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8 choses que vous ne savez peut-être pas sur "Le Magicien d'Oz"

8 choses que vous ne savez peut-être pas sur


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1. Avant d'être célèbre, Baum a travaillé comme éleveur de volailles, acteur et commis voyageur.

Baum avait 44 ans lorsque "Le merveilleux magicien d'Oz" a été publié et à ce moment-là, il s'était essayé à divers emplois. Jeune homme du nord de l'État de New York, il élevait des poulets primés, publiait une revue spécialisée sur la volaille et était acteur et dramaturge. L'une de ses pièces, "The Maid of Arran", a fait une tournée dans plusieurs villes américaines au début des années 1880, avec Baum dans un rôle principal. Cependant, à la suite de transactions louches de son comptable et d'un incendie qui a détruit un théâtre appartenant à Baum, il a mis de côté ses rêves de show-business et est allé travailler comme vendeur pour une entreprise qui fabriquait de l'huile lubrifiante. Au début des années 1890, il avait déménagé à Chicago et était employé comme vendeur itinérant pour une entreprise de verrerie. Alors qu'il était loin de chez lui, il a inventé des histoires à raconter à ses quatre fils, et lorsque sa belle-mère a entendu certaines de ces histoires, elle l'a encouragé à essayer de les publier. Le résultat fut le premier livre pour enfants de Baum, "Mother Goose in Prose", qui ne s'est pas bien vendu lors de sa sortie en 1897. Pendant ce temps, Baum s'était fatigué de la vie de voyageur de commerce et a fondé un magazine spécialisé sur la coupe des vitres (il a eu l'idée après avoir observé des vitrines mal organisées pendant son temps sur la route). En 1899, il publie son deuxième ouvrage pour enfants, « Father Goose, His Book ». Un best-seller inattendu, il a lancé sa carrière littéraire et a contribué à susciter l'intérêt pour "Oz", sur lequel il travaillait déjà.

2. L'auteur et son co-créateur « Oz » ont eu une brouille majeure.

Lorsque "The Wonderful Wizard of Oz" a fait ses débuts, il a été salué pour ses illustrations somptueuses, créées par l'artiste né à Philadelphie William Wallace Denslow. Baum et Denslow se sont rencontrés à Chicago dans les années 1890 et Denslow a fait quelques dessins pour "The Show Window", le magazine spécialisé de Baum, avant de faire équipe sur "Father Goose", le best-seller surprise de 1899. Leur projet suivant, « Oz », dont ils partageaient les droits d'auteur, est rapidement devenu un best-seller ; Cependant, la relation du couple s'est détériorée, chaque homme estimant qu'il méritait le mérite du succès du livre. Bien qu'ils aient sorti un autre livre pour enfants ensemble, "Dot and Tot of Merryland" de 1901, ils n'ont jamais collaboré à un autre livre "Oz". Après s'être affrontés au sujet des redevances d'une production musicale populaire de 1902 intitulée "Le Magicien d'Oz" (la première fois que "merveilleux" a été supprimé du titre), les hommes se sont séparés. Denslow a continué à travailler en tant qu'illustrateur (les personnages de l'épouvantail et de l'homme de fer de "Oz" sont apparus dans certaines de ses créations), mais sa carrière a finalement décliné après avoir développé un problème d'alcool. Il mourut en 1915 à New York, quatre ans avant Baum.

3. La série « Oz » a presque pris fin.

Le succès du premier livre « Oz » a conduit Baum à produire des suites, mais il s'est lassé du lieu magique qu'il avait conçu et a essayé de terminer la série avec son sixième livre, « La ville d'émeraude d'Oz », dans lequel Dorothy prend Tante Em et Oncle Henry résideront en permanence à Oz. Cependant, au moment où le livre a été publié, en 1910, son auteur était confronté à de graves problèmes financiers dus en partie à son investissement important dans "The Fairylogue and Radio-Plays", une émission itinérante coûteuse et de courte durée dans laquelle Baum racontait le silence. -des extraits de films de ses personnages célèbres, accompagnés d'un orchestre et d'acteurs de scène. Baum a déposé son bilan en 1911 et a cédé les droits cinématographiques de "Le merveilleux magicien d'Oz" pour l'aider à payer ses dettes. Toujours à la recherche d'argent, il se remet à écrire sur le pays d'Oz et « The Patchwork Girl of Oz », son septième roman de la série, fait ses débuts en 1913.

4. Baum a utilisé une série de noms de plume.

Baum (sa première initiale, « L », signifiait Lyman, un nom qu'il n'aimait pas ; en personne, il s'appelait Frank) a également produit des dizaines de livres en utilisant divers noms de plume. Parmi ces œuvres figurait une série populaire pour les adolescentes, "Tante Jane's Nieces", pour laquelle il a utilisé le nom de plume Edith van Dyne. Le 14e et dernier livre « Oz » écrit par Baum, « Glinda of Oz », a été publié en 1920, un an après sa mort. L'auteure pour enfants Ruth Plumly Thompson a été embauchée pour continuer la série et a écrit 19 autres livres "Oz".

5. Baum a défendu le droit de vote des femmes.

En 1888, à la recherche de nouvelles opportunités commerciales, Baum s'installe avec sa famille dans la ville frontière d'Aberdeen dans le territoire du Dakota. Là, il a ouvert un magasin de nouveautés appelé Baum's Bazaar; Cependant, la région a rapidement connu une grave sécheresse et l'économie locale s'est effondrée. Après que Baum eut été contraint de fermer son magasin au début de 1890, il devint propriétaire d'un journal local, l'Aberdeen Saturday Pioneer, pour lequel il écrivit des éditoriaux qui défendaient des questions telles que le suffrage des femmes. Les opinions de Baum sur le sujet ont été influencées par sa femme forte, Maud, et sa belle-mère, Matilda Gage, une dirigeante du mouvement des droits des femmes qui avait collaboré avec Elizabeth Cady Stanton et Susan B. Anthony. Baum a plaidé pour un référendum de 1890 sur le suffrage féminin dans le Dakota du Sud, qui a été admis dans l'Union en 1889, mais la mesure a été rejetée. Lorsque Baum a commencé plus tard à écrire des livres pour enfants, bon nombre de ses personnages principaux étaient des filles tenaces et autonomes. En 1920, un an après la mort de Baum, les femmes américaines ont obtenu le droit de vote lorsque le 19e amendement a été ratifié.

6. Baum a fondé un premier studio de cinéma à Hollywood.

Baum a déménagé à Hollywood en 1910, juste au moment où l'industrie cinématographique y faisait ses débuts. Il a ensuite co-fondé la Oz Film Manufacturing Company pour réaliser des films basés sur ses livres dont il détenait toujours les droits cinématographiques. Lui et ses partenaires ont construit un studio et en 1914 ont tourné une poignée de films muets, mais les productions élaborées étaient en avance sur leur temps et n'ont pas réussi à trouver un large public. L'entreprise ferme ses portes l'année suivante.
L'un des fils de Baum a co-écrit une adaptation du "Magicien d'Oz" qui est sortie sur grand écran en 1925. Le casting comprenait Oliver Hardy (qui est devenu la moitié du duo comique Laurel et Hardy) dans le rôle de Tin Man; cependant, le film a été éreinté par les critiques. Ce n'est que lors de la production de MGM en 1939 que "Oz" a connu un succès cinématographique. La veuve de Baum, Maud, a assisté à la première hollywoodienne du film au Grauman's Chinese Theatre en août.

7. Le film désormais classique n'était pas un blockbuster lors de sa première sortie.

MGM a été inspiré pour faire une adaptation au grand écran de "Le merveilleux magicien d'Oz" à la suite du succès au box-office de "Blanche-Neige et les sept nains", le premier long métrage d'animation au monde, sorti par Walt Disney en 1937. Judy Garland, 16 ans, a joué le rôle de Dorothy dans le film de 1939, qui a fait ses débuts avec des critiques plutôt favorables et a remporté six nominations aux Oscars. Il a remporté deux Oscars, pour la meilleure chanson - "Over the Rainbow" - et le meilleur score, mais a perdu la catégorie du meilleur film au profit de "Autant en emporte le vent". (Cinq réalisateurs différents ont travaillé sur "Oz", bien que le mérite en revienne à Victor Fleming, qui a également dirigé "GWTW.") La production à gros budget, qui comprenait quelque 600 acteurs et près d'un millier de costumes, a coûté 2,8 millions de dollars. Cependant, il a initialement rapporté environ 3 millions de dollars au box-office, et lorsque les coûts de distribution et autres dépenses ont été calculés, "Le Magicien d'Oz" n'a pas été considéré comme rentable. La télévision est ce qui a transformé le film en un classique américain. "Le Magicien d'Oz" a été diffusé à la télévision nationale pour la première fois en novembre 1956 et, à partir de 1959, a été diffusé une fois par an jusqu'en 1991. Regarder les projections annuelles est devenu une tradition pour de nombreuses familles.

8. Dans le livre original, les chaussons magiques de Dorothy étaient en argent.

Dorothy portait des chaussures en argent dans l'histoire de Baum, mais pour le film Technicolor, Judy Garland portait des pantoufles rouge rubis parce qu'on pensait qu'elles se démarqueraient mieux de la route de briques jaunes. Plusieurs paires de pompes désormais légendaires ont été utilisées lors de la production de 1939; après le tournage, ils ont été stockés sur le terrain de Culver City de MGM, en Californie, et ont été oubliés. Les chaussures ont été déterrées en 1970 lors des préparatifs d'une vente aux enchères de costumes et d'accessoires MGM. Quatre paires authentiques existent aujourd'hui : une paire a été vendue aux enchères et offerte au Smithsonian en 1979, tandis qu'une autre paire a été vendue aux enchères en 2000 pour 666 000 $. En 2012, l'acteur Leonardo DiCaprio était le principal bienfaiteur derrière l'achat d'une paire pour l'Academy of Motion Picture Arts & Sciences.
Egalement dans le film mais pas dans le livre original : "Toto, j'ai l'impression que nous ne sommes plus au Kansas." L'une des citations les plus célèbres associées au pays d'Oz, elle a été imaginée par le scénariste hollywoodien Noel Langley, et non par Baum.


7 choses que vous ne savez peut-être pas sur Duke Ellington

Dire que Duke Ellington (29 avril 1899 - 24 mai 1974) a eu une carrière productive et illustre serait un euphémisme majeur. Compositeur, arrangeur, pianiste et chef d'orchestre, il fut une force majeure pendant près de 50 ans (1926-1974), créant des innovations dans chaque domaine. Il a fait tout cela en continuant de tourner avec son orchestre qui, malgré des changements majeurs dans le monde de la musique, n'a jamais rompu de son vivant.

Ellington a été décrit dans de nombreux livres au fil des ans et il était un nom national au début des années 1930, mais certains aspects de sa vie et de sa carrière ne sont pas aussi connus que ses performances et ses enregistrements.


Contenu

La prière est apparue dans de nombreuses versions. Les versions de la prière de Reinhold Niebuhr étaient toujours imprimées sous la forme d'une seule phrase en prose qui présentait la prière en trois lignes de vers modifiant la version originale de l'auteur. La forme la plus connue est une version tardive, car elle inclut une référence à la grâce introuvable avant 1951 : [1]

Dieu, donne-moi la grâce d'accepter avec sérénité
les choses qui ne peuvent pas être changées,
Le courage de changer les choses
qui devrait être changé,
et la Sagesse de distinguer
l'un de l'autre.

Vivre un jour à la fois,
Profiter d'un moment à la fois,
Accepter les épreuves comme chemin vers la paix,
Prenant, comme Jésus,
Ce monde pécheur tel qu'il est,
Pas comme je l'aurais voulu,
Confiant que tu arrangeras toutes choses,
Si je m'abandonne à ta volonté,
Pour que je sois raisonnablement heureux dans cette vie,
Et suprêmement heureux avec toi pour toujours dans le prochain.

Une version (apparemment citée de mémoire) est apparue dans la colonne "Requêtes et réponses" dans La critique du livre du New York Times, 2 juillet 1950, p. 23, demandant l'auteur de la citation. Réponse dans la même rubrique du numéro du 13 août 1950, p. 19, attribue la prière à Niebuhr, la citant comme suit :

O Dieu et Père céleste,
Accorde-nous la sérénité d'esprit d'accepter ce qui ne peut être changé, le courage de changer ce qui peut être changé, et la sagesse de connaître l'un de l'autre, par Jésus-Christ notre Seigneur, Amen.

Certains programmes de récupération en douze étapes utilisent une version légèrement différente :

Dieu me donne la sérénité d'accepter les choses que je ne peux pas changer,
Courage de changer les choses que je peux,
et la Sagesse de connaître la différence. [6]

La première référence enregistrée à la prière est une entrée de journal de 1932 par Winnifred Crane Wygal, un élève et collaborateur de Reinhold Niebuhr, citant la prière et l'attribuant à Niebuhr. [1] Plusieurs versions de la prière sont ensuite apparues dans des articles de journaux au début des années 1930 écrits par, ou rapportant des discours donnés par, Wygal. [1] En 1940, Wygal a inclus la forme suivante de la prière dans un livre sur le culte, l'attribuant à Niebuhr : [7]

O Dieu, donne-nous la sérénité d'accepter ce qui ne peut pas être changé, le courage de changer ce qui peut être changé et la sagesse de connaître l'un de l'autre.

Wygal était un fonctionnaire de longue date de la YWCA et tous les premiers usages enregistrés provenaient de femmes impliquées dans des activités bénévoles ou éducatives liées à la YWCA. [1] [4] : 3

La première référence imprimée, en 1936, mentionne que lors d'un discours, une Miss Mildred Pinkerton « cite la prière », comme pour indiquer qu'elle était déjà dans une circulation connue du journaliste, ou que Pinkerton l'a relayée comme une citation, sans mentionner sa paternité. Une publication étudiante chrétienne de 1937 a attribué la prière à Niebuhr sous la forme suivante, qui correspond aux autres premières formes publiées en demandant « le courage de changer » avant de demander la sérénité :

Père, donne-nous le courage de changer ce qui doit être modifié, la sérénité d'accepter ce qui ne peut être aidé et la perspicacité de connaître l'un de l'autre.

Divers autres auteurs ont également cité Niebuhr comme la source de la prière à partir de 1937. [1] Le Conseil fédéral des églises (NCC) a inclus la prière dans un livre pour les aumôniers et les militaires de l'armée en 1944 et l'USO a fait circuler la prière (avec la permission de Niebuhr) aux soldats sur des cartes imprimées pendant la Seconde Guerre mondiale. [8] [9] En 1950, en réponse à des questions sur la provenance de la prière déjà bien connue, Niebuhr a écrit que la prière "peut avoir fait peur depuis des années, voire des siècles, mais je ne le pense pas. Je le fais honnêtement crois que je l'ai écrit moi-même." [10] [11] Il l'a confirmé en 1967. [9] Sa fille, Elisabeth Sifton, pensait que Niebuhr l'avait écrit pour la première fois en 1943, [12] : 277 tandis que la femme de Niebuhr Ursula croyait qu'il avait été écrit en 1941 ou '42 , ajoutant qu'il peut avoir été utilisé dans les prières dès 1934. [1]

La prière de la sérénité sera répertoriée sous le nom de Niebuhr dans la prochaine édition du Livre de citations de Yale, dont l'auteur Fred R. Shapiro avait d'abord soulevé des doutes, mais a ensuite contribué à confirmer la paternité de Niebuhr. [13]

Rencontres erronées Modifier

Bien que la fille de Niebuhr ait été citée une fois, suggérant que Niebuhr a d'abord écrit la prière pour le sermon de 1943 à l'église de l'Union évangélique de Heath [8], il existe des preuves documentaires convaincantes qu'il l'avait utilisé beaucoup plus tôt. [4] [1]

De nombreuses déclarations de sentiments plus ou moins similaires par d'autres auteurs ont été identifiées et il est probable que d'autres seront trouvées. La prière a également été faussement attribuée à une variété d'autres auteurs.

Véritables précurseurs Modifier

Épictète a écrit : « Faites le meilleur usage de ce qui est en votre pouvoir, et prenez le reste au fur et à mesure. Certaines choses ne dépendent que de nous [eph' hêmin] et certaines ne dépendent pas de nous. et nos impulsions, nos désirs, nos aversions, bref, tout ce que nous faisons.Nos corps ne dépendent pas de nous, ni nos possessions, nos réputations, nos charges publiques, ou, c'est-à-dire tout ce qui ne nous appartient pas. " [14]

Le savant bouddhiste indien du VIIIe siècle Shantidéva de l'ancienne université de Nalanda a suggéré : [15]

S'il y a un remède en cas de problème,
Quelle est la raison de l'abattement ?
Et s'il n'y a pas d'aide pour cela,
A quoi ça sert d'être maussade ?

