festin, un peu comme un dîner-partage. Une autre tradition est également arrivée à l'époque élisabéthaine, la bière de mariée. Une mariée se réunissait dans une cour et vendait de la bière à autant de personnes qui l'achèteraient, pour autant qu'elles paieraient pour financer son mariage.

Les invitations n'ont toujours pas été envoyées. Les gens étaient au courant du mariage et ils y assisteraient. S'il devait se tenir à la cour, les courtisans savaient y aller. Parfois, de petites notes peuvent être envoyées, mais rien de formel. Un ordre social strict est observé dans l'église, les nobles à l'avant, les paysans à l'arrière.

Le contrat de mariage était toujours très important, avec les détails de la dot et de l'union (ce que la famille du marié fournirait à la mariée si elle devenait veuve).

Les bagues de fiançailles n'étaient pas encore populaires, mais des alliances en diamant pouvaient être vues.

Mariages Régence

Pendant la Régence, les mariages sont devenus pour la plupart des affaires privées, et même s'ils étaient célébrés à l'église, ils n'étaient pas nombreux. Un endroit très populaire pour organiser un mariage était l'église St. George à Hanover Square. En fait, en 1816, 1063 mariages ont eu lieu cette année-là dans l'église. Selon le site Web Hibiscus Sinesis, avec autant de mariages dans l'année, c'était un rival avec une chapelle de mariage à Las Vegas.

C'est à l'époque de la Régence que les robes de mariée blanches ont commencé à coller. Porter du blanc était de toute façon populaire à cette époque, donc ce n'était pas seulement une question de robe de mariée.

La lecture des bans se faisait encore à l'époque de la Régence, mais il y avait aussi quelques autres façons de s'y prendre. Il y avait la licence commune, qui était obtenue par un évêque ou un archevêque. Le couple devait se marier dans une église ou une chapelle où la mariée ou le marié avait vécu pendant quatre semaines. La troisième voie était une licence spéciale, délivrée par l'archevêque de Cantorbéry ou le Doctors Commons à Londres. La licence spéciale permettait au couple de se marier n'importe quand, n'importe où.

Les mariages étaient encore célébrés le matin et pouvaient être suivis d'un petit-déjeuner festif.

Mariages victoriens

On attribue souvent à la reine Victoria le mérite d'avoir rendu la robe de mariée blanche populaire puisqu'elle-même portait du blanc à son mariage, mais il y a eu de nombreuses épouses royales et non royales avant elle qui ne portaient pas de blanc.

Les fleurs ont commencé à jouer un rôle plus important dans le mariage. L'église ou la chapelle en serait décorée. Les hommes portaient une fleur au revers de leur redingote ou de leur jaquette. A la campagne, une mariée se rendait à la chapelle sur un tapis de fleurs.

Les cloches de l'église sonnaient pour alerter les gens que le mariage avait lieu et pour éloigner le mal.

En 1880, les mariages pouvaient avoir lieu jusqu'à 3 heures de l'après-midi.

Mariages écossais

En Écosse, les mariages étaient très différents. Il n'y avait pas toutes les règles qui s'appliquaient à l'Angleterre. En Écosse, un couple était considéré comme marié s'il l'annonçait à des témoins, puis consommait le mariage.

En Angleterre, les gens s'enfuiraient à Gretna Green en Écosse pour éviter les lois et les restrictions. Ces mariages étaient considérés comme légaux en Angleterre, même s'ils étaient découragés. Cela ressemble vaguement à un mariage à Vegas…


Le contrefort volant.

Avec les arcs brisés et les voûtes d'arêtes nervurées, l'arc-boutant a été introduit comme élément structurel clé dans les bâtiments du milieu du XIIe siècle tels que l'abbaye de Saint-Germain-des-Prés et la cathédrale Notre-Dame, toutes deux à Paris, et la cathédrale à Chartres, France. Les arcs exposés « volant » au-dessus des bas-côtés de l'église servent à soutenir le mur contre la poussée vers l'extérieur de la voûte et la pression du vent sur le toit et à diriger ces forces vers les dalles massives de maçonnerie (contreforts). Des arcs-boutants, coordonnés avec des voûtes d'arêtes nervurées et des arcs brisés, composaient un tout nouveau système. Plutôt qu'une enveloppe continue de lourds murs de soutènement, comme cela était caractéristique du style roman, la structure ressemblait maintenant à la cage d'un ensemble de monteurs, avec les arcs-boutants apparaissant à la fois à l'intérieur et à l'extérieur. En exploitant le potentiel de ces nouvelles fonctionnalités, l'architecture gothique de l'église a pu réaliser l'impossible : une hauteur sans précédent combinée à des murs qui n'étaient guère plus que des écrans perforés dont les ouvertures étaient remplies de vastes champs de vitraux éblouissants.


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Techniques de couture médiévales :
Points, coutures et couture

COUTURE - TEMPS DE CONSTRUCTION - ASSEMBLAGE TISSU - OURLET - COLLIERS - OEILLETS
CONSTRUCTION OEILLET - CONSTRUCTION BOUTONNIÈRE - BOUTONS TOILE - GOMMES - CORDON LUCET - BORDS RENFORCÉS


Les méthodes de couture, d'assemblage des coutures et de fabrication d'œillets et de boutonnières sont un sujet de grand intérêt pour de nombreux costumiers et acteurs historiques.

Les guides de couture contemporains en disent un peu plus sur les techniques réelles, et des bribes d'informations nous viennent d'autres sources, telles que quelques vêtements existants dispersés dans le monde entier et des conseils écrits.