Le philosophe juif du XIe siècle Salomon ibn Gabirol a écrit : [16]

Et ils ont dit : À la tête de toute compréhension, il y a la réalisation de ce qui est et ce qui ne peut pas être, et la consolation de ce qui n'est pas en notre pouvoir de changer.

Le philosophe W.W. Bartley juxtapose sans commentaire la prière de Niebuhr avec une comptine de Mother Goose (1695) exprimant un sentiment similaire : [17]

Pour chaque mal sous le soleil
Il y a un remède, ou il n'y en a pas
S'il y en a un, essaie de le trouver
S'il n'y en a pas, peu importe.

Friedrich Schiller a préconisé la première partie en 1801 : « Béni soit celui qui a appris à supporter ce qu'il ne peut pas changer, et à abandonner avec dignité ce qu'il ne peut pas sauver. [18]

Attributions fallacieuses Modifier

Theodor Wilhelm, professeur d'éducation à l'Université de Kiel, a publié une version allemande de la prière sous le pseudonyme de "Friedrich Oetinger". [21] La version plagiée de Wilhelm de la prière est devenue populaire en Allemagne de l'Ouest, où elle a été largement mais faussement attribuée au philosophe du XVIIIe siècle Friedrich Christoph Oetinger. [12] : 343

La prière est devenue plus largement connue après avoir été portée à l'attention des Alcooliques anonymes en 1941 par un des premiers membres, [22] qui l'a trouvée dans une légende dans une « routine New York Herald Tribune nécrologie". "Jamais nous n'avions vu autant d'AA en si peu de mots », a noté Wilson. [23] Dans son édition de janvier 1950, Grapevine, Le Journal International des Alcooliques Anonymes, a identifié Niebuhr comme l'auteur (p. 6-7), tout comme le site Web des AA. [11]

Le texte original de cette prière adaptée était :

Père, donne-nous le courage de changer ce qui doit être changé,
la sérénité d'accepter ce qui ne peut être aidé,
et la perspicacité de connaître l'un de l'autre.

Une version légèrement différente de la prière a été largement adoptée par les groupes en douze étapes :

Dieu nous accorde la sérénité d'accepter les choses que nous ne pouvons pas changer,
le courage de changer les choses que nous pouvons,
et la sagesse de connaître la différence. [24]

Dans la bande dessinée humoristique de Bill Watterson Calvin et Hobbes, Calvin dit :

Savez-vous pourquoi je prie ? La force de changer ce que je peux, l'incapacité d'accepter ce que je ne peux pas, et l'incapacité de faire la différence. [25]


2. Abraham s'est moqué de Dieu et sa femme Sarah aussi… et Dieu les a entendus.

Abraham et Sarah ont tous deux ri quand Dieu leur a dit qu'ils auraient un enfant dans leur vieillesse (Genèse 17:17 18:10-12). Leur rire devant le plan de Dieu montrait leur incrédulité qu'il puisse faire ce qu'il avait dit qu'il ferait.

Alors le SEIGNEUR dit à Abraham : « Pourquoi Sara a-t-elle ri et dit : « Vais-je vraiment avoir un enfant, maintenant que je suis vieux ? » Est-ce que quelque chose est trop dur pour le SEIGNEUR ? Je reviendrai vers toi à l'heure fixée l'année prochaine et Sarah aura un fils.’ Sarah avait peur, alors elle a menti et a dit : ‘Je n'ai pas ri.’ Mais il a dit : ‘Oui, tu as ri.’” Genèse 18:13-15

Avez-vous déjà ri de Dieu ? Cela semble être une notion si blasphématoire, mais nous le faisons probablement plus souvent que nous le pensons. Aller prier avec cet étranger là-bas ? Je pense que je vais d'abord essayer de hocher la tête et de sourire. Raconter mon témoignage devant un grand groupe, peut-être le mois prochain quand je ne suis pas aussi fatigué. Vous voulez que j'aie de la grâce avec mon mari/enfant/membre de la famille/ami après qu'ils aient fait/disent cela pour la 19ème fois ?

Que nous rions à haute voix ou dans nos cœurs, Dieu nous entend toujours. L'Éternel a promis à Abraham un fils par l'intermédiaire de sa femme Sarah, et malgré leur incrédulité, Dieu n'a pas rompu sa promesse.Les gens sont libres de croire ou de ne pas croire, mais les plans de Dieu ne changent jamais.


Contenu

L'histoire de L. Frank Baum a été publiée par George M. Hill Company. La première édition a été tirée à 10 000 exemplaires et a été vendue avant la date de publication du 1er septembre 1900. Le 17 mai 1900, le premier exemplaire est sorti de la presse Baum l'a assemblé à la main et l'a présenté à sa sœur, Mary Louise Baum Brewster. Le public l'a vu pour la première fois lors d'un salon du livre à la Palmer House à Chicago, du 5 au 20 juillet. Son droit d'auteur a été enregistré le 1er août, distribution complète suivie en septembre. [2] En octobre 1900, il était déjà épuisé et la deuxième édition de 15 000 exemplaires était presque épuisée. [3]

Dans une lettre à son frère Harry, Baum a écrit que l'éditeur du livre, George M. Hill, avait prédit une vente d'environ 250 000 exemplaires. Malgré cette conjecture favorable, Hill n'avait pas initialement prédit que le livre aurait un succès phénoménal. Il a accepté de publier le livre uniquement lorsque le directeur du Chicago Grand Opera House, Fred R. Hamlin, s'est engagé à en faire une pièce de théâtre musicale pour faire connaître le roman. Le jeu Le magicien d'Oz a fait ses débuts le 16 juin 1902. Il a été révisé pour s'adapter aux préférences des adultes et a été conçu comme une « extravagance musicale », avec des costumes inspirés des dessins de Denslow. La maison d'édition de Hill a fait faillite en 1901, alors Baum et Denslow ont accepté que la société Bobbs-Merrill, basée à Indianapolis, reprenne la publication du roman. [4]

Le fils de Baum, Harry Neal, a dit au Tribune de Chicago en 1944 que Baum racontait à ses enfants « des histoires fantaisistes avant qu'elles ne deviennent un matériau pour ses livres ». Harry a appelé son père "l'homme le plus brillant que je connaisse", un homme qui a pu donner une raison décente pour laquelle des oiseaux noirs cuits dans une tarte pouvaient ensuite sortir et chanter. [5]

En 1938, plus d'un million d'exemplaires du livre avaient été imprimés. [6] En 1956, les ventes étaient passées à trois millions d'exemplaires.

Baum a dédié le livre "à ma bonne amie et camarade, ma femme", Maud Gage Baum.

Dorothy est une jeune fille qui vit avec sa tante Em, son oncle Henry, et son chien, Toto, dans une ferme de la prairie du Kansas. Un jour, elle et Toto sont pris dans un cyclone qui les dépose, eux et la ferme, dans le pays de Munchkin, dans le pays magique d'Oz. La maison qui s'effondre a tué la méchante sorcière de l'Est, le méchant souverain des Munchkins. La Bonne Sorcière du Nord arrive avec trois Munchkins reconnaissants et donne à Dorothy les chaussures magiques en argent qui appartenaient autrefois à la Méchante Sorcière. La bonne sorcière dit à Dorothy que la seule façon pour elle de rentrer chez elle est de suivre la route de briques jaunes jusqu'à la ville d'émeraude et de demander au grand et puissant magicien d'Oz de l'aider. Alors que Dorothy se lance dans son voyage, la Bonne Sorcière du Nord l'embrasse sur le front, lui offrant une protection magique contre le mal.

En descendant la route de briques jaunes, Dorothy assiste à un banquet organisé par un Munchkin nommé Boq. Le lendemain, elle libère un épouvantail du poteau auquel il est suspendu, applique de l'huile d'une canette sur les joints rouillés d'un bûcheron et rencontre un lion lâche. L'Épouvantail veut un cerveau, le Tin Woodman veut un cœur et le Lion veut du courage, alors Dorothy les encourage à voyager avec elle et Toto jusqu'à la Cité Émeraude pour demander l'aide du Sorcier. Après plusieurs aventures, les voyageurs arrivent à la cité d'émeraude et rencontrent le gardien des portes, qui leur demande de porter des lunettes teintées de vert pour éviter que leurs yeux ne soient aveuglés par l'éclat de la ville. Chacun est appelé pour voir le Magicien. Il apparaît à Dorothy comme une tête géante, à l'Épouvantail comme une charmante dame, au Tin Woodman comme une bête terrible et au Lion comme une boule de feu. Il accepte de tous les aider s'ils tuent la méchante sorcière de l'Ouest, qui règne sur Winkie Country. Le Gardien les avertit que personne n'a jamais réussi à vaincre la sorcière.

La Méchante Sorcière de l'Ouest voit les voyageurs s'approcher avec son seul œil télescopique. Elle envoie une meute de loups pour les mettre en pièces, mais le Tin Woodman les tue avec sa hache. Elle envoie une volée de corbeaux sauvages pour leur picorer les yeux, mais l'épouvantail les tue en leur tordant le cou. Elle invoque un essaim d'abeilles noires pour les piquer, mais elles sont tuées en essayant de piquer le Tin Woodman tandis que la paille de l'épouvantail cache les autres. Elle envoie une douzaine de ses esclaves Winkie les attaquer, mais le Lion tient bon pour les repousser. Enfin, elle utilise le pouvoir de sa casquette dorée pour envoyer les singes ailés capturer Dorothy, Toto et le lion, dépouiller l'épouvantail et bosseler le Tin Woodman. Dorothy est forcée de devenir l'esclave personnelle de la sorcière, tandis que la sorcière envisage de voler ses chaussures d'argent.

La sorcière réussit à faire sortir Dorothy d'une de ses chaussures en argent. En colère, elle jette un seau d'eau sur la sorcière et est choquée de la voir fondre. Les Winkies se réjouissent d'être libérés de sa tyrannie et aident à reconstituer l'épouvantail et à réparer le Tin Woodman. Ils demandent au Tin Woodman de devenir leur souverain, ce qu'il accepte de faire après avoir aidé Dorothy à retourner au Kansas. Dorothy trouve le chapeau d'or de la sorcière et invoque les singes ailés pour la ramener, elle et ses amis, dans la cité d'émeraude. Le roi des singes ailés raconte comment lui et sa bande sont liés par un enchantement à la casquette par la sorcière Gayelette du Nord, et que Dorothy peut l'utiliser pour les invoquer deux fois de plus.

Lorsque Dorothy et ses amis rencontrent à nouveau le sorcier, Toto renverse un écran dans un coin de la salle du trône qui révèle le sorcier, qui explique tristement qu'il est un farceur - un vieil homme ordinaire qui, par une montgolfière, est venu à Oz il y a longtemps d'Omaha. Il fournit à l'épouvantail une tête pleine de son, d'épingles et d'aiguilles ("beaucoup de cerveaux neufs"), à l'étain Woodman un cœur en soie bourré de sciure de bois et au lion une potion de "courage". Leur foi en son pouvoir donne à ces objets un centre d'intérêt pour leurs désirs. Il décide de ramener Dorothy et Toto chez eux puis de retourner à Omaha dans son ballon. Lors du départ, il nomme l'épouvantail pour régner à sa place, ce qu'il accepte de faire après avoir aidé Dorothy à retourner au Kansas. Toto poursuit un chaton dans la foule et Dorothy le poursuit, mais les cordes qui retiennent le ballon se brisent et le sorcier s'envole.

Dorothy invoque les singes ailés et leur dit de la ramener à la maison avec Toto, mais ils expliquent qu'ils ne peuvent pas traverser le désert qui entoure Oz. Le soldat aux moustaches vertes informe Dorothy que Glinda, la bonne sorcière du sud, pourrait peut-être l'aider à rentrer chez elle, alors les voyageurs commencent leur voyage pour voir le château de Glinda à Quadling Country. En chemin, le Lion tue une araignée géante qui terrorise les animaux dans une forêt. Ils lui demandent de devenir leur roi, ce qu'il accepte de faire après avoir aidé Dorothy à retourner au Kansas. Dorothy invoque une troisième fois les singes ailés pour les faire voler au-dessus d'une colline jusqu'au château de Glinda. Glinda les salue et révèle que les chaussures argentées de Dorothy peuvent l'emmener partout où elle souhaite aller. Elle embrasse ses amis, qui seront tous renvoyés dans leurs nouveaux royaumes grâce aux trois utilisations du Golden Cap par Glinda : l'épouvantail à la ville d'émeraude, le Tin Woodman à Winkie Country et le lion à la forêt, après quoi la casquette sera donné au roi des singes ailés, le libérant ainsi que sa bande. Dorothy prend Toto dans ses bras, frappe ses talons trois fois et souhaite rentrer chez elle. Instantanément, elle commence à tourbillonner dans les airs et à rouler sur l'herbe de la prairie du Kansas, jusqu'à la ferme, bien que les chaussures argentées tombent de ses pieds en route et se perdent dans le désert mortel. Elle court vers tante Em en lui disant "Je suis tellement contente d'être à nouveau à la maison!"

Le livre a été illustré par l'ami et collaborateur de Baum, W. W. Denslow, qui détenait également les droits d'auteur. Le design était somptueux pour l'époque, avec des illustrations sur de nombreuses pages, des arrière-plans de différentes couleurs et plusieurs illustrations de planches en couleurs. [7] En septembre 1900, Le Grand Rapids Herald a écrit que les illustrations de Denslow sont « autant de l'histoire que dans l'écriture ». L'éditorial était d'avis que sans les images de Denslow, les lecteurs seraient incapables d'imaginer avec précision les personnages de Dorothy, Toto et les autres personnages. [8]

Le look distinctif a conduit à des imitateurs à l'époque, notamment Eva Katherine Gibson Zauberlinda, la sorcière sage, qui imitait à la fois la typographie et la conception d'illustrations de once. [9] La police de caractères était le Monotype Old Style nouvellement conçu. Les illustrations de Denslow étaient si bien connues que les marchands de nombreux produits ont obtenu la permission de les utiliser pour promouvoir leurs produits. Les formes de l'épouvantail, de l'étain Woodman, du lion lâche, du sorcier et de Dorothy ont été transformées en sculptures en caoutchouc et en métal. Des bijoux de fantaisie, des jouets mécaniques et du savon ont également été conçus à partir de leurs personnages. [dix]

Une nouvelle édition du livre est parue en 1944, avec des illustrations d'Evelyn Copelman. [11] Bien qu'on ait prétendu que les nouvelles illustrations étaient basées sur les originaux de Denslow, elles ressemblent plus étroitement aux caractères comme on le voit dans la célèbre version cinématographique de 1939 du livre de Baum. [12]

Baum a reconnu l'influence des frères Grimm et Hans Christian Andersen, qu'il révisait délibérément dans ses « contes de fées américains » pour inclure la merveille sans les horreurs. [13]

Dorothée Modifier

Jocelyn Burdick, ancienne sénatrice démocrate américaine du Dakota du Nord et fille de la nièce de Baum, Magdalenda (Carpenter) Birch, a rapporté que sa mère était probablement l'inspiration pour Dorothy.

Baum a passé "un temps considérable à la ferme Сarpenter [. ] et est devenu très attaché à Magdalena." Burdick a signalé de nombreuses similitudes entre la ferme de sa mère et la ferme de l'oncle Henry et de la tante Em. [14]

Une autre histoire, qui est mieux documentée, est que le personnage a été nommé d'après la nièce de Baum, qui s'appelait également Dorothy. Elle est décédée à Bloomington, dans l'Illinois, à l'âge de 5 mois. Elle est enterrée au cimetière Evergreen (Bloomington, Illinois). Sa pierre tombale a une statue du personnage Dorothy placée à côté d'elle. [15]

Le Pays d'Oz et d'autres lieux Modifier

La légende locale raconte qu'Oz, également connue sous le nom de ville d'émeraude, a été inspirée par un important bâtiment ressemblant à un château dans la communauté de Castle Park près de Holland, dans le Michigan, où Baum a vécu pendant l'été. La route de briques jaunes était dérivée d'une route pavée à l'époque de briques jaunes, située à Peekskill, New York, où Baum a fréquenté l'Académie militaire de Peekskill. Les érudits de Baum se réfèrent souvent à l'Exposition universelle de Chicago de 1893 (la « ville blanche ») comme source d'inspiration pour la ville d'émeraude. D'autres légendes suggèrent que l'inspiration est venue de l'hôtel Del Coronado près de San Diego, en Californie. Baum était un invité fréquent à l'hôtel et y avait écrit plusieurs des livres d'Oz. [16] Dans une interview de 1903 avec L'hebdomadaire des éditeurs, [17] Baum a dit que le nom "OZ" est venu de son classeur étiqueté "O-Z". [18]

Certains critiques ont suggéré que Baum pourrait avoir été inspiré par l'Australie, un pays relativement nouveau au moment de la publication originale du livre. L'Australie est souvent orthographiée familièrement ou appelée "Oz". De plus, dans Ozma d'Oz (1907), Dorothy retourne à Oz à la suite d'une tempête en mer alors qu'elle et Oncle Henry voyagent en bateau vers l'Australie. Comme l'Australie, Oz est une île-continent quelque part à l'ouest de la Californie avec des régions habitées bordant un grand désert. On pourrait imaginer que Baum voulait qu'Oz soit l'Australie, ou peut-être une terre magique au centre du grand désert australien. [19]

Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles Éditer

Une autre influence réside dans Lewis Carroll Les aventures d'Alice au Pays des Merveilles. Une revue de septembre 1900 dans le Grand Rapids Herald appelé Le merveilleux magicien d'Oz un "véritable Alice au pays des merveilles mis au niveau actuel de la littérature juvénile". [8] Baum a trouvé les intrigues de Carroll incohérentes, mais il a identifié la source de popularité des livres comme étant Alice elle-même, une enfant avec laquelle les enfants lecteurs pouvaient s'identifier, cela a influencé son choix d'un protagoniste [13] Baum a également été influencé par la conviction de Carroll que les livres pour enfants devraient avoir beaucoup d'images et être agréables à lire. Carroll a rejeté l'idéologie de l'ère victorienne selon laquelle les livres pour enfants devraient être saturés de morale, croyant plutôt que les enfants devraient être autorisés à être des enfants S'appuyant sur le style de Carroll de nombreuses images accompagnant le texte, Baum a combiné les caractéristiques conventionnelles d'un conte de fées (sorcières et sorciers) avec les choses bien connues dans la vie de ses lecteurs (épouvantails et champs de maïs).[20]

Histoire fantastique américaine Modifier

Le merveilleux magicien d'Oz est considéré par certains comme le premier conte de fées américain en raison de ses références à des lieux américains clairs tels que le Kansas et Omaha. Baum a convenu avec des auteurs tels que Carroll que la littérature fantastique était importante pour les enfants, ainsi que de nombreuses illustrations, mais il souhaitait également créer une histoire contenant des éléments américains reconnaissables, tels que l'agriculture et l'industrialisation. [21] Bien que ce sentiment soit digne, il néglige plusieurs contes de fées américains écrits par Washington Irving sur la région des Catskills de l'État de New York. Des histoires telles que « Rip Van Winkle », publiée en 1819, et « The Legend of Sleepy Hollow », publiée en 1820, sont antérieures aux contes d'Oz de plusieurs décennies.

La vie personnelle de Baum Modifier

De nombreux personnages, accessoires et idées du roman ont été tirés des expériences de Baum. Enfant, Baum faisait souvent des cauchemars d'un épouvantail le poursuivant à travers un champ. Quelques instants avant que les "doigts de foin déchiquetés" de l'épouvantail n'agrippent presque son cou, celui-ci s'effondrerait sous ses yeux. Des décennies plus tard, à l'âge adulte, Baum a intégré son bourreau dans le roman sous le nom d'Épouvantail. [22] Selon son fils Harry, le Tin Woodman est né de l'attirance de Baum pour les vitrines. Il souhaitait créer quelque chose de captivant pour les vitrines, alors il a utilisé un assortiment éclectique de restes pour créer une silhouette saisissante. D'une chaudière à laver il a fait un corps, de tuyaux de poêle boulonnés il a fait des bras et des jambes, et du fond d'une casserole il a fait une grimace. Baum a ensuite placé un chapeau d'entonnoir sur la figure, qui est finalement devenu le Tin Woodman. [23] John D. Rockefeller était l'ennemi juré du père de Baum, un baron du pétrole qui a refusé d'acheter des actions de Standard Oil en échange de la vente de sa propre raffinerie de pétrole. L'érudit Baum Evan I. Schwartz a postulé que Rockefeller a inspiré l'un des nombreux visages du sorcier. Dans une scène du roman, le sorcier est vu comme une « tête glabre et tyrannique ». Lorsque Rockefeller avait 54 ans, son état de santé, l'alopécie, lui a fait perdre chaque mèche de cheveux sur la tête, ce qui a fait craindre aux gens de lui parler. [24]

Au début des années 1880, la pièce de Baum Allumettes était en cours lorsqu'un « scintillement d'une lanterne à pétrole a déclenché les chevrons », provoquant la consumation de l'opéra Baum par les flammes. L'érudit Evan I. Schwartz a suggéré que cela aurait pu inspirer la terreur la plus grave de l'Épouvantail : « Il n'y a qu'une chose au monde dont j'ai peur. Une allumette allumée. [25]

En 1890, Baum vivait à Aberdeen, dans le Dakota du Sud, en proie à une sécheresse, et il écrivit une histoire pleine d'esprit dans sa rubrique « Our Landlady » dans Aberdeen's Le pionnier du samedi [26] à propos d'un fermier qui a donné des lunettes vertes à ses chevaux, leur faisant croire que les copeaux de bois qu'ils mangeaient étaient des morceaux d'herbe. De même, le sorcier a obligé les habitants de la ville d'émeraude à porter des lunettes vertes afin qu'ils croient que leur ville a été construite à partir d'émeraudes. [27]

Pendant le court séjour de Baum à Aberdeen, la diffusion de mythes sur l'abondance de l'Occident s'est poursuivie. Cependant, l'Occident, au lieu d'être un pays des merveilles, s'est transformé en désert à cause d'une sécheresse et d'une dépression. En 1891, Baum a déménagé sa famille du Dakota du Sud à Chicago. À cette époque, Chicago se préparait pour l'Exposition universelle de 1893. La chercheuse Laura Barrett a déclaré que Chicago était « considérablement plus proche d'Oz que du Kansas ». Après avoir découvert que les mythes sur les richesses incalculables de l'Occident étaient sans fondement, Baum a créé « une extension de la frontière américaine à Oz ». À bien des égards, la création de Baum est similaire à la frontière actuelle, à l'exception du fait que l'Occident était encore sous-développé à l'époque. Les rencontres Munchkins Dorothy au début du roman représentent des agriculteurs, tout comme les Winkies qu'elle rencontre plus tard. [28]

L'épouse de Baum rendait souvent visite à sa nièce, Dorothy Louise Gage. L'enfant tomba gravement malade et mourut le 11 novembre 1898, d'une « congestion du cerveau » à exactement cinq mois. Lorsque le bébé, que Maud adorait comme la fille qu'elle n'avait jamais eue, mourut, elle était dévastée et avait besoin de consommer des médicaments. [29] Pour apaiser sa détresse, Frank a fait son protagoniste de Le merveilleux magicien d'Oz une femelle nommée Dorothée. [30] Oncle Henry a été modelé d'après Henry Gage, le père de sa femme Maud. Encadré par sa femme Mathilde, Henry était rarement en désaccord avec elle. Il prospérait dans les affaires, cependant, et ses voisins l'admiraient. De même, l'oncle Henry était un « homme passif mais travailleur » qui « avait l'air sévère et solennel, et parlait rarement ». [31] Les sorcières du roman ont été influencées par les recherches sur la chasse aux sorcières recueillies par la belle-mère de Baum, Matilda. Les histoires d'actes barbares contre des sorcières accusées ont effrayé Baum. Deux événements clés du roman impliquent des sorcières méchantes qui rencontrent toutes deux leur mort par des moyens métaphoriques. [32]

Baum a occupé différents emplois, a beaucoup déménagé et a été exposé à de nombreuses personnes, de sorte que l'inspiration pour l'histoire aurait pu être tirée de nombreux aspects différents de sa vie. [33] Dans l'introduction de l'histoire, Baum écrit qu'"il aspire à être un conte de fées modernisé, dans lequel l'émerveillement et la joie sont conservés et les douleurs cardiaques et les cauchemars sont laissés de côté". [34] C'est une des explications qu'il donne de l'inspiration pour Le merveilleux magicien d'Oz. Baum, un ancien vendeur de porcelaine, a écrit au chapitre 20 sur la Chine qui avait pris vie. [27]

Influence de Denslow Modifier

L'illustrateur original du roman, W. W. Denslow, pourrait également avoir influencé l'histoire et la façon dont elle a été interprétée. Baum et Denslow ont eu une relation de travail étroite et ont travaillé ensemble pour créer la présentation de l'histoire à travers les images et le texte. La couleur est un élément important de l'histoire et est présente tout au long des images, chaque chapitre ayant une représentation de couleur différente. Denslow a également ajouté des caractéristiques à ses dessins que Baum n'a jamais décrites. Par exemple, Denslow a dessiné une maison et les portes de la ville d'émeraude avec des visages dessus. Dans les derniers livres d'Oz, John R.Neill, qui a illustré toutes les suites, a continué à inclure ces visages sur les portes. [35] Un autre aspect est le chapeau entonnoir de Tin Woodman, qui n'est mentionné dans le texte que dans des livres ultérieurs, mais apparaît dans l'interprétation du personnage par la plupart des artistes, y compris les productions théâtrales et cinématographiques de 1902-1909, 1908, 1910, 1914, 1925, 1931, 1933, 1939, 1982, 1985, 1988, 1992 et autres. L'un des premiers illustrateurs à ne pas inclure de chapeau à entonnoir était Russell H. Schulz dans l'édition Whitman Publishing de 1957. Schulz l'a représenté portant un pot sur la tête. Les illustrations de Libico Maraja, qui sont apparues pour la première fois dans une édition italienne de 1957 et sont également apparues dans des éditions en anglais et dans d'autres éditions, sont bien connues pour le représenter tête nue.

Allusions à l'Amérique du XIXe siècle Modifier

Baum n'a offert aucune preuve concluante qu'il voulait que son roman soit une allégorie politique, et pendant 60 ans après la publication du livre, "pratiquement personne" n'a eu une telle interprétation. Puis, dans un 1964 Trimestriel américain article intitulé « Le Magicien d'Oz : Parabole sur le populisme », [36] le professeur américain Henry Littlefield a postulé que le livre contenait une allégorie du débat sur le bimétallisme de la fin du XIXe siècle concernant la politique monétaire. [37] [38] La thèse de Littlefield a obtenu un certain soutien, mais a été vigoureusement attaquée par d'autres. [39] [40] [41] "The Winning of the Midwest" par Richard Jensen a théorisé que "Oz" était dérivé de l'abréviation commune pour "once", utilisée pour désigner des quantités d'or et d'argent. [42]

Le merveilleux magicien d'Oz est devenu une partie établie de plusieurs cultures, s'étendant de son jeune lectorat américain à sa notoriété dans le monde entier. Il a été traduit ou adapté dans plus de cinquante langues, parfois modifié dans des variantes locales. Par exemple, dans certaines éditions indiennes abrégées, le Tin Woodman a été remplacé par un cheval. [43] En Russie, une traduction d'Alexander Melentyevich Volkov a produit six livres, Le magicien de la ville d'émeraude série, qui s'est progressivement éloignée de la version Baum, alors qu'Ellie et son chien Totoshka parcourent le Magic Land. L'adaptation cinématographique de 1939 est devenue un classique de la culture populaire, diffusée chaque année à la télévision américaine de 1959 à 1998, puis plusieurs fois par an à partir de 1999. [44] En 1974, l'histoire a été réinterprétée sous le nom de "The Wiz". , une comédie musicale primée aux Tony Awards mettant en vedette une distribution entièrement noire et se déroulant dans le contexte de la culture afro-américaine moderne. [45] [46] Cette comédie musicale a été adaptée en 1978 en tant que long métrage, The Wiz (Film), un fantasme d'aventure musicale produit par Universal Pictures et Motown Productions.

Plusieurs traductions hébraïques ont été publiées en Israël. Comme établi dans la première traduction et conservé dans les suivantes, la Pays d'Oz a été rendu en hébreu par Eretz Ouz (ארץ עוץ)—c'est-à-dire le même que le nom hébreu original de la Bible Terre d'Uz, patrie de Job. Ainsi, pour les lecteurs hébreux, ce choix des traducteurs a ajouté une couche de connotations bibliques absentes de l'original anglais. [ citation requise ]

Le New York Times, 8 septembre 1900 [47]

Le merveilleux magicien d'Oz a reçu des critiques positives lors de sa sortie. Dans une revue de septembre 1900, Le New York Times a fait l'éloge du roman, écrivant qu'il plairait aux enfants lecteurs et aux plus jeunes qui ne savaient pas encore lire. La critique a également loué les illustrations pour être un complément agréable au texte. [47]

Au cours des 50 premières années après Le merveilleux magicien d'Oz ' s publié en 1900, il a reçu peu d'analyses critiques de la part des spécialistes de la littérature pour enfants. Selon Ruth Berman de Études de science-fiction, les listes de lectures suggérées publiées pour les jeunes lecteurs n'ont jamais contenu l'œuvre de Baum. Le manque d'intérêt découlait des réticences des érudits à l'égard de la fantaisie, ainsi que de leur conviction que les longues séries avaient peu de mérite littéraire. [48]

Il a souvent fait l'objet de critiques au fil des ans. En 1957, le directeur des bibliothèques de Détroit interdit Le merveilleux magicien d'Oz pour n'avoir « aucune valeur » pour les enfants d'aujourd'hui, pour soutenir le « négativisme » et pour amener l'esprit des enfants à un «niveau lâche». Le professeur Russel B. Nye de l'Université d'État du Michigan a rétorqué que « si le message des livres d'Oz - l'amour, la gentillesse et le désintéressement rendent le monde meilleur - semble sans valeur aujourd'hui », alors peut-être que le moment est venu de « réévaluer [ ing] bien d'autres choses en plus de la liste approuvée de livres pour enfants de la bibliothèque de Détroit". [49]

En 1986, sept familles chrétiennes fondamentalistes du Tennessee se sont opposées à l'inclusion du roman dans le programme des écoles publiques et ont déposé une plainte. [50] [51] Ils ont basé leur opposition au roman sur sa représentation de sorcières bienveillantes et la promotion de la croyance que les attributs humains intégraux étaient "développés individuellement plutôt que Dieu donné". [51] Un parent a dit : « Je ne veux pas que mes enfants soient séduits par le surnaturalisme impie ». [52] D'autres raisons comprenaient l'enseignement du roman que les femelles sont égales aux mâles et que les animaux sont personnifiés et peuvent parler. Le juge a statué que lorsque le roman était discuté en classe, les parents étaient autorisés à faire quitter la salle de classe à leurs enfants. [50]

Leonard Everett Fisher de Le magazine du livre de corne a écrit en 2000 que once a « un message intemporel d'une époque moins complexe, et il continue de résonner ». Le défi de se valoriser lors d'une adversité imminente n'a pas, a noté Fisher, diminué au cours des 100 années précédentes. [53]

Dans une revue de 2002, Bill Delaney de Presse de Salem a félicité Baum pour avoir donné aux enfants l'opportunité de découvrir la magie dans les choses banales de leur vie quotidienne. Il a en outre félicité Baum pour avoir appris à « des millions d'enfants à aimer la lecture pendant leurs années de formation cruciales ». [20]

La Bibliothèque du Congrès a déclaré Le merveilleux magicien d'Oz être "le plus grand et le plus aimé des contes de fées d'Amérique", le nommant également le premier fantastique américain pour enfants et l'un des livres pour enfants les plus lus. [54]

Après la faillite de George M. Hill en 1902, le droit d'auteur du livre est passé à la Bowen-Merrill Company d'Indianapolis, qui a publié la plupart des autres livres de Baum de 1901 à 1903 (Père Goose, son livre (réimpression), Le monarque magique de Mo (réimpression), Contes de fées américains (réimpression), Point et Tot de Merryland (réimpression), La clé maîtresse, L'alphabet de l'armée, L'alphabet de la marine, La vie et les aventures du Père Noël, L'île enchantée d'If, Les chansons du père Goose) initialement sous le titre Le nouveau magicien d'Oz. Le mot « Nouveau » a rapidement été supprimé dans les impressions suivantes, laissant le titre abrégé désormais familier, « Le magicien d'Oz », et quelques modifications textuelles mineures ont été ajoutées, telles que « daises jaunes » et le changement d'un titre de chapitre de « » Le sauvetage" à "Comment les quatre ont été réunis". Les éditions qu'ils ont publiées manquaient de la plupart des couleurs dans le texte et des planches en couleurs de l'original. De nombreuses mesures de réduction des coûts ont été mises en œuvre, notamment la suppression d'une partie de l'impression couleur sans la remplacer par du noir, n'imprimant rien plutôt que la barbe du soldat aux moustaches vertes. Lorsque Baum a déposé son bilan après sa production cinématographique et théâtrale à succès critique et populaire Le Fairylogue et les pièces radiophoniques n'a pas réussi à récupérer ses coûts de production, Baum a perdu les droits de tous les livres publiés par ce qui s'appelait maintenant Bobbs-Merrill, et ils ont été licenciés à la société MA Donahue, qui les a imprimés dans des éditions "papier buvard" nettement moins chères avec de la publicité qui rivalisaient directement avec les livres plus récents de Baum, publiés par la Reilly & Britton Company, dont il gagnait sa vie, nuisant explicitement aux ventes de La Fille Patchwork d'Oz, le nouveau livre d'Oz pour 1913, pour booster les ventes de sorcier, que Donahue a appelé dans une annonce pleine page en L'hebdomadaire des éditeurs (28 juin 1913), "un grand livre pour la jeunesse par excellence" de Baum. Dans une lettre à Baum datée du 31 décembre 1914, F.K. Reilly a déploré que l'acheteur moyen employé par un magasin de détail ne comprendrait pas pourquoi il devrait dépenser 75 cents pour une copie de Tik-Tok d'Oz quand il pouvait acheter une copie de sorcier entre 33 et 36 cents. Baum avait déjà écrit une lettre pour se plaindre de l'accord avec Donahue, dont il n'était pas au courant jusqu'à ce qu'il soit fait accompli, et l'un des investisseurs qui détenaient Le magicien d'Oz droits avaient demandé pourquoi la redevance n'était que de cinq ou six cents par copie, selon la quantité vendue, ce qui n'avait aucun sens pour Baum. [55]

Une nouvelle édition de Bobbs-Merrill en 1949 illustrée par Evelyn Copelman, à nouveau intitulée Le nouveau magicien d'Oz, a payé du bout des lèvres à Denslow mais était fortement basé, à part le Lion, sur le film MGM. Copelman avait illustré une nouvelle édition de Le monarque magique de Mo deux ans plus tôt. [56]

Ce n'est que lorsque le livre est entré dans le domaine public en 1956 que de nouvelles éditions, soit avec les planches originales en couleurs, soit avec de nouvelles illustrations, ont proliféré. Une version révisée de l'œuvre de Copelman a été publiée dans une édition Grosset & Dunlap, et Reilly & Lee (anciennement Reilly & Britton) a publié une édition conforme aux suites d'Oz, qui avaient précédemment traité Le pays d'Oz comme le premier livre d'Oz, [57] n'ayant pas les droits de publication de sorcier, avec de nouvelles illustrations de Dale Ulrey. Ulrey avait précédemment illustré l'œuvre de Jack Snow Jaglon et les fées-tigres, une extension d'une nouvelle de Baum, "L'histoire de Jaglon", et une édition de 1955 de L'étain Woodman d'Oz, bien que les deux se soient mal vendus. Plus tard, les éditions Reilly & Lee ont utilisé les illustrations originales de Denslow.