Un extrait d'une jeune femme au foyer lorsqu'elle s'occupe d'un tissu qu'il devrait être 'pulvérisé par la bouche comme un tailleur pulvérise de l'eau sur la partie d'une robe qu'il souhaite ourler.

Cela nous indique qu'il était assez courant pour un tailleur d'humidifier un ourlet avec de l'eau pendant qu'il était cousu. L'image à droite est un détail d'une enluminure du XVe siècle montrant une femme coupant et modelant.

Temps de construction
La confection de vêtements était une entreprise qui prenait beaucoup de temps. Plusieurs personnes peuvent travailler sur un vêtement à la fois, ce qui peut rendre difficile de déterminer combien de temps il a fallu pour fabriquer quelque chose. Les femmes au foyer peuvent également travailler sporadiquement sur un vêtement ou une tenue.

Un peu d'informations sur le temps et les coûts de fabrication des vêtements nous viennent des comptes de la Grande Garde-robe de la famille royale anglaise au 14ème siècle, et à partir de cela, nous pouvons estimer le temps nécessaire pour faire certaines choses.

Une paire de durites : environ une demi-journée.
Une cape : 3 à 6 jours selon qu'elle soit doublée ou non.
Une supertunique : 3 - semaines selon qu'elle soit doublée ou non.
Une tunique : 1 à 6 jours selon complexité, doublure etc.

D'après mon expérience de couture personnelle, ces temps sont tous réalisables, à l'exception du tuyau, à moins que les coutures ne soient laissées à vif, ce qui rendrait les pieds extrêmement inconfortables.

Certains vêtements à usage spécial semblent avoir été commandés à très court préavis et peuvent ne pas avoir la qualité de finition des vêtements qui devaient être portés encore et encore.

Piqûre
Il y a une idée fausse commune sur la qualité des vêtements médiévaux.

Beaucoup supposent que parce que les machines à coudre n'ont pas été inventées, les coutures et la qualité des vêtements étaient rugueuses ou médiocres. Ce n'est rien de plus qu'une grossière insulte à nos aïeules.

Il faut se rappeler que comme tout était cousue à la main, la couture était une compétence dans laquelle une jeune fille parviendrait à une grande maîtrise à un très jeune âge. Au moment où une jeune femme cousait des vêtements pour elle-même ou pour sa famille, on pouvait raisonnablement s'attendre à un niveau considérable de compétence.

Même une pauvre femme avec des tissus filés à la maison prendrait soin de fournir à sa famille la meilleure couture qu'elle puisse réussir pour produire des vêtements à la fois chauds et durables. Un travail de mauvaise qualité entraînerait la chute des vêtements au niveau des coutures alors que le tissu était encore utilisable - un gaspillage que la femme la plus pauvre ne pouvait pas permettre.

Les méthodes de couture du tissu étaient assez simples. Montré ci-dessus:

Méthode 1. Point de chute.
Méthode 2. Point courant.
Méthode 3. Combinaison de points de chute et de course pour une durabilité accrue.

Assembler le tissu ensemble
Différentes méthodes ont été utilisées pour l'assemblage de différents tissus. Pour un aperçu complet de la couture archéologique, veuillez visiter le site Web de Heather Jones ARCHEOLOGICAL SEWING.

Je ne reproduirai pas toutes les informations ici alors qu'elle a déjà fait une si grande quantité d'excellentes recherches.

Trois méthodes simples pour assembler le tissu sont illustrées ici-

Méthode 1. Le tissu est posé avec les côtés extérieurs ensemble. Un point courant rejoint le tissu.
Méthode 2. Un point arrière offre une plus grande résistance pour une couture.
Méthode 3. Une méthode de coutures plus longue utilise une jointure initiale qui est ensuite ouverte à plat et surpiquée avec deux lignes de point courant. Cette troisième méthode fait une couture très solide et plate.

Les images présentées ici et celles présentées ci-dessous sont tirées du Musée de Londres série de livres sur les vêtements médiévaux et reste leur propriété.

faire l'ourlet
Si une lisière pouvait être utilisée, elle supprimait le besoin d'un ourlet. Les bords coupés, bien sûr, nécessitaient un ourlet pour éviter l'effilochage.

Le point de chute, illustré à droite, était le plus courant. Le tissu est plié sous et le plié à nouveau et cousu en place est représenté ci-dessous avec des variations : combiné avec un point courant et un point courant utilisé seul.

Le Goodman de Paris à la fin du 14ème siècle conseille à sa femme que le tissu doit être :

'pulvérisé par la bouche comme un tailleur pulvérise de l'eau sur la partie d'une robe qu'il souhaite ourler.

Tour de cou
Cet exemple de tour de cou montre qu'une bande de soie a été cousue à l'intérieur du cou d'un vêtement en laine de haute qualité.

Une bande comme celle-ci fournirait un renforcement supplémentaire là où l'usure est susceptible de se produire. Le renfort d'ouverture est réalisé à partir d'une étroite bande de soie. Il est daté entre 1325 et 1350.

Il est possible que ce vêtement ou d'autres similaires aient des bandes similaires aux extrémités des manches pour renforcer les bords les plus sujets à l'usure.


Oeillets

Sans l'utilisation de fermetures éclair, les robes étaient fermées par des boutons ou des laçages. Il était plus probable que la sous-robe était lacée, offrant une silhouette plus lisse et plus plate et un vêtement de base plus confortable. La robe extérieure était plus susceptible d'être fermée par des boutons ornementaux arrondis ou en forme de boule plutôt que plats.