Les éditions les plus récentes sont l'édition Pennyroyal de 1986 illustrée par Barry Moser, qui a été réimprimée par l'University of California Press, et l'édition 2000 Le Magicien d'Oz annoté édité par Michael Patrick Hearn (fortement révisé à partir d'une édition de 1972 qui a été imprimée dans un format large qui lui permettait d'être un fac-similé de l'édition originale avec des notes et des illustrations supplémentaires sur les côtés), qui a été publiée par W.W. Norton et inclus toutes les illustrations en couleur originales, ainsi que des illustrations supplémentaires de Denslow. D'autres éditions du centenaire comprenaient University Press of Kansas's Édition du centenaire du Kansas, illustré par Michael McCurdy avec des illustrations en noir et blanc, et le livre pop-up de Robert Sabuda.

Baum a écrit Le merveilleux magicien d'Oz sans penser à une suite. Après avoir lu le roman, des milliers d'enfants lui ont écrit des lettres, lui demandant de créer une autre histoire sur Oz. En 1904, il écrit et publie la première suite, Le merveilleux pays d'Oz, expliquant qu'il a écrit à contrecœur la suite pour répondre à la demande populaire. [58] Il a dédié le livre à Montgomery & Stone et a écrit de grands rôles pour l'Épouvantail et Tin Woodman qu'il a supprimé de la version scénique, Le Woggle-Bug, après que l'équipe ait rechigné à quitter une émission réussie pour faire une suite. Baum a également écrit des suites en 1907, 1908 et 1909. Dans son 1910 La ville d'émeraude d'Oz, il a écrit qu'il ne pouvait pas continuer à écrire des suites parce qu'Ozland avait perdu le contact avec le reste du monde. Les enfants ont refusé d'accepter cette histoire, donc Baum, en 1913 et chaque année par la suite jusqu'à sa mort en mai 1919, a écrit un once livre, écrivant finalement 13 suites et une demi-douzaine de nouvelles d'Oz. Les Tribune de Chicago ' s Russell MacFall a écrit que Baum a expliqué le but de ses romans dans une note qu'il a écrite à sa sœur, Mary Louise Brewster, dans une copie de Mère Oie en Prose (1897), son premier livre. Il a écrit : « Faire plaisir à un enfant est une chose douce et charmante qui réchauffe le cœur et apporte sa propre récompense. » [4] Après la mort de Baum en 1919, les éditeurs de Baum ont délégué la création de plus de séquelles à Ruth Plumly Thompson qui a écrit 21. [20] Un original once livre a été publié chaque Noël entre 1913 et 1942. [59] En 1956, cinq millions d'exemplaires du once des livres ont été publiés en anglais, tandis que des centaines de milliers ont été publiés dans huit langues étrangères. [4]

Le merveilleux magicien d'Oz a été adapté à d'autres médias à de nombreuses reprises, notamment en Le magicien d'Oz, le film de 1939 avec Judy Garland, Ray Bolger, Jack Haley et Bert Lahr. Jusqu'à cette version, le livre avait inspiré un certain nombre d'adaptations scéniques et cinématographiques désormais moins connues, dont une comédie musicale rentable de Broadway en 1902 et trois films muets. Le film de 1939 était considéré comme innovant en raison de ses chansons, de ses effets spéciaux et de son utilisation révolutionnaire du nouveau Technicolor. [60]

L'histoire a été traduite dans d'autres langues (au moins une fois sans autorisation, ce qui a donné lieu à la Le magicien de la ville d'émeraude roman et ses suites, traduits en anglais par Sergueï Sukhinov) et adaptés plusieurs fois en bande dessinée. Après l'expiration du droit d'auteur d'origine, les personnages ont été adaptés et réutilisés dans des spin-offs, des suites non officielles et des réinterprétations, dont certaines ont été controversées dans leur traitement des personnages de Baum. [61]

En 2020, une traduction en espéranto du roman a été utilisée par une équipe de scientifiques pour démontrer une nouvelle méthode d'encodage de texte dans l'ADN qui reste lisible après des copies répétées. [62]

En 2018, le projet "The Lost Art of Oz" a été lancé pour localiser et cataloguer les œuvres d'art originales survivantes créées par John R. Neill, W. W. Denslow, Frank Kramer, Richard "Dirk" Gringhuis et Dick Martin pour illustrer la série de livres Oz. [63]


20 choses que vous dites que vous ne saviez pas étaient offensantes

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Bâtissez - dans votre tête, s'il vous plaît, surtout s'il y a des enfants autour - une liste des mots et des phrases les plus offensants auxquels vous pouvez penser. Il y a de fortes chances qu'il soit plein des suspects habituels : des mots F et beaucoup de mots S, n'est-ce pas ? Mais voici le problème : il manque quelques phrases offensantes dans votre liste. Et nous sommes désolés d'annoncer que c'est un bon pari que vous les utilisez beaucoup.

Par exemple, saviez-vous que l'expression courante « panier » vient d'un dicton utilisé pendant la Première Guerre mondiale pour décrire les tétraplégiques ? Ou cette « règle empirique » a une origine insidieusement violente ? (Et nous sommes sûrs que la plupart des parents ne savent pas que « fuzzy wuzzy » était un terme raciste avant qu'il ne soit le protagoniste d'une comptine d'enfant inoffensive.) Avant de lancer accidentellement une insulte sans même vous en rendre compte, lisez ces 20 mots offensants et des phrases. Et pour plus d'expressions que vous ne devriez jamais prononcer, consultez les expressions courantes que vous ne saviez pas avoir des origines racistes.

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Bien sûr, nous avons tous entendu parler de "galerie de cacahuètes" pour décrire des critiques sévères - généralement celles qui connaissent peu la situation - mais l'expression fait à l'origine référence à une section des théâtres de l'époque du Vaudeville. C'était généralement la zone avec les pires sièges de la maison, où les Noirs étaient obligés de s'asseoir.

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Pour beaucoup de gens, appeler quelqu'un « spastique » est tout aussi offensant que d'appeler quelqu'un le mot R. La stigmatisation provient de l'association du mot avec la paralysie cérébrale, une maladie qui était autrefois appelée paralysie spastique. Et pour plus de mots que vous n'avez pas entendus depuis un moment, consultez les 100 termes d'argot du 20e siècle que personne n'utilise plus.

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Le mot « hooligans » dérive d'une famille de personnages de dessins animés du même nom. Au XIXe siècle, les Hooligans étaient une famille d'immigrants irlandais qui luttaient pour s'intégrer à Londres. Non seulement les dessins animés étaient racistes, mais ils représentaient également un stéréotype sévère d'immigrants urbains.

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La plupart des gens ne pensent probablement pas aux Caraïbes lorsqu'ils pensent au cannibalisme (plutôt à un Anthony Hopkins me vient à l'esprit…). Mais le terme dérive de la tribu Canibales, ou les Caraïbes, aux Antilles. Apparemment, cette ancienne tribu était connue pour se manger les unes les autres.

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L'expression "mumbo jumbo" vient probablement du dieu ouest-africain Maamajomboo. Pourquoi est-ce offensant ? Apparemment, les hommes mandingues s'habillaient comme le dieu pour résoudre les conflits domestiques et maltraiter leurs femmes.

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Fuzzy Wuzzy était un ours… mais avant cela, il n'était pas si innocent. Dans les années 1800, les soldats coloniaux britanniques appelaient les habitants d'une tribu nomade d'Afrique de l'Est des « wuzzies flous » en raison de leur peau foncée et de leurs cheveux bouclés. Le terme a ensuite été repris par d'autres groupes militaires pour désigner d'autres populations autochtones dans des endroits comme la Papa-Nouvelle-Guinée et le Soudan. Et pour des phrases plus obsolètes, consultez les 20 termes d'argot des années 1990 que personne n'utilise plus.

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Il y a une raison pour laquelle l'expression "no can do" sonne comme un mauvais anglais. Le dicton est apparu au milieu des années 1800 - une époque où les Occidentaux avaient largement une attitude raciste envers l'Est - comme un moyen de se moquer de l'anglais pidgin chinois simplifié.

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Ce dicton pour une personne qui a des difficultés à faire face a été utilisé pour la première fois pendant la Première Guerre mondiale pour décrire une personne qui avait perdu ses quatre membres et devait être transportée dans un panier.

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Le terme « crétin » n'était pas à l'origine une insulte, mais un diagnostic psychologique dénotant un handicap léger.

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Personne ne sait avec certitude d'où vient cette phrase, mais les experts pensent qu'elle a quelque chose à voir avec une loi anglaise des années 1600 qui autorisait les hommes à agresser leur femme avec un bâton, à condition qu'il ne soit pas plus large que son pouce. . Encore une fois… Aïe !

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Aujourd'hui, la deuxième ligne de cette comptine pour enfants est "attrapez un tigre par l'orteil", mais la version originale comprenait une horrible insulte raciale.

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Contrairement à la croyance populaire, "Esquimau" n'est pas le terme approprié pour décrire les peuples indigènes du nord du Canada et de l'Alaska. Le mot est en fait une manière offensante de désigner le peuple inuit, il dérive du mot d'emprunt danois ashkimeq, signifiant "mangeurs de viande crue".

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Dans les années 1970, les membres du Temple du Peuple dirigé par Jim Jones s'est suicidé en buvant une boisson gazeuse contenant du cyanure et divers médicaments sur ordonnance. Ainsi, aujourd'hui, les gens utilisent l'expression « boire le Kool-Aid » pour désigner quelqu'un avec une loyauté inébranlable et inconditionnelle.

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Les archives montrent que l'expression « long time no see » a été prononcée pour la première fois par un Amérindien. Sur papier, William F. Drannan a utilisé l'expression dans l'un de ses romans pour décrire une rencontre avec un Amérindien : « Je savais qu'il m'avait reconnu. a présenté l'arme avec la culasse en avant." Comme "no can do", "long time no see" se moque de l'anglais approximatif des Amérindiens.

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Malheureusement, cette phrase ne provient pas d'une histoire étrange à propos d'un homme dont la langue a été littéralement piquée par un chat. Au lieu de cela, la marine anglaise utilisait un fouet appelé "Cat-o'-neuf-tails" pour fouetter les victimes, et la douleur était si intense que ceux qui recevaient les coups ne pouvaient pas parler. D'où le sens de l'expression aujourd'hui.

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À l'époque où presque tous les problèmes médicaux étaient traités avec des lobotomies et des drogues illicites, les médecins utilisaient « l'hystérie » comme explication médicale pour presque toutes les femmes malades qu'ils rencontraient. L'idée d'un tel diagnostic vient de la croyance d'Hippocrate selon laquelle l'hystérie d'une femme est causée par un « utérus errant » qui est privé de plaisir sexuel.

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Lorsque vous atteignez le point de basculement d'une situation, vous avez atteint le point où « un changement ou un effet ne peut pas être arrêté ». Cela semble assez bénin, mais l'expression a été utilisée dans les années 50 et 60 pour faire référence à la tendance des familles blanches à quitter un quartier une fois celui-ci repris par une majorité afro-américaine.

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Historiquement, les Blancs décriraient les hommes noirs comme des « garçons » pour indiquer qu'ils n'étaient pas sur un pied d'égalité. La Cour suprême des États-Unis a même déclaré que le mot n'était "pas bénin" et considère son utilisation dans certains contextes comme raciste.

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Aujourd'hui, lorsqu'une personne sort de la réserve, elle perd le contrôle. Mais ses origines sont encore plus sinistres. Comme les Amérindiens étaient autrefois limités aux réserves créées pour eux par le gouvernement, les gens utilisaient historiquement cette expression pour désigner les Amérindiens qui s'étaient éloignés de leurs terres, souvent avec mépris pour les peuples autochtones.

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Il était une fois, le mot « spinster » ne faisait pas référence à une femme célibataire, mais à une personne qui tissait de la cour ou du fil pour gagner sa vie. Finalement, le terme a pris son sens actuel, car la plupart des femmes célibataires étaient également des classes inférieures et célibataires, comptant sur leur travail pour subvenir à leurs besoins.


10 faits que vous ignorez peut-être sur l'alimentation en Chine

Différents pays ont des habitudes alimentaires différentes. Vous avez peut-être goûté à la cuisine chinoise dans votre pays, mais les choses sont différentes en Chine. Si vous prévoyez un voyage en Chine, cet article vous aidera à connaître les faits de base sur l'alimentation en Chine.

Les chinois utilisent des baguettes pour ramasser de la nourriture.

1. Utilisation chinoise baguettes ramasser de la nourriture, pas des couteaux et des fourchettes. Voir Baguettes pour apprendre à les utiliser et pour en savoir plus sur les tabous des baguettes.

2. Nouilles de blé sont le principal régime alimentaire de base dans le nord de la Chine, tandis que riz est le principal aliment de base dans le sud. Les restaurants du sud de la Chine proposent également des nouilles, mais ce sont généralement des nouilles de riz.

3. Le riz est servi séparément (en repas partagés) : dans des petits bols. Les plats de viande/légumes sont servis dans des assiettes ou dans des bols plus grands, placés au milieu pour que tout le monde puisse les partager. Ce n'est pas une assiette chacun, comme en occident (à moins de manger du fast food) !

4. La cuisine chinoise varie à travers la Chine. Il y a de nombreuses cuisines régionales avec différentes saveurs : épicé, sucré, acide, copieux, etc. En savoir plus sur les cuisines régionales de la Chine.

Table ronde avec paresseux Susan au milieu

5. Les restaurants offrent généralement un table ronde pour plus de quatre personnes. Il peut y avoir un verre trempé Susan paresseuse au milieu de la table qui pivote pour accéder facilement à chaque plat.

6. Ingrédients de la nourriture chinoise sont variés et parfois choquant aux étrangers (grenouilles, pattes de poulet, oreilles de porc, intestins, viande de chien, etc.). Découvrez des ingrédients inhabituels dans la cuisine chinoise.

7. Il y a généralement pas de salières ni de poivrières, ou des bouteilles de sauce tomate sur la table. Mais en compensation, vous pouvez trouver des bouteilles de sauce soja, de vinaigre et de pâte de chili.

Restaurants populaires à fondue

8. Certains restaurants chinois peuvent être assez bruyant et enfumé où les gens ne contrôlent pas leur volume de conversation ou leur tabagisme, bien que des interdictions de fumer dans les lieux publics aient été récemment mises en œuvre dans certaines régions.

9. Les pourboires ne sont pas attendus dans les restaurants chinois. Les frais de service sont inclus dans les prix des aliments.

10. Si l'ami chinois avec qui vous mangez mettre de la nourriture dans votre assiette, c'est pour montrer de la proximité et de la convivialité, pas parce qu'ils n'en veulent pas, ou pensent que vous ne pouvez pas le faire vous-même. De nos jours, cela se produit plus souvent lors des repas de famille, où les jeunes transmettent la nourriture à leurs aînés par respect.


8. Les valeurs de test peuvent être différentes d'un laboratoire à l'autre

Les rapports des techniciens de laboratoire comparent les résultats de vos tests sanguins avec une plage considérée comme normale pour ce laboratoire. La plage de référence du laboratoire est basée sur les résultats des tests de nombreuses personnes précédemment testées dans ce laboratoire. Cette plage normale peut ne pas être la même que celle d'un autre laboratoire, note la Food and Drug Administration, alors ne soyez pas surpris si vous constatez qu'un rapport de test sanguin antérieur diffère des rapports plus récents - la différence pourrait être dans le laboratoire.


8 choses que vous ne savez peut-être pas sur "Le Magicien d'Oz" - HISTOIRE

En tant que jeune élève, à peu près du même âge que beaucoup de vos propres élèves, Ruby Bridges a fait preuve d'un courage et d'une bravoure immenses en 1960 en affrontant une foule de ségrégationnistes à l'extérieur de son école primaire à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane. En conséquence, elle a mené la charge pour l'intégration dans le Grand Sud, devenant le premier enfant afro-américain à intégrer une école primaire entièrement blanche dans la région.

Explorez des livres sur Rudy Bridges et d'autres dirigeants du mouvement des droits civiques avec ces livres.

Voici quelques faits supplémentaires que vous et vos élèves connaissez ou non sur cette célèbre icône des droits civiques :

1. En 1960, Ruby n'avait que six ans lorsqu'elle a intégré sa nouvelle école primaire à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane.

2. Les maréchaux fédéraux ont dû protéger Ruby lorsqu'elle est entrée à l'école.

3. Ruby était la seule élève à l'école ce jour-là. Les parents blancs n'ont pas envoyé leurs enfants à l'école et de nombreux enseignants blancs sont sortis en signe de protestation. Ruby n'avait pas cours ce premier jour.

4. Le lendemain, un enseignant blanc a commencé à lui enseigner. Ruby était la seule élève de l'école pour le reste de l'année.

5. Lorsque Ruby a commencé la deuxième année, son école était complètement intégrée.

6. En grandissant, Ruby a continué à faire avancer les causes des droits civiques et a même lancé une fondation pour promouvoir la justice sociale et l'harmonie raciale.

7. En 2001, le président Bill Clinton lui a remis la Médaille présidentielle des citoyens.

Si vous cherchez quelques histoires supplémentaires pour aider vos élèves à découvrir la vie de Ruby et à comprendre à quoi ressemblaient autrefois la ségrégation et les inégalités en Amérique, ces 2 livres sont un excellent point de départ :

L'histoire de Ruby Bridges

Cette histoire donne aux jeunes lecteurs un aperçu de la vie de Ruby et de ce qu'elle et sa famille ont dû endurer pour intégrer pleinement son école primaire. Ce n'est pas seulement le fait d'entrer dans son école ce premier jour qui a conduit à l'intégration, c'est le courage et la détermination de Ruby à retourner à l'école chaque jour qui ont déclenché le changement.

À travers mes yeux

À travers mes yeux est un autre récit de l'histoire de Ruby, partagé avec ses propres mots. En lisant, vos élèves acquerront une meilleure compréhension des préjugés et de la discrimination auxquels Ruby a été confrontée dans son enfance dans le Grand Sud, ainsi que du courage et de la bravoure qu'elle a dû exploiter pour surmonter ces obstacles à l'égalité des droits.

En guise de suivi de leur lecture, considérez ce Ruby Bridges: Text & Organizer pour aider les étudiants à réfléchir sur la vie de Ruby Bridges et à en apprendre davantage sur les thèmes, les idées principales et le vocabulaire essentiel au mouvement des droits civiques. Un article de non-fiction de deux pages et un organisateur graphique biographique sont inclus pour aider les jeunes lecteurs à montrer ce qu'ils ont appris. Ce pack est gratuit pour les abonnés de Scholastic Teachables ou est disponible à l'achat individuel. Connectez-vous ou abonnez-vous dès aujourd'hui !


Contenu

Garland est née Frances Ethel Gumm le 10 juin 1922 à Grand Rapids, Minnesota. Elle était la plus jeune enfant d'Ethel Marion ( née Milne 1893-1953) [10] et de Francis Avent "Frank" Gumm (1886-1935). Ses parents étaient des vaudevilliens qui se sont installés à Grand Rapids pour diriger une salle de cinéma qui présentait des numéros de vaudeville. Elle était d'ascendance irlandaise, anglaise, écossaise, [11] [12] et française huguenote [13] [14], du nom de ses deux parents et baptisée dans une église épiscopale locale. [15]

« Bébé » (comme l'appelaient ses parents et ses sœurs) [16] partageait le flair de sa famille pour la chanson et la danse. Sa première apparition a eu lieu à l'âge de deux ans, lorsqu'elle a rejoint ses sœurs aînées Mary Jane "Suzy/Suzanne" Gumm (1915-1964) et Dorothy Virginia "Jimmie" Gumm (1917-1977) sur la scène du cinéma de son père pendant un spectacle de Noël et a chanté un refrain de "Jingle Bells". [17] Les sœurs Gumm y ont joué pendant les quelques années suivantes, accompagnées de leur mère au piano. [16]

La famille a déménagé à Lancaster, en Californie, en juin 1926, à la suite de rumeurs selon lesquelles son père avait des penchants homosexuels. [18] Frank a acheté et exploité un autre théâtre à Lancaster et Ethel a commencé à gérer ses filles et à travailler pour les faire entrer dans des films.

Les sœurs Gumm/Garland Modifier

En 1928, les sœurs Gumm s'inscrivent dans une école de danse dirigée par Ethel Meglin, propriétaire de la troupe de danse Meglin Kiddies. Ils sont apparus avec la troupe lors de son spectacle de Noël annuel. [19] Grâce aux Meglin Kiddies, ils ont fait leurs débuts au cinéma dans un court sujet intitulé La Grande Revue (1929), où ils ont interprété un numéro de chanson et de danse intitulé « That's the Good Old Sunny South ». Cela a été suivi par des apparitions dans deux courts métrages Vitaphone l'année suivante: Des vacances au pays des histoires (avec le premier solo à l'écran de Garland) et Le mariage de Jack et Jill. Ils sont ensuite apparus ensemble dans Bulles. Leur dernière apparition à l'écran était dans un court métrage MGM Technicolor intitulé La fête de Santa Barbara (1935). [20]

Le trio avait parcouru le circuit de vaudeville sous le nom de "The Gumm Sisters" pendant de nombreuses années lorsqu'ils se sont produits à Chicago à l'Oriental Theatre avec George Jessel en 1934. Il a encouragé le groupe à choisir un nom plus attrayant après que "Gumm" a été accueilli avec des rires de l'auditoire. Selon la légende du théâtre, leur numéro a déjà été présenté à tort dans un théâtre de Chicago sous le nom de "The Glum Sisters". [21]

Plusieurs histoires persistent concernant l'origine de leur utilisation du nom Garland. L'une est qu'il a été créé par Jessel d'après le personnage de Carole Lombard, Lily Garland dans le film. XXe siècle (1934), qui jouait alors à l'Oriental à Chicago, une autre est que les filles ont choisi le nom de famille d'après le critique dramatique Robert Garland. [22] La fille de Garland, Lorna Luft, a déclaré que sa mère avait choisi le nom lorsque Jessel a annoncé que le trio "avait l'air plus joli qu'une guirlande de fleurs". [23] Une émission télévisée spéciale a été tournée à Hollywood lors de la première du Pantages Theatre de Une star est née le 29 septembre 1954, dans laquelle Jessel déclara :

Je pense que je devrais dire aux gens que c'est moi qui ai nommé Judy Garland, "Judy Garland". Non pas que cela aurait fait une différence - vous n'auriez pas pu cacher ce grand talent si vous l'aviez appelée "Tel Aviv Windsor Shell", vous savez, mais son nom quand je l'ai rencontrée pour la première fois était Frances Gumm et il ce n'était pas le genre de nom qu'une grande actrice comme celle-là devrait avoir. et nous l'avons donc appelée Judy Garland, et je pense qu'elle est une combinaison d'Helen Hayes et d'Al Jolson, et peut-être de Jenny Lind et de Sarah Bernhardt. [24]

Une explication ultérieure a fait surface lorsque Jessel était l'invité de l'émission télévisée de Garland en 1963. Il a déclaré qu'il avait envoyé à l'actrice Judith Anderson un télégramme contenant le mot "guirlande" et que cela lui était resté à l'esprit. [25] Cependant, Garland a demandé à Jessel quelques instants plus tard si cette histoire était vraie et il a répondu allègrement "Non".

À la fin de 1934, les Gumm Sisters avaient changé leur nom en Garland Sisters. [26] Frances a changé son nom en "Judy" peu de temps après, inspirée par une chanson populaire de Hoagy Carmichael. [27] Le groupe s'est séparé en août 1935, lorsque Suzanne Garland s'est envolée pour Reno, Nevada, et a épousé le musicien Lee Kahn, membre de l'orchestre Jimmy Davis jouant au Cal-Neva Lodge, Lake Tahoe. [28]

Signé à Metro-Goldwyn-Mayer Modifier

En septembre 1935, Louis B. Mayer demande à l'auteur-compositeur Burton Lane de se rendre au Orpheum Theatre dans le centre-ville de Los Angeles pour assister au vaudeville des Garland Sisters et lui rendre compte. Quelques jours plus tard, Judy et son père ont été amenés pour une audition impromptue aux studios Metro-Goldwyn-Mayer à Culver City. Garland a interprété "Zing! Went the Strings of My Heart" et "Eli, Eli", une chanson yiddish écrite en 1896 et régulièrement jouée dans le vaudeville. [29] [ meilleure source nécessaire ] Le studio a immédiatement signé un contrat avec Garland avec MGM, vraisemblablement sans test d'écran, bien qu'elle ait fait un test pour le studio plusieurs mois plus tôt. Le studio ne savait que faire d'elle âgée de treize ans, elle était plus âgée que l'enfant star traditionnelle, mais trop jeune pour des rôles d'adultes. [30]

Au cours de ses premières années au studio, elle a été photographiée et vêtue de vêtements unis ou de robes et de costumes juvéniles à froufrous pour correspondre à l'image de "fille d'à côté" créée pour elle. Ils lui ont fait porter des capuchons amovibles sur ses dents et des disques caoutchoutés pour remodeler son nez. [33] Finalement, sur le plateau de Rencontrez-moi à Saint-Louis quand elle avait 21 ans, Garland a rencontré Dotty Ponedel, une maquilleuse qui travaillait chez MGM. Après avoir examiné les ajouts à son look, Garland a été surprise lorsque Ponedel a déclaré que les capuchons et les disques que Garland utilisait n'étaient pas nécessaires, car elle était "une jolie fille". Ponedel est devenu le maquilleur de Garland. Le travail que Ponedel a fait sur Garland pour Rencontrez-moi à Saint-Louis a rendu Garland si heureuse que Ponedel est devenue la conseillère de Garland chaque fois qu'elle a travaillé sur un film sous MGM. [34]

Le 16 novembre 1935, Garland, 13 ans, était en train de préparer une émission radio sur le Shell Chateau Hour lorsqu'elle a appris que son père avait été hospitalisé pour une méningite et qu'il s'était aggravé. Frank Gumm est décédé le lendemain matin à l'âge de 49 ans, la laissant dévastée. Sa chanson pour le Shell Chateau Hour était sa première interprétation professionnelle de "Zing! Went the Strings of My Heart", une chanson qui est devenue un standard dans plusieurs de ses concerts. [35]

Garland a joué dans diverses fonctions en studio et a finalement été choisi pour faire face à Deanna Durbin dans le court-métrage musical Chaque dimanche (1936). Le film a mis en contraste sa gamme vocale et son style swing avec la soprano d'opéra de Durbin et leur a servi de test d'écran prolongé, alors que les dirigeants du studio remettaient en question la sagesse d'avoir deux chanteuses sur la liste. [36]

Garland a attiré l'attention des dirigeants du studio lorsqu'elle a chanté un arrangement spécial de "You Made Me Love You (I Didn't Want to Do It)" à Clark Gable lors d'une fête d'anniversaire que le studio a organisée pour l'acteur. Son interprétation était si bien considérée qu'elle a interprété la chanson dans l'extravagance des étoiles Mélodie de Broadway de 1938 (1937), quand elle a chanté sur une photo de lui. [37]

MGM a trouvé une formule gagnante lorsqu'elle a associé Garland à Mickey Rooney dans une série de « comédies musicales d'arrière-cour ». [38] Le duo est apparu pour la première fois ensemble en tant que personnages secondaires dans le film B Les pur-sang ne pleurent pas (1937). Garland a ensuite été mise dans le casting du quatrième des films de la famille Hardy en tant que fille littérale d'à côté du personnage de Rooney, Andy Hardy, dans L'amour trouve Andy Hardy (1938), bien que l'intérêt amoureux de Hardy ait été joué par Lana Turner. Ils ont fait équipe en tant que personnages principaux pour la première fois dans Babes dans les bras (1939), apparaissant finalement dans cinq films supplémentaires, dont les films Hardy Andy Hardy rencontre la débutante (1940) et La vie commence pour Andy Hardy (1941).

Garland a déclaré qu'elle, Rooney et d'autres jeunes interprètes se faisaient constamment prescrire des amphétamines afin de rester éveillées et de suivre le rythme effréné de la réalisation d'un film après l'autre. On leur a également donné des barbituriques à prendre avant d'aller au lit afin qu'ils puissent dormir. [39] Cette consommation régulière de drogues, a-t-elle dit, a conduit à la toxicomanie et à une lutte à vie. Plus tard, elle en voulait à l'emploi du temps chargé et croyait que MGM avait volé sa jeunesse. Rooney, cependant, a nié que leur studio était responsable de sa dépendance: "Judy Garland n'a jamais reçu de drogue de Metro-Goldwyn-Mayer. M. Mayer n'a rien sanctionné pour Judy. Personne sur ce terrain n'était responsable de la mort de Judy Garland . Malheureusement, Judy a choisi cette voie." [40]

Le poids de Garland se situait dans une fourchette saine, mais le studio a exigé qu'elle soit constamment au régime. Ils allaient même jusqu'à ne lui servir qu'un bol de soupe et une assiette de laitue lorsqu'elle commandait un repas ordinaire. [9] Elle a été en proie au doute de soi tout au long de sa vie, malgré des carrières de film et d'enregistrement réussies, des récompenses, des éloges critiques et sa capacité à remplir des salles de concert dans le monde entier. Elle avait besoin d'être constamment rassurée qu'elle était talentueuse et attrayante. [41]

Le magicien d'Oz Éditer

En 1938, alors qu'elle avait seize ans, Garland fut choisie pour incarner la jeune Dorothy Gale dans Le magicien d'Oz (1939), un film basé sur le livre pour enfants de 1900 de L. Frank Baum. Dans le film, elle a chanté la chanson avec laquelle elle serait constamment identifiée par la suite, "Over the Rainbow". Bien que les producteurs Arthur Freed et Mervyn LeRoy aient voulu lui confier le rôle depuis le début, le chef du studio Mayer a d'abord essayé d'emprunter Shirley Temple à la 20th Century Fox, mais ils ont refusé. Deanna Durbin a ensuite été interrogée, mais n'était pas disponible, ce qui a entraîné le casting de Garland. [42]

Garland était initialement équipé d'une perruque blonde pour le rôle, mais Freed et LeRoy ont décidé de ne pas le faire peu de temps après le tournage. Sa robe vichy bleue a été choisie pour son effet flou sur sa silhouette, ce qui la rajeunit. [43] Le tournage a commencé le 13 octobre 1938, [44] et il a été achevé le 16 mars 1939, [45] avec un coût final de plus de 2 millions de dollars US. [46] À la fin du tournage, MGM a occupé Garland avec des tournées promotionnelles et le tournage de Babes dans les bras (également 1939), réalisé par Busby Berkeley. Elle et Rooney ont été envoyées dans une tournée promotionnelle à travers le pays, culminant avec la première du 17 août à New York au Capitol Theatre, qui comprenait un programme d'apparition de cinq spectacles par jour pour les deux stars. [47] Les rapports selon lesquels Garland serait soumis à un régime composé de cigarettes, de soupe au poulet et de café sont erronés, comme le précise le livre. La route d'Oz : l'évolution, la création et l'héritage d'un chef-d'œuvre du cinéma par les historiens d'Oz Jay Scarfone et William Stillman, à cette époque de sa vie, Garland était une anti-fumeur et elle avait droit à des aliments solides, mais pas autant qu'un adolescent en pleine croissance préférerait manger. Dans une nouvelle tentative pour minimiser ses courbes, son régime était accompagné de sorties de natation et de randonnée, ainsi que de parties de tennis et de badminton, avec son cascadeur Bobbie Koshay. [48]