Représenté à droite, un détail de trous d'œillets sur un parement de soie provenant d'un dépôt daté du 14e siècle. Des traces de drap de laine du vêtement d'origine sont également visibles sur les bords de la bande de parement.

Les œillets et les trous de laçage sur les kirtles n'étaient généralement pas distants de plus de 2 cm. Placer les trous plus éloignés et le laçage n'empêcherait pas la robe de s'ouvrir sans attrait. Un œillet bien fait était aussi solide que ceux en métal que nous utilisons aujourd'hui.

Prenez un ruban à mesurer ou une règle et marquez les œillets à des intervalles ne dépassant pas 2 cm. Lorsque vous avez marqué les œillets de manière à ce qu'ils soient uniformément alignés des deux côtés, vous pouvez retirer le point d'arrêt. À l'aide d'un fil double ou d'un fil de lin épais, piquez un cercle autour du trou marqué pour assurer le renforcement. Il vous donnera également une ligne directrice pour garder votre œillet là où vous le vouliez et éviter qu'il ne devienne déséquilibré.

À l'aide d'un poinçon, percez le tissu en écartant soigneusement les fils.

Il est très important de ne pas déchirer ou couper le tissu ou votre œillet perdra une partie de sa résistance ou se déchirera sous la pression ou l'usure répétée. Faites 4 points au nord, au sud, à l'est et à l'ouest pour maintenir le trou ouvert et utilisez doucement le poinçon pour rouvrir le trou.

Il ne reste plus qu'à coudre autour du cercle avec des points serrés, en utilisant le poinçon de temps en temps pour garder le trou ouvert. Vous serez surpris de la solidité du résultat.


Conception de boutonnière
De construction similaire à l'œillet, la boutonnière est réalisée comme indiqué sur la photo. La principale différence de construction est que la boutonnière doit toujours être coupée avant la couture.

Le point de feston est ensuite utilisé pour faire le tour de l'ouverture. Les boutonnières étaient généralement, mais pas toujours, cousues sur un vêtement renforcé par une bande de soie ou de lin pour le renforcement.

Les boutonnières, comme les œillets ou les trous de laçage, étaient très serrées et couraient toujours à angle droit par rapport au bord de l'ouverture du vêtement. Il faut veiller à ce que la boutonnière ne soit pas trop large car elle s'ouvrira un peu à la couture.

Les images présentées ici sont tirées du Musée de Londres série de livres sur les vêtements médiévaux et reste leur propriété. L'image montre des boutonnières au bord d'un vêtement en laine provenant d'un dépôt daté de 1325 à 1350.

Tutoriels de couture
J'ai quelques tutoriels montrant comment faire des œillets, des boutons et des boutonnières ainsi que comment faire le cordon lucet qui est pratique pour lacer les robes ou pour l'utiliser pour les cordons sur les pochettes.

Recherchez-les sur la page Patron et DIY ICI

Copyright & copie Rosalie Gilbert
Tous les textes et photographies de ce site sont la propriété de Rosalie Gilbert, sauf indication contraire.
Les images d'art et d'artefacts restent la propriété du propriétaire.
Les images et le texte ne peuvent être copiés et utilisés sans autorisation.


Une nouvelle préoccupation : la propreté

C'est aussi durant cette période que les gens commencent à ressentir le besoin d'hygiène. Contrairement aux idées reçues, la propreté et donc le parfum deviennent une préoccupation importante au Moyen Âge. Lors des plus grands banquets, les hôtes offrent des bols d'eau parfumée pour nettoyer les mains des invités car ils ont mangé avec les doigts. Les dames les plus riches appréciaient déjà les parfums de lavande et de fleur d'oranger. Ils cachaient des fleurs sous leurs jupons et avaient des coussins - de petits sachets contenant de la poudre parfumée - dans leur lessive.

Le bain

A cette époque, le bain est aussi un rituel que tout le monde apprécie. Elle est pratiquée à domicile par les aristocrates et se donne dans de grandes cuves en métal, en pierre ou en bois, recouvertes d'une feuille et dans lesquelles on infuse des épices. Quant aux gens, ils fréquentent les bains publics qui proposent des bains chauds et aromatisés pour une somme modique ok argent. Véritable lieu de rencontre, hommes et femmes s'agitent pour profiter d'un moment de détente. Ce moment de plaisir pouvait même se prolonger après le bain puisque des lits à baldaquin étaient à disposition des visiteurs pour se prélasser en charmante compagnie.

La fin d'un rituel

Mais à partir de 1348, les plus grands médecins de l'époque commencent à déconseiller cette pratique et surtout les bains chauds qui ouvrent les pores, laissant la porte ouverte à toutes les bactéries. The pressure of the Church, which condemned these places of depravity, added to the medical recommendations, will end up to the definitive closing of these establishments at the beginning of the Renaissance.

From left to right, the cultivation of various aromatic plants, the pomander worn by a noble and the illustration of public baths, a colorful meeting place.


Bronze and Iron Ages

The Sumerian civilisations in Mesopotamia were the first to use techniques like filigree and granulation. Excavations of the ancient city of Ur have revealed royal graves with pieces featuring these techniques from as far back as 2500BC. The Sumerian craftsmen used gold and silver in combination with precious stones like agate, lapis lazuli, and carnelian. The jewelry produced by the Sumerians consisted of sheet gold cut into earrings, complicated gold chains and necklaces and even stone-inlaid finger rings.

From Mesopotamia, the techniques spread west to present-day Turkey where excavations have revealed fine gold jewelry at Troy that has been dated to 2500-2300BC. The movement may have spread further west towards Greece and Crete as finds of lesser quality and of a slightly later date imply.

On the other side of the Mediterranean, jewellery began to play an important role by the 19th century BC in the Egyptian culture. The Egyptians developed many substitutes for precious stones. Faience and later glass beads have been found in great amounts. Precious stone simulants were invented and are here to stay.

From about 1700BC the Minoan civilisation shows to have mastered the fine techniques of filigree, granulation, and repoussé. The jewelry that has been unearthed on Crete shows strong influences from both Mesopotamia and Egypt but with its own strong design. The Minoan techniques and style jumped to mainland Greece with the city of Mycenae being the port of entry. The Mycenaean civilisation took over the Minoan decorative styles and gradually changed them into a style of their own.

Northern Europe came into it’s Bronze Age around 2000BC and a few well-made items from between 1800 and 1500BC have been excavated on the British Isles. It’s only after 1500BC that the extent of the pre-Celtic cultures’ metal jewelry becomes apparent. Tin, gold, and amber acted as natural riches that enabled the tribes living in these areas to trade with Mediterranean cultures. Rich grave gifts at several spots suggest a fairly well-developed society. Around 1100-1000BC a century of widespread disruption took place. The cultures that emerged from this century of regression, first the Urnfield culture and later The Hallstatt and La Tène cultures, had picked up on the progressive line of technical development and craftsmanship that we are reading throughout this article.

The Celts used red enamel in their jewelry from around 400BC. The technique of applying enamel dates back to the Minoan and Mycenaean times when simple encrusted enameled pieces were made. The Celtic craftsmen took enamel application to the next level though cloisonné and champlevé enameling was used to make very colourful body decorations.

The Celtic culture encompassed a wide variety of cultures living in the northern part of Europe that shared the same style and technique of their (metal) products. As a result, we see a somewhat uniform development in Celtic jewelry right up to the Roman conquest of the Celtic world in the first century BC.

From around 800BC, the Phoenician traders started to establish colonies all around the Mediterranean. They came from the eastern Mediterranean coast, the area that is now Lebanon and Israel, and influenced the jewelry making of the Greeks and Etruscans. The Phoenicians were the connecting element between the long traditions of Egypt and Mesopotamia and the ‘new’ civilisations in Greece and Italy.

Intaglios and cameos originated in ancient Greece where glyptography was perfected to an art form. The Greeks, like every other civilisation up until then, used stones that could be worked easily with the abrasives at hand and yet were hard enough to withstand the hardships of normal daily wear and tear. The most common abrasive in those times was quartz sand which was readily available and was used to polish cryptocrystalline quartz such as agate and carnelian and softer materials like lapis lazuli.

One ancient culture that has left us splendid proof of their gold working skills were the Etruscans. From the 8th century BC and on, this civilisation perfected gold working techniques that were clearly influenced by Greek culture(s). The fine detail of the Etruscan jewelry is of the highest quality and they used many colored stones. The Etruscan style was adopted by the Romans and formed the basis for Roman art and jewelry. One of the characteristics that the Romans adopted from the Etruscans was the love of precious stones in their jewelry.

The Roman Empire connected the western Asian cultures directly with the Celtic western European cultures. The excellent infrastructure provided by the Romans boosted trade enormously and triggered a vast exchange of products from east to west and vice versa. The Celts “Romanized’ quickly and took over Roman ideas of beauty. The characteristic Celtic jewelry made a place for roman techniques and styles.

After the fall of the western Roman Empire, the Great Migration of cultures put an end to the Celtic civilisations. The inlaying of colored precious stones and the revival of the old Celtic champlevé enameling makes jewelry from this period very colorful. The Eastern Roman Empire continued to exist far into the Middle Ages and developed a style of its own, influenced by the East.


Chainmail

Chainmail History
It is believed that chainmail was invented by the Celts. Chainmail history dates back to antiquity and was adopted by the Romans after they realised its potential after fighting the celts. A vatiety of materials were used to make chainmail including brass and iron but the most popular material was steel. In the 14th century, plate armor began to replace the chainmail worn by knights. However the chainmail was not completely disgarded by the Knights who continued to wear a shirt of chainmail beneath plate armor to protect the joints and the groin. Plate armor was extremely expensive and the average soldier during the Middle ages still used chainmail as their most effective form of protection. The history of chainmail shows its decline and use with the invention of the musket in 1520 and the subsequent use of gunpowder in variuos weapons.

Chainmail Armor
Chainmail armor provided protection against being cut by the opponents blade. It was effective against the sharp points and blades of the spear, axe and sword. It helped to prevent the skin being pierced stopping the fatal infections which often followed such injuries. Chainmail armor was ineffective against heavy blows from a blunt weapon. A padded, or quilted, garment known by various names such as Aketon, Arming coat, Doublet, Gambeson, Hacketon was worn in conjunction with chainmail as a form of additional defence. These garments consisted of a quilted coat which was either sewn or stuffed with linen or even grass. This served as padding for additional armour worn over the top. Shirts made of chainmail weighed up to 25 kilograms, depending on the size and the number of chainmail garments worn.

Chainmail Hauberk and other garments
The word chainmail refers to the material of the armor. Various clothes and garments were made from the chainmail material. Each piece of chainmail was fashioned specifically for whichever part of the body it was
intended to protect.