Le magicien d'Oz a été un énorme succès critique, bien que son budget élevé et ses coûts de promotion estimés à 4 millions de dollars (équivalent à 58,8 millions de dollars en 2019 [49] ), couplés aux revenus plus faibles générés par les billets pour enfants à prix réduit, signifient que le film n'est pas revenu un profit jusqu'à ce qu'il soit réédité dans les années 1940 et à des occasions ultérieures. [50] Lors de la cérémonie des Oscars 1939, Garland a reçu son seul Oscar, un Academy Juvenile Award pour ses performances en 1939, y compris Le magicien d'Oz et Babes dans les bras. Elle était la quatrième personne à recevoir le prix ainsi que l'une des douze dans l'histoire à en recevoir un. [51]

Garland a joué dans trois films sortis en 1940 : Andy Hardy rencontre la débutante, Frappez le groupe, et La petite Nellie Kelly. Dans le dernier, elle a joué son premier rôle d'adulte, un double rôle de mère et de fille. La petite Nellie Kelly a été acheté à George M. Cohan pour lui permettre de montrer à la fois son attrait pour le public et son apparence physique. Le rôle était un défi pour elle, nécessitant l'utilisation d'un accent, son premier baiser d'adulte et la seule scène de mort de sa carrière. [52] Son co-star George Murphy a considéré le baiser comme embarrassant. Il a dit que cela ressemblait à "un hillbilly avec une épouse enfant". [9]

Pendant ce temps, Garland était encore adolescente lorsqu'elle a vécu sa première romance adulte sérieuse avec le chef d'orchestre Artie Shaw. Elle lui était profondément dévouée et a été dévastée au début des années 1940 lorsqu'il s'est enfui avec Lana Turner. [53] Garland a commencé une relation avec le musicien David Rose et à son 18e anniversaire, il lui a donné une bague de fiançailles. Le studio est intervenu car, à l'époque, il était encore marié à l'actrice et chanteuse Martha Raye. Ils ont convenu d'attendre un an pour que son divorce devienne définitif. Pendant ce temps, Garland a eu une brève liaison avec l'auteur-compositeur Johnny Mercer. Après sa rupture avec Mercer, Garland et Rose se sont mariés le 27 juillet 1941. [54] " Une vraie rareté ", c'est ainsi que les médias l'ont appelée. [9] Le couple a accepté une séparation provisoire en janvier 1943 et a divorcé en 1944. [55]

En 1941, Garland a subi un avortement alors qu'elle était enceinte de l'enfant de Rose sur l'insistance de sa mère et du studio puisque la grossesse n'a pas été approuvée. Elle en a eu un deuxième en 1943 lorsqu'elle est tombée enceinte de sa liaison avec Tyrone Power. [56]

Dans son prochain film, Pour moi et ma fille (1942), Garland a joué avec Gene Kelly lors de sa première apparition à l'écran. Elle a reçu le "traitement glamour" dans Présentation de Lily Mars (1943), dans laquelle elle était vêtue de robes « d'adultes ». Ses cheveux éclaircis étaient également relevés de manière élégante. Cependant, peu importe à quel point elle est glamour ou belle à l'écran ou sur les photographies, elle n'a jamais eu confiance en son apparence et n'a jamais échappé à l'image de "fille d'à côté" que le studio avait créée pour elle. [57]

L'un des films les plus réussis de Garland pour la MGM a été Rencontrez-moi à Saint-Louis (1944), dans lequel elle a introduit trois standards : « The Trolley Song », « The Boy Next Door » et « Have Yourself a Merry Little Christmas ». Ce fut l'un des premiers films de sa carrière qui lui a donné l'opportunité d'être la femme principale attirante. Vincente Minnelli a été affecté à la réalisation et il a demandé que la maquilleuse Dorothy Ponedel soit affectée à Garland. Ponedel a affiné son apparence de plusieurs manières, notamment en allongeant et en remodelant ses sourcils, en changeant la racine de ses cheveux, en modifiant la ligne de ses lèvres et en enlevant ses disques nasaux et ses coiffes dentaires. Elle a tellement apprécié les résultats que Ponedel a été inscrite dans son contrat pour toutes ses photos restantes à la MGM. [ citation requise ]

À cette époque, Garland a eu une brève liaison avec le réalisateur Orson Welles, qui était alors marié à Rita Hayworth. L'affaire s'est terminée au début de 1945, et ils sont restés en bons termes par la suite. [58] [ page nécessaire ]

Pendant le tournage de Rencontrez-moi à Saint-Louis, Garland et Minnelli ont eu un conflit initial entre eux, mais ils ont noué une relation et se sont mariés le 15 juin 1945. [59] Le 12 mars 1946, sa fille Liza est née. [60] Le couple divorce en 1951. [61]

L'horloge (1945) a été le premier film dramatique de Garland, Robert Walker a été choisi pour le rôle principal masculin. Bien que le film ait été salué par la critique et ait généré des bénéfices, la plupart des cinéphiles s'attendaient à ce qu'elle chante. Elle n'a pas joué à nouveau dans un rôle dramatique non chanté pendant de nombreuses années. Les autres films de Garland des années 1940 incluent Les filles Harvey (1946), dans laquelle elle a présenté la chanson primée aux Oscars "On the Atchison, Topeka, and the Santa Fe", et Jusqu'à ce que les nuages ​​passent (1946). [ citation requise ]

Pendant le tournage de Le pirate en avril 1948, Garland fit une dépression nerveuse et fut placé dans un sanatorium privé. [62] Elle a pu terminer le tournage, mais en juillet, elle a fait sa première tentative de suicide, faisant des coupures mineures à son poignet avec un verre brisé. [63] Pendant cette période, elle a passé deux semaines en traitement au Austen Riggs Center, un hôpital psychiatrique de Stockbridge, Massachusetts. [64] Le pirate est sorti en mai 1948 et était le premier film dans lequel Garland avait joué depuis Le magicien d'Oz de ne pas faire de profit. Les principales raisons de son échec n'étaient pas seulement son coût, mais aussi la dépense croissante des retards de tournage alors que Garland était malade, ainsi que parce que le grand public n'était pas encore disposé à l'accepter dans un film sophistiqué. Suite à son travail sur Le pirate, elle a joué pour la première et unique fois avec Fred Astaire (qui a remplacé Gene Kelly après que Kelly s'était cassé la cheville) dans Défilé de Pâques (1948), qui est devenu son film le plus rentable à la MGM. [ citation requise ]

Enthousiasmé par les énormes recettes au box-office de Défilé de Pâques, MGM a immédiatement fait équipe avec Garland et Astaire pour Les Barkley de Broadway. Pendant le tournage initial, Garland prenait des somnifères barbituriques sur ordonnance ainsi que des pilules obtenues illégalement contenant de la morphine. À cette époque, elle a également développé un grave problème d'alcool. Ceux-ci, combinés à des migraines, l'ont amenée à manquer plusieurs jours de tournage d'affilée. Après avoir été informé par son médecin qu'elle ne pourrait travailler que par tranches de quatre à cinq jours avec des périodes de repos prolongées entre les deux, le cadre de la MGM, Arthur Freed, a pris la décision de la suspendre le 18 juillet 1948. Elle a été remplacée dans le film par Gingembre Rogers. [65] À la fin de sa suspension, elle a été rappelée au travail et a finalement interprété deux chansons en tant qu'invitée dans le biopic Rodgers and Hart Paroles et musique (1948), qui était sa dernière apparition avec Mickey Rooney. Malgré le casting de stars, Paroles et musique à peine atteint le seuil de rentabilité au box-office. Ayant retrouvé ses forces, ainsi qu'un peu de poids nécessaire pendant sa suspension, Garland se sentit beaucoup mieux et à l'automne 1948, elle retourna chez MGM pour remplacer June Allyson enceinte pour le film musical. Dans le bon vieux été (1949) avec Van Johnson. Même si elle arrivait parfois en retard au studio pendant la réalisation de cette photo, elle a réussi à la terminer cinq jours avant la date prévue. Sa fille Liza a fait ses débuts au cinéma à l'âge de deux ans et demi à la fin du film. Dans le bon vieux été a connu un énorme succès au box-office. [66]

Garland a ensuite été choisi pour l'adaptation cinématographique de Annie prend ton arme dans le rôle-titre d'Annie Oakley. Elle était nerveuse à l'idée d'assumer un rôle fortement identifié à Ethel Merman, anxieuse d'apparaître dans un rôle peu glamour après avoir rompu avec les rôles juvéniles pendant plusieurs années, et perturbée par son traitement aux mains du réalisateur Busby Berkeley. Berkeley mettait en scène tous les numéros musicaux et était sévère avec le manque d'effort, d'attitude et d'enthousiasme de Garland. Elle s'est plainte à Mayer, essayant de faire virer Berkeley du long métrage. Elle a commencé à arriver en retard sur le plateau et parfois ne se présentait pas. À cette époque, elle suivait également une thérapie par électrochocs pour la dépression. [67] [68] [69] Elle a été renvoyée de l'image le 10 mai 1949 et a été remplacée par Betty Hutton, qui est intervenue pour exécuter toutes les routines musicales mises en scène par Berkeley. [70] Garland a subi un long séjour à l'hôpital Peter Bent Brigham de Boston, Massachusetts, au cours duquel elle a été sevrée de ses médicaments et, après un certain temps, a pu manger et dormir normalement. Au cours de son séjour, elle a trouvé du réconfort en rencontrant des enfants handicapés dans une interview de 1964 sur les problèmes soulevés dans Un enfant attend (1963) et son rétablissement à l'hôpital Peter Bent Brigham, Garland a dit ceci : "Eh bien, cela m'a aidé en me débarrassant de mon esprit et… ils étaient si délicieux, ils étaient si aimants et bons et je m'oubliais pendant un monnaie". [71]

Garland est retourné à Los Angeles plus lourd, et à l'automne 1949, a été jeté face à Gene Kelly dans Stock d'été (1950). Le film a duré six mois. Pour perdre du poids, Garland a repris les pilules et le schéma familier a refait surface. Elle a commencé à se présenter tard ou pas du tout. Lorsque la photographie principale sur Stock d'été a été achevé au printemps 1950, il a été décidé que Garland avait besoin d'un numéro musical supplémentaire. Elle a accepté de le faire à condition que la chanson soit "Get Happy". De plus, elle a insisté pour que le réalisateur Charles Walters chorégraphie et mette en scène le numéro. À ce moment-là, Garland avait perdu 15 livres et avait l'air plus mince. "Get Happy" était le dernier segment de Stock d'été être filmé. C'était sa dernière photo pour la MGM. Lors de sa sortie à l'automne 1950, Stock d'été a attiré de grandes foules et a accumulé des recettes au box-office très respectables, mais en raison des retards de tournage coûteux causés par Garland, le film a enregistré une perte de 80 000 $ pour le studio. [ citation requise ]

Garland a été jeté dans le film Mariage royal avec Fred Astaire après que June Allyson soit tombée enceinte en 1950. Elle a omis de se présenter sur le plateau à plusieurs reprises et le studio a suspendu son contrat le 17 juin 1950. Elle a été remplacée par Jane Powell. [72] Des biographies réputées après sa mort ont déclaré qu'après ce dernier licenciement, elle s'est légèrement effleurée le cou avec un verre brisé, ne nécessitant qu'un pansement, mais à l'époque, le public a été informé qu'un découragé Garland lui avait tranché la gorge. [73] "Tout ce que je pouvais voir en avant était plus de confusion", a dit plus tard Garland à propos de cette tentative de suicide. "Je voulais occulter l'avenir aussi bien que le passé. Je voulais me faire du mal à moi-même et à tous ceux qui m'avaient blessé." [74] En septembre 1950, après 15 ans passés au studio, Garland et MGM se séparèrent. [75]

Apparitions dans l'émission de radio de Bing Crosby Modifier

Garland était un invité fréquent sur Salle de musique Kraft, animée par son ami Bing Crosby. Après la deuxième tentative de suicide de Garland, Crosby, sachant qu'elle était déprimée et à court d'argent, l'a invitée à son émission de radio - la première de la nouvelle saison - le 11 octobre 1950.

Elle se tenait dans les coulisses tremblante de peur. Elle était presque hystérique. Elle a dit : "Je ne peux pas y aller parce qu'ils vont tous chercher à voir s'il y a des cicatrices, et ça va être terrible." Bing a dit "Qu'est-ce qui se passe?" et je lui ai raconté ce qui s'était passé et il est sorti sur scène et il a dit : "Nous avons une amie ici, elle a eu un petit problème récemment. Vous en avez probablement entendu parler – tout va bien maintenant, elle a besoin de notre amour. Elle a besoin de notre soutien . Elle est là - donnons-lui, d'accord ? Voici Judy. " Et elle est sortie, et cet endroit est devenu fou. Et elle vient de s'épanouir.

Garland a fait huit apparitions au cours de la saison 1950-1951 de Le Bing Crosby – Spectacle de Chesterfield, ce qui a immédiatement redynamisé sa carrière. Peu de temps après, elle a tourné pendant quatre mois à guichets fermés en Europe. [76]

Une célébrité renouvelée sur scène Modifier

En 1951, Garland a commencé une tournée de concerts de quatre mois en Grande-Bretagne et en Irlande, où elle a joué à guichets fermés en Angleterre, en Écosse et en Irlande. [77] La ​​tournée de concerts réussie était le premier de ses nombreux retours, avec des performances centrées sur des chansons d'Al Jolson et la renaissance de la "tradition" vaudevillian. Garland a présenté des spectacles complets en hommage à Jolson lors de ses concerts au London Palladium en avril et au Palace Theatre de New York plus tard cette année-là. Garland a déclaré après le spectacle du Palladium: "J'ai soudainement su que c'était le début d'une nouvelle vie. Hollywood pensait que j'en avais fini, puis j'ai eu la merveilleuse opportunité d'apparaître au London Palladium, où je peux honnêtement dire que Judy Garland est renée." [78] Ses apparitions au Palladium ont duré quatre semaines, où elle a reçu des critiques élogieuses et une ovation décrite par le directeur du Palladium comme la plus forte qu'il ait jamais entendue. [79] [80]

L'engagement de Garland au Palace Theatre de Manhattan en octobre 1951 a dépassé tous les records précédents pour le théâtre et pour Garland, et a été qualifié de "l'un des plus grands triomphes personnels de l'histoire du show business". [81] Garland a été honoré d'un Tony Award spécial pour sa contribution à la renaissance du vaudeville. [82]

Garland a divorcé de Minnelli la même année. [83] Le 8 juin 1952, elle a épousé Sidney Luft, son directeur de tournée et producteur, à Hollister, Californie. [84] Garland a donné naissance à Lorna Luft, elle-même devenue actrice et chanteuse, le 21 novembre 1952, et à Joey Luft le 29 mars 1955. [85]

Le retour d'Hollywood Modifier

Garland est apparu avec James Mason dans le film de Warner Bros. Une star est née (1954), le premier remake du film de 1937. Elle et Sidney Luft, son mari d'alors, ont produit le film par l'intermédiaire de leur société de production, Transcona Enterprises, tandis que Warner Bros. a fourni le financement, les installations de production et l'équipe. [86] Dirigé par George Cukor, c'était une grande entreprise à laquelle elle s'est d'abord entièrement consacrée. [87]

Au fur et à mesure que le tournage progressait, cependant, elle a commencé à faire les mêmes plaidoyers de maladie qu'elle avait si souvent fait lors de ses derniers films à la MGM. Les retards de production ont entraîné des dépassements de coûts et des confrontations en colère avec le directeur de Warner Bros. Jack L. Warner. La photographie principale s'est terminée le 17 mars 1954. À la suggestion de Luft, le medley "Born in a Trunk" a été filmé comme une vitrine pour elle et inséré malgré les objections du réalisateur Cukor, qui craignait que la longueur supplémentaire ne conduise à des coupures dans d'autres domaines. Il a été achevé le 29 juillet. [88]

Lors de sa première mondiale le 29 septembre 1954, le film a été acclamé par la critique et le public. Avant sa sortie, il a été monté sur instruction des opérateurs de cinéma Jack Warner, inquiets de perdre de l'argent parce qu'ils ne pouvaient faire tourner le film que trois ou quatre spectacles par jour au lieu de cinq ou six, a fait pression sur le studio pour qu'il fasse des réductions. Après ses premiers engagements, environ 30 minutes de séquences ont été coupées, suscitant l'indignation des critiques et des cinéphiles. Bien qu'il soit toujours populaire, attirant des foules énormes et rapportant plus de 6 000 000 $ lors de sa première sortie, Une star est née n'a pas récupéré son coût et a fini par perdre de l'argent. En conséquence, la position financière sûre que Garland attendait des bénéfices ne s'est pas matérialisée. [89] Transcona n'a plus fait de films avec Warner. [90]