  • Chainmail Hauberk - A hauberk was a knee-length shirt made of chainmail
  • Haubergeon - A haubergion was a waist-length shirt
  • Chausses and Sabatons - Chausses and Sabatons were socks made of chain mail
  • Chainmail coif - A coif was a hood, protecting the head
  • Camail - A camail was the chain mail collar which hung from the helmet
  • Mitons - Mitons were the mittens worn to protect the hands

The Advantages of Chainmail
The advantages of using chainmail a protection during the Middle Ages were as follows:

  • It was flexible
  • Easy to Make
  • Easy and fast to repair
  • Cheap and easy to fit many men, of all sizes
  • Allowed ease of movement

Making Chainmail
Making chainmail during the Middle Ages was undertaken by the blacksmith. Making chainmail armor involved the linking of iron or steel rings, the ends of which were either pressed together, welded or riveted. The rings were formed when they were stamped out of a sheet of iron and then used in alternate rows with riveted links.

Chainmail Patterns
The demand for chainmail during the period of the Middle Ages was substantial. Each piece of mail was fashioned specifically for whichever part of the body it was intended to protect. Chainmail patterns were used for creating this type of armor, resembling a modern knitting pattern. There was a basic chainmail pattern used for each part of the body it was intended to protect. Sizing was easily accomodated by the addition of extra rings. The most common form of chainmail patterns was the "four-in-one" pattern in which each link had four others linked through it.

Chainmail
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Chainmail

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Goldsmithing & Goldsmithery (c.3000 BCE on) Techniques, History, Famous Goldsmiths


Statuette of Charlemagne
on the sceptre of Charles V
(Before 1380) Louvre, Paris.
Part of the French Crown Jewels.
Made from gold, glass beads,
pearls, rubies, gilded silver,
white enamel on gold.


Gold Chariot from the Oxus Treasure
(c.600-400 BCE) An exquisite item
of Achaemenid goldsmithing from
Ancient Persia.

Goldsmithing is the applied art of metalworking in gold. A goldsmith is essentially a metalworker whose specialty is working with precious metals like gold, silver, electrum, platinum, alloys like bronze and copper, as well as gemstones. (See also Crafts: History and Types.) Ever since the earliest civilization, goldsmiths have cast and hand-crafted gold artifacts, personal jewellery, platters, goblets, weaponry, equestrian items, as well as precious objects for ceremonial and religious purposes. Goldsmithing proved especially useful during medieval times, when goldsmiths were commissioned to adorn illuminated manuscripts with gold leaf, create gold reliquaries for holy relics and fashion numerous ecclesiastical objects out of precious metals. In addition, most countries have experienced their own "golden age" of precious metalwork, as exemplified by the wonderful Fabergé Easter Eggs made by the Russian master goldsmiths Gustav Fabergé (1814-1893) and Peter Carl Fabergé (1846-1920), during the 19th century. Other types of metalwork involves silversmiths or brightsmiths (who specialize in working with silver), coppersmiths (copper), blacksmiths (iron) and whitesmiths (so-called white metals like pewter and tin).

What are the unique properties of gold?

Gold is an extremely rare, valuable and lustrous metal. Compared to other metals it does not corrode or tarnish, it is easily melted, fused and shaped, and is highly ductile: a single ounce (28 grams) of gold can be beaten into a thin sheet measuring some 300 square feet. It is also easy to pressure-weld. Because of its value and malleability, gold was one of the first materials to attract attention. Egyptian art, in particular, as well as Aegean art were noted for their gold artifacts. Ever since Antiquity, gold items have been used as both decorative art and a source of wealth. In India, for example, gold is used universally both to decorate the body and express one's status. The skill of its goldsmiths is legendary, as exemplified by the Khudabadi Sindhi Swarankar goldsmithing community, whose outstanding artworks were showcased in London at The Great Exhibition of 1851.

What were the main techniques used by Goldsmiths?

A master goldsmith is trained in numerous types of metalworking, including the sawing, cutting, forging, melting, casting, beating, soldering, filing, engraving, embossing, enamelling and polishing of precious metals and gemstones. Traditionally, most goldsmiths either learned the craft in their father's workshop, or acquired the skills as an apprentice to a master craftsman. Many also fashioned jewellery, while a number practiced engraving as printmakers. Many of the best engravers of the 15th century, for instance, were either goldsmiths, or the sons of goldsmiths, such as Albrecht Durer and Martin Schongauer. During the late-19th century, due to the Arts and Crafts movement in England, Art Nouveau around the world and the Deutscher Werkbund in Germany, the art of jewellery-making underwent a significant revival. Today, many of the best art schools offer courses in goldsmithing, silversmithing and metalwork as a part of their fine art program.

In addition to the basic goldsmithery techniques of smelting and forging, goldsmiths learned a range of advanced techniques including niello, embossing, repoussé work, enamelling (including cloisonné, champlevé, basse taille, plique-à-jour), engraving and filagree decoration.

First used by the Egyptians, this decorative technique involves the application of Niello - a black-coloured powder, made by fusing together copper, silver, lead and sulphur - onto designs engraved on small-scale metal objects, usually made of silver. Once the engraved metal surface is coated with the Niello, heat is applied which causes the Niello to melt and run into the engraved channels. Kievan Rus craftsmen were noted for their nielli during the 10th to 13th century, some of which is preserved in the Ukrainian Museum of Historic Treasures, in Kiev. See also: Christian Art (Byzantine Era) (c.400-1200) and Russian Medieval Painting (c.950-1100). Another great exponent of Niello was the Florentine goldsmith Maso Finiguerra (1426-64). Other noteworthy nielli include Anglo-Saxon gold belt buckles and other items from the Sutton Hoo hoards and the Minden Crucifix (1070-1120, Minden cathedral, Germany).

This traditional metalworking technique is employed to create a raised or sunken design in a sheet of gold or other metal. A popular form of embossing is known as Repoussé - which involves the hammering of the reverse side of a metal sheet to create a design in low relief. Another method of embossing is known as Chasing. This works in the opposite way to repoussé: instead of hammering on the reverse side of the metal sheet to create a raised pattern on the front, chasing involves working on the front surface of the sheet to create a sunken design in the metal. Two exquisite examples of repoussé work are the Iron Age Petrie Crown (National Museum of Ireland), and the silver masterpiece known as the Gundestrup Cauldron (1st or 2nd century BCE, National Museum of Denmark, Copenhagen).

During the process of enamelling, a glass-like glaze is applied to a metal surface (or object) and then subjected to intense heat, which fuses the glaze, turning it into a beautifully coloured decorative coating. The glassy coating (known as vitreous enamel) can be made partly or wholly transparent, or completely opaque furthermore, its colour can be controlled by mixing the smelted glass with various metal oxides such as cobalt, iron, praseodymium and others. (See also: Stained Glass Art: Materials & Methods.) Enamelling has affinities with mosaics and painting, and attained its first peak in early Byzantine culture. It also flourished during medieval times, notably in Limoges (c.1200) during the era of Gothic art, and during the Italian Renaissance.

Cloisonné and plique-à-jour

The technique of cloisonné enamelling (from the French word for compartments) involves the soldering of flattened strips of metal (or gold/silver wires) onto a metal object, so as to create a number of raised compartments (cloisons) which are then filled with enamel and kiln-fired. A more advanced (and difficult) form of cloisonné is known as Plique-à-jour, in which the "compartments" are built with walls that are not firmly fixed to the metal base. The latter is then removed with a few taps, leaving a network of enamel-filled compartments, which allow much more light to shine through. Cloisonné was mastered during the early era of Byzantine art, and during the Romanesque/Gothic period. It also spread to China - Chinese cloisonné is now regarded as one of the most outstanding examples of the craft - see, for instance, the collection of 150 Chinese items at the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Mass. Nineteenth century Japanese goldsmiths also produced large amounts of this type of enamelwork, which reached a peak during the turn of the century in Russia, thanks to the House of Khlebnikov and, of course, Fabergé. Other famous examples of cloisonné enamelling in Christian art include the Irish Ardagh Chalice (8th/9th century, National Museum of Ireland) the Holy Crown of Hungary (Crown of Saint Stephen, 11th century, Hungarian Parliament building, Budapest) the Khakhuli Triptych (8th-12th century, Art Museum of Georgia in Tbilisi), a gold altarpiece, reportedly the largest enamelled work of art in the world.

This goldsmith's technique is like cloisonné, except that a low-relief pattern is created (by engraving or chasing) on the floors of the "compartments", which are then filled with translucent or transparent enamel, allowing the design to shine through it. An outstanding example of basse-taille is the French Royal Gold Cup (aka The Saint Agnes Cup) (14th century, British Museum), created by goldsmiths during the era of International Gothic art. A solid gold cup richly decorated with enamel and pearls, it is generally regarded as the foremost example of late medieval French plate.

A specific type of enamelwork - the word is French for "raised field" - champlevé enamelling involves the creation of sunken troughs in the surface of a metal object, which are then filled with vitreous enamel and fired in a kiln or oven. The technique was not fully developed until the era of Romanesque art (1000-1150). Famous examples of champlevé include: the Stavelot Triptych (c.1158), a masterpiece of Mosan art - a style of Romanesque goldsmithery made around Liege, Belgium - now in the Morgan Library & Museum, New York and the Becket Casket (1180-1190) made of gilt-copper in Limoges, France (now in the Victoria and Albert Museum, London).

Filagree/Filigree (Granulation)

This delicate technique basically involves the creation of gold and silver metalwork, using patterns of tiny gold beads or globules of gold (granulation), soldered to the surface of an object in patterns suggestive of lace. It was widely used by Italian and French goldsmiths from the mid-17th century to the late 19th century. Filagree reached an early apogee in Etruscan and Greek art (c.550-250 BCE), and - judging by the collection of Scythian jewellery in the Hermitage Museum, St Petersburg - in Steppes art around the Black Sea. In Ireland, examples of filagree goldsmithery include the Tara brooch (c.700 CE, National Museum of Ireland), a masterpiece of Celtic Jewellery art, and the Derrynaflan Chalice (NMI) - both decorated in the La Tene style of art. (See also: Celtic Metalwork art.) Other important examples of filagree gold work are in the collections of the British Museum and the V & A, in London, and the Louvre in Paris.

The term Chryselephantine art - derived from the Greek words chrysos (gold) and elephantinos (ivory) - refers to sculptures made from a combination of ivory carving and gold. Typically, a chryselephantine sculpture was built around a wooden frame, using thinly carved ivory for the flesh, and gold leaf for the armour, clothes, hair, and other details. Precious and semi-precious gemstones were used for details like eyes, jewellery, and weapons. The design of chryselephantine works was often modular to enable the gold to be removed and melted for coins in times of financial necessity. The figure of Nike clasped in the right hand of Phidias' famous statue of Athena Parthenos (c.430 BCE, Parthenon) was made out of pure gold for this very reason. The two nost famous examples of chryselephantine Greek sculpture - both made from plated ivory and gold panels during the era of Classical Greek sculpture - were sculpted by Phidias (488-431 BCE). The first was the 42-foot high statue of Athena Parthenos (c.430 BCE) in the Parthenon at Athens the other was the 36-foot high statue of Zeus (430-422 BCE) in the temple at Olympia, which was regarded as one of the Seven Wonders of the Ancient World.