Garland a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice et, à l'approche de la 27e cérémonie des Oscars, on s'attendait généralement à ce qu'elle gagne pour Une star est née. Elle n'a pas pu assister à la cérémonie car elle venait de donner naissance à son fils, Joseph Luft. Une équipe de télévision était donc dans sa chambre d'hôpital avec des caméras et des câbles pour diffuser son discours d'acceptation attendu. L'Oscar a toutefois été remporté par Grace Kelly pour La fille de la campagne (1954). L'équipe de tournage faisait ses bagages avant même que Kelly n'atteigne la scène. Groucho Marx a envoyé un télégramme à Garland après la cérémonie de remise des prix, déclarant sa perte "le plus gros vol depuis Brinks". Temps a qualifié sa performance de "à peu près le plus grand one-woman show de l'histoire du cinéma moderne". [91] Garland a remporté le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale pour le rôle. [92]

Les films de Garland après Une star est née inclus Jugement à Nuremberg (1961) (pour lequel elle a été nominée aux Oscars et aux Golden Globes de la meilleure actrice dans un second rôle), le long métrage d'animation Gay ronronnement (1962), et Un enfant attend (1963) avec Burt Lancaster. Son dernier film était Je pourrais continuer à chanter (1963), avec Dirk Bogarde. [93]

Télévision, concerts et Carnegie Hall Modifier

Garland est apparu dans un certain nombre d'émissions télévisées à partir de 1955. Le premier était le premier épisode de 1955 de Ford Star Jubilé il s'agissait de la première diffusion couleur à grande échelle jamais diffusée sur CBS et ce fut un triomphe d'audience, obtenant une note de 34,8 Nielsen. Elle a signé un contrat de 300 000 $ sur trois ans avec le réseau. Une seule émission spéciale supplémentaire a été diffusée en 1956, une édition-concert en direct de Théâtre électrique général, avant que la relation entre les Lufts et CBS ne se brise dans un différend sur le format prévu des émissions spéciales à venir. [94]

En 1956, Garland a joué pendant quatre semaines au New Frontier Hotel sur le Strip de Las Vegas pour un salaire de 55 000 $ par semaine, faisant d'elle l'artiste la mieux payée à travailler à Las Vegas. [95] Malgré un bref épisode de laryngite, où pour une performance, Jerry Lewis a rempli pour qu'elle regarde depuis un fauteuil roulant, ses performances là-bas ont été si réussies que sa course a été prolongée d'une semaine supplémentaire. [96] Plus tard cette année-là, elle est revenue au Théâtre de Palais, le site de son triomphe de deux par jour. Elle a ouvert ses portes en septembre, une fois de plus avec des critiques élogieuses et des acclamations populaires. [97]

En novembre 1959, Garland a été hospitalisée après avoir reçu un diagnostic d'hépatite aiguë. [98] Au cours des semaines suivantes, plusieurs litres de liquide ont été évacués de son corps jusqu'à sa sortie de l'hôpital en janvier 1960, toujours dans un état de faiblesse. Les médecins lui ont dit qu'elle avait probablement cinq ans ou moins à vivre et que, même si elle survivait, elle serait à moitié invalide et ne chanterait plus jamais. [99] Elle s'est d'abord sentie « grandement soulagée » au diagnostic. "La pression était hors de moi pour la première fois de ma vie." [73] Cependant, elle a récupéré au cours des prochains mois et en août de cette année, est revenue au stade du Palladium. Elle s'est sentie si chaleureusement embrassée par les Britanniques qu'elle a annoncé son intention de s'installer définitivement en Angleterre. [100]

Au début de 1960, Garland a signé un contrat avec Random House pour écrire son autobiographie. Le livre devait s'appeler L'histoire de Judy Garland, et serait une collaboration avec Fred F. Finklehoffe. Garland a reçu une avance de 35 000 $, et elle et Finklehoffe ont enregistré des conversations sur sa vie pour être utilisées dans la production d'un manuscrit. Garland a travaillé sur son autobiographie par intermittence tout au long des années 1960, mais ne l'a jamais achevée.Des parties de son autobiographie inachevée ont été incluses dans la biographie de 2014, Judy Garland sur Judy Garland : interviews et rencontres par Randy L. Schmidt. [101] [102]

Son apparition en concert au Carnegie Hall le 23 avril 1961 a été un moment fort, appelé par beaucoup « la plus grande soirée de l'histoire du show business ». [103] L'album à deux disques Judy à Carnegie Hall a été certifié or, cartographié pendant 95 semaines sur Panneau d'affichage, dont 13 semaines au numéro un. Il a remporté quatre Grammy Awards, dont celui de l'album de l'année et celui de la meilleure voix féminine de l'année. [104]

Le spectacle de Judy Garland Éditer

En 1961, Garland et CBS ont réglé leurs différends contractuels avec l'aide de son nouvel agent, Freddie Fields, et ont négocié une nouvelle série de promotions. Le premier, intitulé Le spectacle de Judy Garland, diffusé le 25 février 1962 [105] et présentait les invités Frank Sinatra et Dean Martin. [106] À la suite de ce succès, CBS lui a fait une offre de 24 millions de dollars pour sa propre série télévisée hebdomadaire, également appelée Le spectacle de Judy Garland, qui était à l'époque considéré dans la presse comme "le plus gros deal de talents de l'histoire de la télévision". Bien qu'elle ait dit dès 1955 qu'elle ne ferait jamais de série télévisée hebdomadaire, [107] au début des années 1960, elle était dans une situation financière précaire. Elle avait plusieurs centaines de milliers de dollars de dettes envers l'Internal Revenue Service, n'ayant pas payé d'impôts en 1951 et 1952, et l'échec de Une star est née signifiait qu'elle n'avait rien reçu de cet investissement. [108]

Après une troisième spéciale, Judy Garland et ses invités Phil Silvers et Robert Goulet, la série hebdomadaire de Garland a fait ses débuts le 29 septembre 1963. [109] Le spectacle de Judy Garland a été salué par la critique, [110] [111] mais pour diverses raisons (y compris le fait d'être placé dans la tranche horaire opposée Aubaine sur NBC), l'émission n'a duré qu'une saison et a été annulée en 1964 après 26 épisodes. Malgré sa courte durée, la série a été nominée pour quatre Emmy Awards, dont celui de la meilleure série de variétés. [112]

Pendant ce temps, Garland a eu une liaison de six mois avec l'acteur Glenn Ford. Le biographe de Garland Gerald Clarke, le fils de Ford Peter, le chanteur Mel Tormé et son mari Sid Luft ont écrit sur l'affaire dans leurs biographies respectives. La relation a commencé en 1963 alors que Garland faisait son émission de télévision. Ford assistait aux enregistrements de l'émission assis au premier rang pendant que Garland chantait. Ford est crédité d'avoir donné à Garland l'une des relations les plus stables de sa vie future. L'affaire a été terminée par Ford (un coureur de jupons notoire selon son fils Peter) lorsqu'il a réalisé que Garland voulait l'épouser. [113]

Garland était un démocrate de longue date et relativement actif. Au cours de sa vie, elle a été membre du comité démocrate d'Hollywood et soutien financier et moral de diverses causes, dont le mouvement des droits civiques. Elle a donné de l'argent aux campagnes des candidats démocrates à la présidentielle Franklin D. Roosevelt, Adlai Stevenson II, John F. Kennedy et Robert F. Kennedy, et du candidat progressiste Henry A. Wallace. [114] [115] [116] [117]

En septembre 1947, Garland a rejoint le Comité pour le premier amendement, un groupe formé par des célébrités hollywoodiennes en soutien aux Hollywood Ten lors des audiences du House Un-American Activities Committee (HUAC), un comité d'enquête de la Chambre des représentants des États-Unis. dirigé par J. Parnell Thomas, qui a été formé pour enquêter sur les allégations de déloyauté et d'activités subversives de la part de citoyens privés, d'employés publics et d'organisations soupçonnés d'avoir des liens communistes. Le Comité pour le premier amendement a cherché à protéger les libertés civiles des accusés. Les autres membres comprenaient Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Dorothy Dandridge, John Garfield, Katharine Hepburn, Lena Horne, John Huston, Gene Kelly et Billy Wilder. Garland a participé à l'enregistrement d'une émission de radio all-star le 26 octobre 1947, Hollywood contre-attaque, au cours de laquelle elle a exhorté les auditeurs à agir : « Avant que chaque conscience libre en Amérique ne soit citée à comparaître, veuillez vous exprimer ! Dites votre article ! Écrivez une lettre à votre membre du Congrès – spéciale par avion. Faites savoir au Congrès ce que vous pensez de son Comité anti-américain. ." [118]

Garland était une amie du président John F. Kennedy et de son épouse Jacqueline Kennedy, et elle passait souvent des vacances à Hyannis Port, dans le Massachusetts. La maison dans laquelle elle a séjourné pendant ses vacances à Hyannis Port est connue aujourd'hui sous le nom de Judy Garland House en raison de son association avec la propriété. [119] Garland appelait le président chaque semaine, mettant souvent fin à ses appels téléphoniques en chantant les premières mesures de "Over the Rainbow". [119]

Le 28 août 1963, Garland et d'autres célébrités telles que Joséphine Baker, Sidney Poitier, Lena Horne, Paul Newman, Rita Moreno et Sammy Davis, Jr. ont participé à la marche sur Washington pour l'emploi et la liberté, une manifestation organisée pour défendre pour les droits civils et économiques des Afro-Américains. Elle avait été photographiée par la presse à Los Angeles au début du mois aux côtés d'Eartha Kitt, Marlon Brando et Charlton Heston alors qu'ils planifiaient leur participation à la marche sur la capitale nationale.

Le 16 septembre 1963, Garland - avec sa fille Liza, Carolyn Jones, June Allyson et la fille d'Allyson Pam Powell - a tenu une conférence de presse pour souligner et protester contre le récent attentat à la bombe contre l'église baptiste de la 16e rue à Birmingham, en Alabama, qui a entraîné la mort de quatre jeunes filles afro-américaines. Ils ont exprimé leur choc face aux événements et ont demandé des fonds pour les familles des victimes. Pam Powell et Liza Minnelli ont toutes deux annoncé leur intention d'assister aux funérailles des victimes lors de la conférence de presse. [120] [121]

En 1963, Garland a poursuivi Sidney Luft en divorce pour cause de cruauté mentale. Elle a également affirmé qu'il l'avait frappée à plusieurs reprises alors qu'il buvait et qu'il avait même tenté de lui prendre leurs enfants par la force. [122] Elle avait demandé le divorce de Luft à plusieurs reprises, même dès 1956, mais ils s'étaient réconciliés à chaque fois. [123]

Après l'annulation de sa série télévisée, Garland est retournée travailler sur scène. Elle est retournée au London Palladium avec sa fille de 18 ans, Liza Minnelli, en novembre 1964. Le concert a également été diffusé sur la chaîne de télévision britannique ITV et c'était l'une de ses dernières apparitions sur place. Elle a fait des apparitions sur Le spectacle d'Ed Sullivan et Le spectacle de ce soir. Garland a animé un épisode de Le palais d'Hollywood avec Vic Damone. Elle a été invitée à nouveau pour un deuxième épisode en 1966 avec Van Johnson en tant qu'invité. Des problèmes avec le comportement de Garland l'ont terminée Palais d'Hollywood apparitions d'invités. [124]

Une tournée de 1964 en Australie s'est mal terminée. Les deux premiers concerts de Garland à Sydney ont eu lieu au Sydney Stadium car aucune salle de concert ne pouvait accueillir les foules débordantes qui voulaient la voir. Les deux se sont bien passés et ont reçu des critiques positives. Sa troisième représentation, à Melbourne, a commencé avec une heure de retard. La foule de 7 000 personnes était en colère contre son retard et croyait qu'elle était ivre, ils l'ont huée et chahutée, et elle a fui la scène après 45 minutes. [125] Elle a caractérisé plus tard la foule de Melbourne comme "brutale". [126] L'aspect de Melbourne de Garland a gagné une réponse négative de presse. [127]

Le promoteur de la tournée de Garland, Mark Herron, a annoncé qu'ils s'étaient mariés à bord d'un cargo au large des côtes de Hong Kong. Cependant, elle n'était pas officiellement divorcée de Luft au moment de la cérémonie. [128] Le divorce est devenu définitif le 19 mai 1965, [122] et elle et Herron ne se sont pas mariés légalement avant le 14 novembre 1965, ils se sont séparés cinq mois plus tard. [129] Lors de leur divorce, Garland a témoigné que Herron l'avait battue. Herron a affirmé qu'il « ne l'avait frappée qu'en état de légitime défense ». [130]

Pendant une grande partie de sa carrière dans les années 1950 et au début des années 1960, son mari Sidney Luft avait été son manager. Cependant, Garland s'est finalement séparé de Luft professionnellement, signant avec les agents Freddie Fields et David Begelman. À l'automne 1966, Garland s'était également séparé de Fields et Begelman. La mauvaise gestion par Fields et Begelman de l'argent de Garland, ainsi que le détournement d'une grande partie de ses revenus, lui ont valu environ 500 000 $ au total en dettes personnelles et en dettes envers l'IRS. L'IRS a placé des privilèges fiscaux sur sa maison à Brentwood, Los Angeles, son contrat d'enregistrement avec Capitol Records et toute autre transaction commerciale dans laquelle elle pourrait tirer un revenu. [131]

Garland s'est retrouvée dans une situation désespérée qui l'a vue vendre sa maison de Brentwood à un prix bien inférieur à sa valeur. Elle est ensuite castée en février 1967 dans le rôle d'Helen Lawson dans Vallée des poupées par 20th Century Fox. [132] Selon la co-star Patty Duke, Garland a été mal traité par le réalisateur Mark Robson sur le tournage de Vallée des poupées et a été principalement embauché afin d'augmenter la publicité pour le film. [133] Après le renvoi de Garland du film, l'auteur Jacqueline Susann a déclaré dans le documentaire télévisé de 1967 Jacqueline Susann et la Vallée des Poupées, "Je pense que Judy reviendra toujours. Elle aime faire beaucoup de retours, mais je pense que Judy a une sorte de truc où elle doit aller au bout de la corde et les choses doivent devenir très, très difficiles pour puis avec une force intérieure incroyable qui ne vient que d'un certain génie, elle revient plus grande que jamais". [134]

De retour sur scène, Garland a fait l'une de ses dernières apparitions aux États-Unis au Palace Theatre de New York en juillet 1967, un stand de 27 spectacles, avec ses enfants Lorna et Joey Luft. Elle portait un tailleur-pantalon à sequins sur scène pour cette tournée, qui faisait partie de la garde-robe originale de son personnage dans Vallée des poupées. [135] Garland a gagné plus de 200 000 $ de sa dernière course au Palace Theatre de New York grâce à sa part de 75 % des bénéfices générés par son engagement là-bas. Le soir de la clôture au Palais, les agents fiscaux fédéraux ont saisi la majorité de ses gains. [136]

Au début de 1969, la santé de Garland s'était détériorée. Elle a joué à Londres à la discothèque Talk of the Town pendant cinq semaines [137] dans laquelle elle était payée 2 500 £ par semaine, [101] et a fait sa dernière apparition en concert à Copenhague en mars 1969. [138] Après elle le divorce d'avec Herron avait été finalisé le 11 février, elle a épousé son cinquième et dernier mari, le directeur de la discothèque Mickey Deans, au Chelsea Register Office, à Londres, le 15 mars. [139]

Le 22 juin 1969, 12 jours après son 47e anniversaire, Garland a été retrouvée morte dans la salle de bain de sa maison louée à Cadogan Lane, Belgravia, Londres. [7] Lors de l'enquête, le coroner Gavin Thurston a déclaré que la cause du décès était « un surdosage imprudent » de barbituriques. Son sang contenait l'équivalent de dix capsules Seconal de 1,5 grain (97 mg). [140] Thurston a souligné que la surdose n'avait pas été intentionnelle et qu'aucune preuve ne suggérait qu'elle s'était suicidée. L'autopsie de Garland n'a montré aucune inflammation de sa muqueuse gastrique et aucun résidu de médicament dans son estomac, ce qui indiquait que le médicament avait été ingéré sur une longue période, plutôt qu'en une seule dose. Son acte de décès indiquait que sa mort était « accidentelle ». [141] À l'appui de la cause accidentelle, le médecin de Garland a noté qu'une ordonnance de 25 comprimés de barbituriques avait été trouvée à son chevet à moitié vide et qu'une autre bouteille de 100 comprimés de barbituriques n'avait toujours pas été ouverte. [142]