What is the history of goldsmithing?

As stated above, goldwork was practiced by the earliest Middle Eastern and Mediterranean cultures that gave rise to Mesopotamian art and Mesopotamian sculpture, as well as Egyptian and later Minoan art. Even less sophisticated styles of Hittite art and Assyrian art had a tradition of gold-working. Gold mines in Egypt, Nubia and Saudi Arabia were major suppliers of the precious metal. Once established in ancient Greece and around the Black Sea, goldsmithery was spread westwards into central and western Europe by migrating tribes of Celts, whose blacksmiths were renowned for their mobile forges and metalworking skills. (See also: Hallstatt Celtic culture [c.800-450 BCE] and Celtic art [from 1,000 BCE]). At the same time, Etruscan art in Italy was becoming famous for the gold artifacts of its tombs. The Romans were also active in goldsmithing, not least because of their innovations in metallurgy: new techniques for large scale gold extraction were developed by introducing hydraulic mining methods, notably in Spain and the Balkans.

The rise of Christianity significantly boosted demand for gold items - for devotional and ecclesiastical needs - and during the Dark Ages, monasteries in Ireland, Iona and Northern England were repeatedly raided by marauding Vikings in search of gold and precious objects, used in the making of illuminated manuscripts by artist-monks. In Constantinople, centre of the Eastern Roman empire and its own style of early Christian art, goldsmiths and mosaicists became renowned for their shimmering masterpieces of gold and multi-coloured mosaic art. See, for instance, the decorative gold and copper work on the celebrated Garima Gospels (390-660) from Ethiopia - the world's most ancient illuminated gospel text. As western European culture regained its strength during the eras of Carolingian art (c.750-900) and its successor Ottonian art (c.900-1050), more goldsmiths were hired to keep up with demand. Another influential school was the Mosan school which grew up in the area around Liege and the Benedictine monastery of Stavelot. Leading members of this school included Godefroid de Claire (1100-1173) and Nicholas of Verdun (c.1156�).

The use of gold for religious and secular objects duly became a worldwide phenomenon, and goldsmiths were constantly in demand both in times of affluence (when they were commissioned to produce an ever-widening array of precious items), and during times of extreme hardship (when gold items were melted down into coin).

The Renaissance: Growing affluence and trade

The cultural revolution known as Renaissance art was underpinned by an equally important revolution in commerce and finance, stimulated by greatly increased trade in silk, spices and ceramics, that would shortly transform many palaces, churches and homes of Christian Europe. The impact was also felt on the arts and culture of the quattrocento. For example, when ordering new oil paintings, patrons began to specify the exact amounts of gold, silver, lapis lazuli and other expensive raw materials from the east to be used in the work, in order to increase its opulence and grandeur. And goldsmithery was a central and influential craft in the whole process. (See also: Colour Pigments.)

The prospect of acquiring more gold to fuel their appetite for ostentatious grandeur had a direct impact on European exploration. Portuguese colonialists headed south to Morocco, in the early 15th century, in an attempt to control the gold supply emanating from the rich gold mines of Mali. A century before, in 1324, the Mali ruler Mansa Musa (1312�) undertook his famous hajj pilgrimage to Mecca, during which he gave away so much gold that its market price in North Africa collapsed for a period of several years. The European colonialization of South America was also prompted by reports of the widespread use of gold ornaments, particularly in Central America, Peru, Ecuador and Colombia.

After the Renaissance, goldsmithery in France was twice stimulated as part of the upsurge in French decorative arts, which resulted from the building of the palaces of Fontainebleau and Versailles. The first revival - associated with the Fontainebleau School - began in the 16th century (c.1528-1610) under the patronage of Francis I (1494-1547). The second revival began in the 17th century under the patronage of King Louis XIII (reigned 1610-43). For details, see: Palace of Versailles (built c.1624-98).

Since then, gold, and the production of gold items, has become closely linked to international trade as well as the liquidity and movement of personal assets, notably in India and the Far East.

Goldsmithing has been a springboard for many different types of art: the history of painting and sculpture, for instance, is full of examples of famous artists who first trained as goldsmiths or silversmiths. They include such Renaissance luminaries as Lorenzo Ghiberti (1380-1455), the Renaissance sculptor Luca Della Robbia (1399-1482), noted for his terracotta sculpture Vecchietta (1410-80), the Sienese painter and architect Antonio del Pollaiolo (1429-98), the quattrocento sculptor Andrea del Verrocchio (1435-88), the Medici sculptor who taught Leonardo the devout Florentine Sandro Botticelli (1445-1510) the fresco painter Domenico Ghirlandaio (1449-94) the engraver Cristofano Robetta (1462�) the Paduan sculptor Andrea Riccio (1470-1532) the High Renaissance artist Andrea del Sarto (1486�), the Mannerist painter Agnolo Bronzino (1503-1572), the Florentine sculptor Benvenuto Cellini (1500-71) the German engraver and printer Johannes Gutenberg (1395-1468), the artist Albrecht Durer the Elder (1427-1502), father of the Northern Renaissance painter Albrecht Durer the French Renaissance engraver Jean Duvet (1485-1562), the Swiss Renaissance painter and printmaker Urs Graf (1485-1528), and the leading English miniaturist Nicholas Hilliard (1547-1619), to name but a few.