Un spécialiste britannique qui avait assisté à l'autopsie de Garland a déclaré qu'elle avait néanmoins vécu en sursis en raison d'une cirrhose, bien qu'une deuxième autopsie effectuée plus tard n'ait révélé aucun signe d'alcoolisme ou de cirrhose. [143] [144] Elle Magicien d'Oz La co-star Ray Bolger a commenté lors de ses funérailles: "Elle est tout simplement épuisée." [145] Le médecin légiste Jason Payne-James croyait que Garland avait un trouble de l'alimentation (la psychologue Linda Papadopoulos a affirmé qu'il s'agissait probablement de boulimie), ce qui a contribué à sa mort. [146]

Après l'embaumement du corps de Garland, Deans s'est rendue avec sa dépouille à New York le 26 juin, où environ 20 000 personnes ont fait la queue pour rendre hommage à la chapelle funéraire Frank E. Campbell à Manhattan, qui est restée ouverte toute la nuit pour accueillir la foule débordante. Le 27 juin, James Mason a prononcé un éloge funèbre lors des funérailles, un service épiscopal dirigé par le révérend Peter Delaney de l'église paroissiale St Marylebone de Londres, qui avait célébré son mariage avec Deans, trois mois plus tôt. [147] "Le grand cadeau de Judy", a déclaré Mason dans son éloge funèbre, "était qu'elle pouvait arracher des larmes aux cœurs de la roche. Elle a donné si richement et si généreusement, qu'il n'y avait aucune monnaie dans laquelle la rembourser." [148] Le public et la presse étaient interdits. Elle a été enterrée dans une crypte du mausolée communautaire du cimetière de Ferncliff à Hartsdale, New York, une petite ville à 39 km au nord du centre de Manhattan. [149]

À la mort de Garland, bien qu'elle ait gagné des millions au cours de sa carrière, sa succession s'élevait à 40 000 $ US (équivalent à 282 287 $ en 2020). Des années de mauvaise gestion de ses affaires financières par ses représentants et son personnel ainsi que sa générosité envers sa famille et diverses causes ont entraîné sa mauvaise situation financière à la fin de sa vie. Dans son testament, signé et scellé au début de 1961, Garland a fait de nombreux legs généreux qui n'ont pas pu être honorés parce que sa succession était endettée depuis de nombreuses années. Sa fille, Liza Minnelli, a travaillé pour rembourser les dettes de sa mère avec l'aide de l'ami de la famille Frank Sinatra. [150] En 1978, une sélection d'objets personnels de Garland a été mise aux enchères par son ex-mari Sidney Luft avec le soutien de leur fille Lorna et de leur fils Joe. Près de 500 articles, allant des ustensiles de cuisine en cuivre aux arrangements musicaux, ont été proposés à la vente. La vente aux enchères a permis de récolter 250 000 $ US (équivalent à 991 964 $ en 2020) pour ses héritiers. [151]

À la demande de ses enfants, les restes de Garland ont été exhumés du cimetière de Ferncliff en janvier 2017 et réinhumés à 4 500 km à travers le pays au cimetière d'Hollywood Forever à Los Angeles. [152]

Garland possédait une gamme vocale contralto. [153] [154] [155] Sa voix de chant a été décrite comme cuivrée, [21] puissante, sans effort et résonnante, [156] démontrant souvent un vibrato tremblant, [157] puissant. [158] Bien que sa gamme soit relativement limitée, Garland était capable d'alterner entre des timbres à consonance féminine et masculine avec peu d'effort. [159] Le Richmond Times-Dispatch le correspondant Tony Farrell a écrit qu'elle possédait « une voix de contralto profonde et veloutée qui pouvait allumer un centime pour faire retentir les notes aiguës », [155] tandis que Ron O'Brien, producteur de l'album hommage La collection définitive – Judy Garland (2006), a écrit la combinaison de la chanteuse entre un phrasé naturel, une prestation élégante, un pathos mature "et la puissante dynamique dramatique qu'elle apporte aux chansons en font [les interprétations] les interprétations définitives". [160] Le Huffington Post L'écrivain Joan E. Dowlin a appelé la période de la carrière musicale de Garland entre 1937 et 1945 les « années innocentes », au cours desquelles le critique estime que « la voix de la chanteuse était vibrante et son expression musicale exubérante », prenant note de sa résonance et distincte, « riche mais douce " qualité " qui vous saisit et vous attire ". [160] La voix de Garland variait souvent pour s'adapter à la chanson qu'elle interprétait, allant de douce, engageante et tendre pendant les ballades à humoristique sur certains de ses duos avec d'autres artistes. [160] Ses performances plus joyeuses et ceinturées ont été comparées aux artistes Sophie Tucker, Ethel Merman et Al Jolson. [159] Bien que son répertoire musical se composait en grande partie d'enregistrements de casting, d'airs de spectacle et de standards pop traditionnels, [161] Garland était aussi capable de chanter de la soul, du blues et de la musique jazz, que Dowlin a comparé au chanteur Elvis Presley. [160]

Garland a toujours affirmé que son talent d'interprète était hérité, déclarant: "Personne ne m'a jamais appris quoi faire sur scène." [162] Les critiques conviennent que, même quand elle a fait ses débuts comme un enfant, [161] Garland avait toujours semblé mûr pour son âge, [163] en particulier sur ses premiers enregistrements. [160] Dès son plus jeune âge, Garland avait été présentée comme « la petite fille aux poumons de cuir », [162] une désignation par laquelle la chanteuse a admis plus tard s'être sentie humiliée parce qu'elle aurait de loin préféré être connue du public comme une « jolie » ou « gentille petite fille ». [164] Jessel a rappelé que, même à seulement 12 ans, la voix chantée de Garland ressemblait à celle d'une "femme au cœur qui avait été blessé". [162] L'étoile de Kansas City le contributeur Robert Trussel a cité la voix chantée de Garland parmi les raisons pour lesquelles son rôle dans Le magicien d'Oz reste mémorable, écrivant que même si "Elle aurait pu être maquillée et costumée pour ressembler à une petite fille. Elle n'a pas chanté comme telle" en raison de son "puissant contralto attirant l'attention". [156] Camille Paglia, écrivant pour Le New York Times, a plaisanté en disant que même dans la vie d'adulte de Garland, "son petit corps palpitait littéralement de sa voix énorme", donnant l'impression qu'elle était "en guerre avec son propre corps". [159] L'actrice de théâtre et metteur en scène Donna Thomason a déclaré que Garland était une interprète "efficace" parce qu'elle était capable d'utiliser sa "voix de chant [comme] une extension naturelle de [sa] voix parlée", une compétence que Thomason croit tout théâtre musical les acteurs devraient au moins s'efforcer d'atteindre. [156] Trussel a convenu que "la voix chantée de Garland sonnait tout à fait naturelle. Elle n'a jamais semblé forcée ou trop entraînée." [156]

Écrivant pour Turner Classic Movies, le biographe Jonathan Riggs a observé que Garland avait tendance à imprégner sa voix d'une combinaison paradoxale de « fragilité et de résilience » qui est finalement devenue sa marque de fabrique. [157] Louis Bayard de Le Washington Post a décrit la voix de Garland comme "lancinante", la croyant capable de "se connecter [au public] d'une manière qu'aucune autre voix ne fait". [165] Bayard croit également que les auditeurs « ont du mal à démêler le chagrin dans sa voix du chagrin qui hantait sa vie », [165] tandis que Dowlin a fait valoir que « Écouter Judy chanter. me fait oublier toute l'angoisse et souffrance qu'elle a dû endurer." [160] Le New York Times nécrologue en 1969 a observé que Garland, que ce soit intentionnellement ou non, "a apporté avec elle. [21] Le même écrivain a dit que la voix de Garland a changé et a perdu une partie de sa qualité en vieillissant, bien qu'elle ait conservé une grande partie de sa personnalité. [21] Contribuer à la Irlandais indépendant, Julia Molony a observé que la voix de Garland, bien que « encore riche d'émotions », avait finalement commencé à « grincer sous le poids d'années de déception et de vie dure » ​​au moment où elle se produisit au Carnegie Hall en 1961. [166] De même, le l'entrée de live record à la Bibliothèque du Congrès a écrit que "bien que sa voix était encore forte, elle avait également gagné un peu de poids et un peu d'usure", l'auteur Cary O'Dell pense que la râpe de Garland et "le frémissement occasionnel" n'ont fait que "augmenter quotient de plusieurs de ses numéros", en particulier sur ses chansons emblématiques "Over the Rainbow" et "The Man That Got Away". [167] Garland a déclaré qu'elle se sentait toujours plus en sécurité et à l'aise lorsqu'elle se produisait sur scène, quel que soit l'état de sa voix. [168] Son talent musical a été félicité par ses pairs. La chanteuse d'opéra Maria Callas a dit un jour que Garland possédait "la voix la plus superbe qu'elle ait jamais entendue", tandis que le chanteur et acteur Bing Crosby a déclaré qu'"aucune autre chanteuse ne pouvait être comparée à elle". quand Garland était reposé. [163]

Garland était connue pour interagir avec son public lors de performances en direct Le New York Times nécrologue a écrit que Garland possédait « un besoin apparemment inextinguible pour son public de répondre avec éloges et affection. Et souvent, ils l'ont fait, en criant : « Nous t'aimons, Judy – nous t'aimons. » [21] Garland elle-même a expliqué en 1961 : "Une très bonne réception me donne l'impression d'avoir un grand coussin chauffant chaud sur moi. J'ai vraiment un grand amour pour un public, et je voulais le leur prouver en leur donnant du sang. Mais j'ai un une nouveauté amusante maintenant, une réelle détermination à faire profiter les gens du spectacle." [169] Le New York Times L'écrivain l'a décrite à la fois comme « une actrice et une comédienne instinctive ». Le contributeur anonyme a commenté que le style de performance de Garland ressemblait à celui « d'un artiste de music-hall à une époque où les music-halls étaient obsolètes ». [21] Les amis proches de Garland ont insisté sur le fait qu'elle n'a jamais vraiment voulu être une star de cinéma et qu'elle aurait plutôt consacré sa carrière entièrement au chant et à l'enregistrement de disques. [164] Le biographe d'AllMusic William Ruhlmann croit que la capacité de Garland à maintenir une carrière réussie en tant qu'artiste d'enregistrement même après que ses apparitions au cinéma soient devenues moins fréquentes était inhabituelle pour un artiste à l'époque. [161] Garland a été identifiée comme une triple menace en raison de sa capacité à chanter, jouer et danser, [170] sans doute tout aussi bien. [171] Doug Strassler, critique de la Presse new-yorkaise, a décrit Garland comme une « triple menace » qui « a rebondi entre les comédies musicales familiales et les drames pour adultes avec une précision et un talent qui restent largement inégalés ». [172] En termes d'acteur, Peter Lennon, écrivant pour Le gardien en 1999, a identifié Garland comme un « caméléon » en raison de sa capacité à alterner entre les rôles comiques, musicaux et dramatiques, citant Le magicien d'Oz, L'horloge, Une star est née et Je pourrais continuer à chanter – son dernier rôle au cinéma – comme exemples marquants. [173] Michael Musto, journaliste pour W magazine, a écrit que dans ses rôles au cinéma, Garland « pouvait projeter la décence, la vulnérabilité et le sperme comme aucune autre star, et elle l'a enveloppé avec une prestation vocale tremblante qui pourrait faire fondre même le troll le plus endurci ». [174]

  • L'album souvenir de Judy Garland (1940)
  • Deuxième album souvenir (1943)
  • Miss Show Business (1955)
  • Judy (1956)
  • Seul (1957)
  • Judy amoureuse (1958)
  • La lettre (1959)
  • C'est le divertissement! (1960)
  • La touche de guirlande (1962)

Garland était presque aussi célèbre pour ses luttes personnelles dans la vie quotidienne que pour sa carrière dans le divertissement. [159] Elle a été étroitement associée à son image de fille d'à côté soigneusement cultivée. [166] Au début de sa carrière au cours des années 1930, l'image publique de Garland lui avait valu le titre "la petite sœur préférée de l'Amérique", [162] ainsi que le titre "Petite Miss Showbusiness". [175] [176] Dans une revue pour le Tribune des étoiles, Graydon Royce a écrit que l'image publique de Garland restait celle d'"une fille du Midwest qui ne pouvait pas croire où elle était", malgré le fait qu'elle soit une célébrité bien établie depuis plus de 20 ans. [168] Royce pense que les fans et le public ont insisté pour préserver leur mémoire de Garland en tant que Dorothy, peu importe à quel point elle a mûri, la qualifiant de « captive non pas de son propre désir de rester jeune, mais captive du désir du public de la préserver que manière". [168] Ainsi, le studio a continué à lancer Garland dans des rôles beaucoup plus jeunes que son âge réel. [168]

Selon Malony, Garland était l'une des artistes les plus travailleuses d'Hollywood dans les années 1940, que Malony prétend avoir utilisé comme mécanisme d'adaptation après l'implosion de son premier mariage. [166] Cependant, les employés du studio se souviennent que Garland avait tendance à être assez intense, entêté et volatile [162] Judy Garland : La vie secrète d'une légende américaine L'auteur David Shipman affirme que plusieurs personnes ont été frustrées par le « narcissisme » et « l'instabilité croissante » de Garland, tandis que des millions de fans ont trouvé son comportement public et son état psychologique « fragiles », [175] [166] apparaissant névrosés dans les interviews. [168] MGM rapporte que Garland était constamment en retard et montrait un comportement erratique, ce qui a entraîné plusieurs retards et perturbations dans les horaires de tournage jusqu'à ce qu'elle soit finalement renvoyée du studio, ce qui l'avait jugée peu fiable et difficile à gérer. [166] Farrell a appelé Garland "Un fourre-tout de contradictions" qui "a toujours été un régal pour l'imagination américaine", décrivant sa personnalité publique comme "maladroite mais directe, timide mais impétueuse". [155] Décrivant la chanteuse comme « tendre et attachante mais sauvage et turbulente », Paglia a écrit que Garland « a tracé un chemin de destruction à travers de nombreuses vies. Et de ce chaos, elle a fait un art d'une intensité toujours brûlante. [159] L'appelant "une créature des extrêmes, avide, sensuelle et exigeante, gloutonne pour le plaisir et la douleur", [162] Paglia a également comparé Garland à l'artiste Frank Sinatra en raison de leur "personnalité emblématique commune. dans laquelle le public de masse a projeté ses espoirs et ses déceptions", tout en observant qu'elle n'avait pas les capacités de survie de Sinatra. [159]

Malgré son succès en tant qu'interprète, Garland souffrait d'une faible estime de soi, en particulier en ce qui concerne son poids, qu'elle suivait constamment un régime pour maintenir à la demande du studio et Mayer [162] [166] [174] critiques et historiens le croient. était le résultat d'avoir été dit qu'elle était un « vilain petit canard » par les dirigeants du studio. [160] Divertissement hebdomadaire le chroniqueur Gene Lyons a observé que le public et les autres membres de l'industrie du divertissement « avaient tendance soit à l'aimer, soit à la détester ». [175] À un moment donné, Stevie Phillips, qui avait travaillé comme agent pour Garland pendant quatre ans, a décrit sa cliente comme « une toxicomane démente, exigeante et extrêmement talentueuse ». [166] Royce soutient que Garland a maintenu « une force et un courage étonnants », même pendant les périodes difficiles. [168] L'acteur anglais Dirk Bogarde a appelé une fois Garland "la femme la plus drôle que j'aie jamais rencontrée". [165] Ruhlmann a écrit que la vie personnelle de la chanteuse " contrastait si fortement avec l'exubérance et l'innocence de ses rôles au cinéma ". [161]

Malgré ses difficultés personnelles, Garland n'était pas d'accord avec l'opinion du public selon laquelle elle était une figure tragique. [168] [173] Sa fille cadette Lorna a convenu que Garland "détestait" être considérée comme une figure tragique, expliquant: "Nous avons tous des tragédies dans nos vies, mais cela ne nous rend pas tragiques. Elle était drôle et elle était chaleureuse et elle était merveilleusement douée. Elle a eu de grands sommets et de grands moments dans sa carrière. Elle a également eu de grands moments dans sa vie personnelle. Oui, nous l'avons perdue à 47 ans. C'était tragique. Mais ce n'était pas une figure tragique. " [173] Ruhlmann soutient que Garland a en fait utilisé l'opinion du public sur son image tragique à son avantage vers la fin de sa carrière. [161]


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En vous disant que tout le monde (votre famille, les médias) est un menteur, cela vous fait encore une fois remettre en question votre réalité. Vous n'avez jamais connu quelqu'un qui a l'audace de faire ça, alors il doit dire la vérité, non ? Non. C'est une technique de manipulation. Cela pousse les gens à se tourner vers l'allume-gaz pour obtenir les informations « correctes », qui ne sont pas du tout des informations correctes.

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Commentaires:

  1. Werian

    idée très précieuse

  2. Kassim

    Drôle, je l'ai montré à mes amis

  3. Eurus

    Ooooh ! C'est exactement ce qu'il dit. J'aime quand tout est en place et en même temps compréhensible pour un simple mortel.



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