Special mention should be made of the great Russian master goldsmiths from the 19th century, such as Andrey Grigoriev, Ivan Gubkin, Sakerdon Skripitsyn, and Ivan Zuyev. In addition, note the "artist-jewellers" Gustav Fabergé (1814�) and Peter Carl Fabergé (1846�), creators of the exquisite "Fabergé Easter Eggs" for the Romanov Tsars. Among the many Fabergé craftsmen involved in the various goldsmithery processes - in addition to the jewellers Michael Perchin (1860-1903) and Henrik Wigstrom (1862-1923) - were Erik August Kollin (1836-1901), Feodor Ruckert (1840-1917), August Frederik Hollming (1854-1915), Johannes Zehngraf (1857-1908), Johan Victor Aarne (1863-1934), Feodor Alexeievich Afanasiev (1870-1937), Karl Gustaf Hjalmar Armfeldt (1873-1959), Oskar Woldemar Pihl (1860-97), Vassily Zuiev (1878-1941). See also: Russian Art (30,000 BCE - 1920).

Famous Gold Objects, Statues, Artifacts and Hoards

In addition to those items cited above, here is a short list of famous objects made from gold and other precious metals.

Ram in a Thicket (c.2500 BCE) British Museum, London
Sculpture in gold-leaf, copper, lapis lazuli, red limestone, from Ur. Regarded as a masterpiece of Sumerian art of the Third Millennium BCE.

Maikop Gold Bull (c.2500 BCE) Hermitage, St Petersburg
Gold Sculpture (Maikop Culpture) from North Caucasus

Vapheio Cups (c.1475 BCE) National Archeological Museum, Athens
Early Mycenean drinking cups by Minoan goldsmiths, using repoussé technique

Mask of Tutankhamun (c.1327 BCE) Egyptian Museum, Cairo
Mummy mask in gold, glass, lapis lazuli, obsidian, carnelian, quartz, faience

Prince of Marlik (c.1200 BCE) National Museum of Iran, Tehran
Gold bust made by Persian goldsmiths using repoussé technique

Oxus Gold Chariot (c.400 BCE) British Museum, London
Part of the Oxus Treasure created by Tadjikstan goldsmiths

Kul Oba Sythian Vessel (c.375 BCE) Hermitage, St Petersburg
Electrum vessel from Kerch tomb, made by Scythian goldsmiths

Broighter Hoard (Gold Torc, Boat) (c.100 BCE) National Museum of Ireland
Finest example of Celtic La Tene goldwork

Bactrian Gold Hoard (1st Century BCE)
20,600 gold ornaments from six burial mounds in Afghanistan

Bimaran Reliquary (c.50 CE) British Museum
Afghanistan gold container, decorated with rare images of Buddha

The Staffordshire Hoard (c.750) Birmingham Museum and Art Gallery
3,500-item collection of Anglo-Saxon gold and silver metalwork

Reliquary of St Faith (975) Church of Sainte Foy Monastery, Conques
Made from gold, silver, copper, pearls, cloisonné enamel

Golden Virgin (990) Essen Cathedral, Germany
Earliest surving statue of the Madonna, made from gold leaf, cloisonné enamel

Basel Cathedral Altar Front (c.1027) Musee National du Moyen Age
Made by Ottonian goldsmiths from gold, precious stones, pearls

Shrine of the Three Kings (1180-1225) Treasury of Cologne Cathedral
Created by Mosan goldsmith Nicholas of Verdun.

The Cellini Salt Cellar (1543) Kunsthistorisches Museum, Vienna
Enameled gold sculpture by Renaissance goldsmith/sculptor Benvenuto Cellini

The Golden Buddha (c.1760) Temple of Wat Traimit, Bangkok
World's largest solid gold statue worth approx $250 million

Collections of Gold Objects

Many of the world's best art museums have collections of antiquities made by goldsmiths from all over the world: see, for instance, the gold ornament rooms of the Louvre in Paris, the Hermitage Museum in St Petersburg, as well as the British Museum and the Victoria and Albert Museum in London. Note also that the British Royal family has over 250 Fabergé items in the Royal Art Collection. In America, the most extensive collections of gold artifacts are held by the Metropolitan Museum of Art, New York, the Museum of Fine Arts in Boston, the Art Institute of Chicago, the Detroit Institute of Arts, and the G.W. Vincent Smith Art Museum, Springfield, Massachusetts. Other collections of "objets d'art" are on display in specialist museums including the History Museum in Samokov, Bulgaria the Art Museum of Georgia in Tbilisi the Ukrainian Museum of Historic Treasures in Kiev National Archeological Museum, Athens the Egyptian Museum, Cairo and the Musee National du Moyen Age, Paris, to name but a few.

• For more about decorative arts and crafts, see: Visual Arts Encyclopedia.


Voir la vidéo: Archéologie expérimentale: un four à perles de verre (Juillet 2022).


Commentaires:

  1. Lancelin

    Excuse que je ne peux pas participer maintenant à la discussion - c'est très occupé. Je reviendrai - j'exprimerai nécessairement l'opinion sur cette question.

  2. Meadhra

    Absolument avec vous, c'est d'accord. Il y a aussi quelque chose pour moi, il me semble que c'est une bonne idée. Je suis d'accord avec toi.

  3. Dekel

    Votre sujet ressemble à une parabole de voyazytsya sur Internet depuis un mois maintenant. On l'appelle aussi parfois le boyan barbu. Mais en général, merci kaneshn

  4. Mikagar

    Le message autoritaire :), cognitif ...



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